lunes, 29 de febrero de 2016

Reservoir Dogs (1992)

Ninguna nominación al Oscar.

Luego del incendio que hubo, solo se pudo salvar 35 minutos de los 69 que originalmente tenía My Best Friend's Birthday, primera película de Quentin Tarantino. Debido a su corta duración fue considerada cortometraje.

Reservoir Dogs es considerada oficialmente como opera prima del director y es con esa película, este alcanza la fama y el culto que hasta ahora se le sigue atribuyendo. La película es completa, es perfecta donde se le vea, tiene de todo: un guión jodidamente loco cargado de diálogos lleno de humor negro del bueno, las actuaciones más notables y recordadas sobre ladrones, un soundtrack delicioso, un elenco de lujo donde todos brillan y una combinación poderosa de thriller y acción.

Es cierto que la película fue un cague de risa de inicio a fin, pero si me dijeran qué escena fue la mejor, me volvería loco y dijera: “¿Solo una?, la puta madre, dame dos”. Y bueno, son las siguientes:

El inicio, aquella conversación casual entre ladrones, ladrones con mucho sentido del humor por cierto, hablando sobre música, especialmente de “Like a virgin” de Madonna, cada comentario, cada opinión del origen de esta canción, cada explicación, cada mierda que salían de sus bocas era lo más insólito que se haya podido escuchar. Jodidamente brillante.

Y la segunda sería sin duda la escena en el almacén entre Mr. Blonde (Michael Madsen) y el policía, esa mierda sí que fue brutal, nunca había visto tanta demencia en un ladrón, a este le importaba un carajo la verdad, lo único que quería era disfrutar del dolor, el dolor ajeno por cierto, disfrutar torturando a un “inocente” policía. Jodidamente demencial.

domingo, 28 de febrero de 2016

Days of Wine and Roses (1962)

1 Oscar: Mejor canción
5 nominaciones.

Cuando supe de la existencia de Days of Wine and Roses y vi que el gran Jack Lemmon actuaba en ella, supuse que me iba a topar con una historia de amor, tipo The Apartment, pero me equivoqué rotundamente. El tema principal de la película es la adicción al alcohol y es que el alcohol no es tan solo una droga legal y socialmente aceptada, si no, en algunos casos, es un arma de doble filo que puede sumergirte en el hondo del pantano, en lo más profundo de la mierda.

El mérito de Blake Edwards es que logra meterte en la historia y hacer creíble lo que ves. La crítica a este mal es muy potente y muy bien llevada, de a pocos, ocultando su intención y de pronto logra hacerte reflexionar. Películas del mismo estilo hay por montones, si hablamos de las drogas, pero películas sobre alcoholismo como esta, ninguna.

Por otra parte, excelente actuación de Jack Lemmon (Joe Clay) y Lee Remick (Kirsten). La química entre ellos se notó del principio y sin dudas contribuyó al performance de estos. Es cierto que en películas como estas solo se necesita que la pareja protagonista brille y se coma la pantalla, los demás actores, como su mismo nombre, son secundarios, complemento de la historia.

sábado, 27 de febrero de 2016

Plan 9 from Outer Space (1959)

Ninguna nominación al Oscar.

No puedo creer lo que acabo de ver, es la peor película que he visto en mi puta vida, incluso peor que Epic Movie o Meet the Spartans. Ahora entiendo por qué el público tiró basura frente a la pantalla del cine y persiguió a los actores para lincharlos. Y es que no se le puede perdonar al gran Ed Wood que la película fue filmada en los años 50, porque en esa década hubo películas fabulosas producidas por el cine norteamericano como Vertigo, All About Eve, Ben-Hur, Dial M for Murder o Rear Window, y si ponen excusas de que fueron grandes producciones de Hollywood y Ed Wood tenía un presupuesto muy corto, entonces podría citar a películas interesantes de ciencia ficción de esos años que al igual que Plan 9 from outer space fueron Serie B, pero indudablemente mejores elaboradas: Invasion of the Body Snatchers y Forbidden Planet.

La película es una perfecta mierda: actuaciones risibles y penosas (solo uno de todo el elenco era actor profesional, los demás eran improvisados), el guión fue una basura sin pies ni cabeza, los personajes no estaban establecidos (¿quién mierda era el protagonista?), la fotografía es la peor que he visto en años y los efectos especiales fueron deplorables (las explosiones, las luces, todo daba pena, hasta los platillos voladores, que se notan que eran juguetes movidos por un hilo sobre una maqueta). 

Definitivamente el destino hizo que Ed Wood sea el peor director de la historia del cine poniendo en su vida a personajes tan excéntricos como carentes de talento: conoció a Béla Lugosi ya anciano y drogadicto, cuando era solo una sombra de aquel terrorífico vampiro. Por otra lado, conoció a Vampira: una extraña presentadora de un programa en Tv de terror que aceptó trabajar con él porque la habían despedido, Criswell: un vidente que se hizo famoso por predecir la muerte de Kennedy, Thomas R. Mason: un pedicurista –luego de la muerte de Bela Lugosi, a Ed Wood no se le ocurrió mejor idea que él continúe con el personaje, haciendo que Thomas salga tapándose medio rostro solo mostrando sus ojos, para que no sea confundido, aunque la diferencia de tamaños entre ellos era visible– y Tor Johnson: un luchador de lucha libre. 

¿Están listos para leer de qué trata esta cagada? Bueno, ahí les va: Platillos voladores son vistos por los cielos de Estados Unidos, las autoridades a pesar de todas las pruebas niegan rotundamente la existencia de estos, así que los extraterrestres hacen revivir a tres muertos para sembrar el pánico entre los seres humanos. ¿El motivo de aquella extraña visita? Prevenir que los seres humanos alcancen el conocimiento necesario para realizar una bomba hecha de partículas solares y por ende, evitar el exterminio de la galaxia.

viernes, 26 de febrero de 2016

3-Iron (2004)

Ninguna nominación al Oscar.

Muchas veces el silencio significa más que un “perdón”, un “te quiero”, un “te odio” y muchas palabras más que se pierden en el aire. Kim Ki-duk nos sumerge en una historia original, en un excelente exponente del realismo mágico, que parte de una idea simple pero que a nadie se le ha ocurrido y es que en todo el tiempo de mi vida que me he dedicado a ver películas, nunca he visto algo así, algo tan sublime y placentero, algo tan profundo que llena de paz. 

Mentiría si dijera que pude escuchar palabra alguna entre la pareja protagonista. Mentiría también si dijera que no fui cómplice de un amor tan puro, de la compañía de dos almas gemelas. Mentiría si dijera que no me conmovió aquella historia. Mentiría también si dijera que no me sentí identificado con los dos, que no compartí su soledad, que no me dio esperanzas de ver un mundo tranquilo.

El director confesó que había observado afiches pegados en la puerta de muchas casas y estos permanecían ahí durante días, llegó a la conclusión que estas casas están deshabitadas. Así se le ocurrió la idea, de un chico –el cual nunca revelan su nombre– que realiza este ejercicio y habita casas durante algunos días, sin robar nada, tal vez utilizando la comida, pero lavándole la ropa que encontraba y reparando artefactos como arrepentimiento. 

Cuando el protagonista entra a la casa de una chica golpeada y estos se ven, rápidamente estos entienden que son almas gemelas, que ambos se encuentran solos en este mundo. Nunca supimos de donde provenía el protagonista, pero escuchamos que tenía estudios universitarios y estaba limpio en lo “legal”. Lo que sí fue fácil de percibir es que la chica golpeada era casada. Ambos deciden escapar de sus vidas y continuar con idilio inefable.

jueves, 25 de febrero de 2016

Quadrophenia (1979)

Ninguna nominación al Oscar.

Quadrophenia es una perfecta ilustración de la Inglaterra de los años 60 en donde prevalecía una rebeldía sin causa por parte de los jóvenes. Entre ellos habían dos bandos opuestos y rivales: los mods y los rockers. No es necesario describir a los rockers, porque hasta el día de hoy existen, aunque hayan evolucionado de alguna u otra forma. Lo que sí es importante explicar o describir es la cultura mod -que por cierto hasta antes de ver esta película desconocía totalmente-: jóvenes de clase media que usaban ropa de moda (preferentemente vestimenta formal de Italia), usaban scooters, escuchaban música jazz y ska jamaiquino, consumían anfetaminas y vivían de fiesta en fiesta. 

Lo interesante del film es mostrarnos que ambos bandos tenían muchas cosas en común, especialmente las ganas de diferenciarse del resto y la violencia que respiraban. A lo largo del tiempo han surgido miles de subculturas que han tenido su época y dejaron de existir. En este caso, los jóvenes de esa época envejecieron y formaron a ser parte de lo que odiaban y de seguro cambiaron de opinión, como el protagonista (Jimmy: Phil Daniels) al comprender el mundo de fantasía en cual vivían. 

La película gozó de críticas negativas debido a que en esa época era poco común ver una película llena de drogas y excesos. Se hizo muy popular entre los adolescentes que las veían a escondidas. En corto tiempo se convirtió en una película de culto.

Por otra parte, el final de la película es considerado como ambiguo ya que muchas personas creen que el protagonista se suicidó tirándose con el scooter de un barranco y otros piensan que solo tiró el scooter. Particularmente soy de los que piensan que tiró su scooter, ya que esto representaba todo su pasado y la cultura mod en sí, haciendo eso, volvía a escribir una nueva historia y reisentarse en la sociedad.

miércoles, 24 de febrero de 2016

Arrebato (1979)

Ninguna nominación al Oscar.

Arrebato es, de lejos, una de las películas más extrañas que he visto en mi puta vida. Lo desordenado de su guión y las escenas tan infumables no logran espantar al espectador, gracias a una voz en off hipnotizante y llena de intriga.

Observar dicha película es una experiencia sin igual, es sumergirse en un conjunto de pesadillas y cosas fuera de la realidad. Si me dijeran qué es cine experimental para ti y dilo con una palabra, sin dudas, diría: “Arrebato”. 

La película nos muestra a cuatro personajes importantes. José (Eusebio Poncela) es un joven director de Serie B. Un día, de visita a la casa de Marta, conoce a Pedro (Will More), un extraño sujeto que comparte el gusto por el cine. Ambos se ven en dos oportunidades. En la segunda vez, Ana (Cecilia Roth), ex novia de José, lo acompaña a la casa de Pedro. En dicha oportunidad comparten líneas de coca y un poco de heroína, sumergiéndose en alucinaciones y distorsionando la realidad. Tiempo después, un misterioso sobre llega a la casa de José, junto a su ex escuchan la cinta y ven el video, un conjunto de recuerdos pasa por sus cabezas y José impresionado y con mucha intriga decide saber qué le pasó a Pedro. La obsesión por el cine lentamente los matará uno por uno.

martes, 23 de febrero de 2016

Hairspray (1988)

Ninguna nominación al Oscar.

John Waters fiel a su cine bizarro, nos sorprende con una película donde el baile predomina de inicio a fin. Luego del éxito de Grease con Olivia Newton-John y John Travolta con sus peinados hechos con gel, exactamente diez años después se filma una película retro de la honda de los 60, teniendo como protagonistas a Ricki Lake y Divine, con sus voluminosos peinados hechos a base de laca y su gran masa muscular.

Lejos de algunas escenas cómicas, esta película critica dos cosas fundamentalmente: la estúpida moda de los programas de los años 60 y la discriminación racial. 

Actualmente nos quejamos de los reality shows basuras de competencias de educación física donde solo abunda gente sin cerebro y los programas tipo Jersey Shore donde solo se juntan para hacer escándalo y dar mal ejemplo a la gente, enseñando a ser superficiales. Gracias al poder del cine nos trasladamos a los 60 donde los tv shows populares eran sobre escolares blancos los cuales se destacaban a través de raras e incomprensibles coreografías. Divine era una chica gorda que aprovecha su oportunidad y logra ser una estrella de televisión, a pesar de no ser la típica rubia esbelta. 

Por otro lado, vemos el terrible y odioso racismo que se vivía en esas épocas, los blancos y los negros no podían juntarse, estaba prohibido que negros salgan en tv y la extrema paranoia que sufrían algunos blancos. Es reconfortante saber que ya son muchos años que en ese país que ya gobierna un negro y aunque la discriminación racial aun existe, ya no es tan escandalosa como antes.

lunes, 22 de febrero de 2016

Deadpool (2016)

Ninguna nominación al Oscar,

Dicen que la vida te da revanchas, Ryan Reynolds es el mejor ejemplo de eso. Habiendo interpretado a Deadpool en X-men origins: Wolverine, su poco protagonismo no fue lo único negativo (fue un personaje secundario), físicamente el personaje era abismalmente diferente al Deadpool de Cómic y según los fanáticos, y los que lo vieron, también su personalidad era distinta. 

Siete años más tarde decide aceptar otra vez un papel donde interprete a Deadpool, pero esta vez él iba a ser el responsable de darle una cara diferente, haciendo que se asemeje brutalmente al personaje del cómic, con su humor negro y ácido y las situaciones características (el Deadpool del cómic paraba las escenas de pelea e interactuaba con el lector, este Deadpool hace lo mismo pero con el espectador). Además le dio el visto bueno a cada meme, a cada spot publicitario que circulaba en internet y en los propios cines. 

Lo más destacable del director es que logró atraer la atención de muchas personas, que al igual que yo, no leen cómics y no saben casi nada del universo Marvel. Aprovechó el contexto y supo burlarse del género, del guión, de los personajes y de todo, de una manera espléndida. Es atípico en una película que el personaje se burle del actor que lo interpreta y de sus anteriores performances en otras películas (especialmente cuando protagonizó a Linterna Verde). Por otro lado, lograron convertir a un súper héroe secundario en un protagonista, un total desconocido en una figura. 

El reparto estuvo bonísimo: Ryan Reynolds personificó de una manera impecable a Deadpool, siendo el responsable de todas las jodas; por otra parte, Ed Skrein (Ajax) se convirtió en uno de los villanos que son imposibles de odiar y Morena Baccarin (Vanessa) desplegó belleza y sensualidad.

Wade, un ex militar que ahora es mercenario, se entera que tiene cáncer. A los días recibe una misteriosa propuesta: curarse pero con una condición, convertirse en un súper héroe. En el proceso de transformación descubre la capacidad de sus poderes y el extremo odio que siente por su verdugo. Años más tarde su venganza comienza.

domingo, 21 de febrero de 2016

Lars and the Real Girl (2007)

1 nominación al Oscar. 

Si estás cansado de la típica historia “Chico pobre/feo/tímido conoce chica rica/hermosa/inalcanzable, se enamoran, pelean, regresan y viven felices para siempre”, Lars and the Real Girl es una excelente opción para ver algo fresco, divertido y original. 

Craig Gillespie quedó inmortalizado en los anales del cine al dirigir esta pastrulada sin igual, claro, el mérito es compartido con todos los actores que participaron, especialmente Ryan Gosling, aquel popular Noah de The Notebook y posteriormente el Driver de una película de culto. Y es que verlo en un personaje tan introvertido y enfermo fue realmente extraño pero entrañable a la vez.

Aunque la película aparentemente se torne en una historia tierna, muy dentro abunda el humor negro, criticando tantas cosas de la sociedad, como por ejemplo, las muñecas sexuales, que son compradas por gente que no tiene la mínima oportunidad de tener contacto físico con una mujer de verdad. Por otro lado, nos conmueve con el crecimiento de una persona especial, con muchos traumas y que él solo puede ser la solución de sus problemas, él es el único que puede desengañarse. 

Lars (Ryan Gosling), es un tipo de veintisiete años que vive en una cochera. Su hermano y la esposa de este son sus vecinos. Un día alentado por un compañero de trabajo decide comprar una muñeca sexual, al verla percibe que ella es real y la hace su enamorada. No solo su hermano y cuñada serán los que le seguirán el juego, si no todo el pueblo entero.

sábado, 20 de febrero de 2016

Bad Taste (1987)

Ninguna nominación al Oscar.

Cultos lectores, antes todo, advierto que está película no es apta para ojitos y estómagos sensibles, intelectualoides y amantes del cine comercial. 

Es increíble que el mismo director de películas netamente comerciales como la trilogía de The Lord of the Rings, la trilogía de El Hobbit y el remake número diez mil de King Kong haya tenido un pasado oscuro y haya películas como Braindead y Bad Taste, películas de culto.

Peter Jackson debutó en el cine con una película de Serie B, que mezclaba la comedia de terror y el gore, el resultado fue algo tan vomitivo como brillante, algo tan despreciable como inolvidable, un bodrio de culto. Bad Taste es una de esas películas malas que te hacen cagar de risa, es uno de esos placeres culpables, una de esas películas que no le puedes recomendar a cualquier persona. 

¿Extraterrestres que vienen al planeta Tierra para llevarse carne humana para su negocio de Hamburgesas? ¿Extraterrestres que se disfrazan de seres humanos pero que tienen 5 rostros diferentes y los demás se repiten y se diferencian de los seres humanos reales por vestir una camisa celeste?, ¿Extraterrestres que tienen la tecnología suficientemente avanzada para viajar a otros planetas pero tienen el razonamiento de simios?, ¿extraterrestres que se mueven como zombies?, y por último, ¿Saber que hay una invasión alienígena pero no llamar al ejercito ni a las marinos ni aviadores, si no confiar en “los chicos”, un grupo de retardados, un grupo secreto que están entrenados para matar aliens? Por Dios, acá nada tiene sentido, lo que es seguro es que será un viaje pastrulo de 91 minutos, un cague de risa, de inicio a fin.

viernes, 19 de febrero de 2016

Leon (1994)

Ninguna nominación al Oscar.

Dirigida y escrita por Luc Besson, director de Nikita,The Fifth Element y Lucy. Lo sobresaliente de la película es que de un guión simple, el director pudo hacer un peliculón dificilmente de olvidar, gracias a las perfectas actuaciones de una muy joven Natalie Portman (Mathilda), Jean Reno (Lyon) en su mejor papel y el multifacético Gary Oldman (Stansfield). 

Otra cosa muy importante que resaltar es que la acción no se apodera del todo, también existen momentos conmovedores que le dan color y respiro a la trama, claro, momentos muy bien llevados sin llegar a lo cursi. Inolvidable Portman con su corto cabello negro y aquella mirada que mezclaba la inocencia con la más innata maldad: “¿La vida es así de dura o sólo cuando eres niño?” 

Lyon es un asesino a sueldo de origen italiano y sin querer salva a una niña de doce años, llamada Mathilda, de ser aniquilada por policías corruptos. En el transcurso de la película Lyon se llega a encariñar de la niña y a pedido suyo le enseña a manejar peligrosas armas, para que algún día sea una limpiadora, como él. Todo se pone gris cuando Stansfield, jefe la policía antinarcóticos, se entera que uno de sus mejores hombres ha sido asesinado por Lyon y decide tomar venganza. En uno de los mejores finales de películas de acción se logra ver un poco de luz en medio de tanta oscuridad.

jueves, 18 de febrero de 2016

That Obscure Object of Desire (1977)

2 nominaciones al Oscar.

Luis Buñuel hizo una adaptación libre de la novela La femme et le pantin de Pierre Louÿs. Como tema principal el director nos muestra un amor correspondido entre un burgués francés y una cazafortunas de origen español. ¿Pero qué es lo que hace especial a la película? Simple, la constante humillación que recibía el burgués por parte de la española. Muchos espectadores se asquearon de lo que vieron y lo tacharon de irreal y absurdo, pero ¿acaso el amor guarda relación con la lógica? Lo único que todos coincidimos es que es un potente drama y una maravillosa adaptación de una historia que el más sin vergüenza la guarda celosamente para él mismo. 

La película se torna en una estupenda y casual reunión de franceses que habían ido a España y que tienen en común el destino de regreso a su país natal. Extrañados le preguntan a uno de ellos, después de presenciar una escena inusual, el motivo de su actuar. Mathieu (Fernando Rey) les empieza a contar su historia con aquella chica española llamada Conchita (Carole Bouquet /Ángela Molina). 

Buñuel escogió como protagonista a su amigo Fernando Rey. Para la protagonista sí hubo problemas, al comienzo el papel era para Maria Schneider, pero luego de verla actual, Buñuel tuvo que aceptar que se equivocó con esa actriz. Volvieron a hacer el casting y hubo opiniones diferentes, no sabían si escoger a Carole Bouquet o a Ángela Molina. Luego de presenciar cómo actuaban, Buñuel se decidió por las dos. Es muy inusual que dos actrices compartan un personaje y por ende, hay muchas teorías sobre ellas. Particularmente considero que Carole Bouquet personifica al lado frío de Conchita y por el contrario, Ángela Molina personifica el lado pícaro y perverso.

miércoles, 17 de febrero de 2016

Basic Instinct (1992)

Ninguna nominación al Oscar.

Basic Instinct no solo es la escena en que Sharon Stone cruza las piernas, no dejando nada a la imaginación. Es un clásico de clásicos y uno de los máximos exponentes del thriller contemporáneo. 

Paul Verhoeven después de dirigir Robocop y Total Recall, películas de culto dentro del género de ciencia ficción, decide cambiar de estilo e incursiona en la intriga, pero de una manera especial, poniéndole su sello: un thriller mezclado de erotismo. Su gran mérito, aparte de engañar a Sharon Stone (le pidió que grabe la escena del interrogatorio sin ropa interior, aduciendo que claramente era visible, pero para contrarrestar eso las luces iban a ser tenues), fue lograr una confusión absoluta en el espectador, gracias a dos giros inesperados. Es increíble que hasta ahora la gente se pregunta quien fue en verdad la asesina. 

Sharon Stone volvió a grabar con Paul Verhoeven luego de Total Recall, pero esta vez, con aquel personaje de Catherine y su inolvidable escena, consiguió la fama inmediatamente. Por otro lado, Michael Douglas demostró que por algo no es el hijo del gran Kirk e hizo una actuación estupenda interpretando al detective Nick. 

Entre las tantas curiosidades, el director tuvo que cortar la película en casi cuarenta oportunidades para que no sea calificada como película porno. La escena del cruce de piernas de Sharon Stone es una de las más repetidas en la historia del cine y con mucha razón. 

Catherine, psicóloga y escritora, es la principal sospechosa del asesinato de un rockero. Nick es el único policía que se da cuenta que ella oculta algo y decide seguirle el juego para al final atraparla. Desde ese momento muchas personas empiezan a morir una tras otra, haciendo que Catherine no sea la única sospechosa.

martes, 16 de febrero de 2016

The Final Girls (2015)

Ninguna nominación al Oscar.

El desconocido Todd Strauss-Schulson sorprendió al mundo entero y en especial a los amantes del género de terror y dirigió una película sin igual gracias a un guión quemado, fresco y original. 

The Final Girls tiene el mismo estilo de Scream, parodiando a las películas de terror con todos sus clichés incluidos: chica que pierde su virginidad es brutalmente asesinada por el slasher, campamento de escolares o universitarios que termina en una matanza descomunal y el asesino que es producto del odio alimentado por los constantes bullying de la infancia.

Si nos damos cuenta, la película es una parodia sin vergüenza de Friday the 13th: el lugar donde ocurren los hechos, el asesino es invencible (puedes acuchillarlo, quemarlo, tirarle flechas, todo, pero no muere) y tiene una máscara (en este caso y como lo amerita: una ridícula máscara).

El elenco no cuenta con estrellas reconocidas, pero a quién diablos le importa. Taissa Farmiga, la ex chica American Horror Story, interpreta a Max, la protagonista de la película. Por otro lado, como toda película de terror abundan las chicas sexies: Malin Akerman (Nancy), Nina Dobrev (Vicki Summers), Angela Trimbur (Tina), Chloe Bridges (Paula) y los típicos personajes masculinos: el muchacho fuerte y guapo (Alexander Ludwig: Chris), el promiscuo y primera victima (Adam DeVine: Kurt) y el idiota (Thomas Middleditch: Duncan).

Diez años después de la muerte de su madre, Max decide ver la película que ella protagonizó. En la sala de cine surge un inesperado incendio y Max junto a sus amigos logran escapar abriendo la pantalla de la sala, cuando piensan que han escapado de morir, se dan cuenta que están dentro de la película que estaban viendo, una película de terror en donde todos mueren, menos la chica virgen. La única forma de ganar es hacer que la chica virgen sea la última víctima y sea ella quien asesine a Billy Murphy.

lunes, 15 de febrero de 2016

Being John Malkovich (1999)

3 nominaciones al Oscar.

Película de culto. Spike Jonze es el responsable de realizar tremenda película quemadaza. Desde que comenzó la película con el performance de unos titeres dominados por Craig Schwartz (John Cusack) y la escena en que se dirige al piso 7 1/2 supe que no era una película cualquiera.

El surrealismo de meterse en la cabeza de otra persona está muy bien trabajado y plantea diversos temas. Vemos como dos miserables esposos, Craig y Lotte (Cameron Diaz), se sienten atraídos a una chica llamada Maxine (Catherine Keener), lo cual para estar con ella se meten en la cabeza de John Malkovich, un reconocido actor. Llegan a un punto en que se obsesionan y hasta dejan sus vidas para ser él. También vemos como lucran y muchas personas, al igual que ellos, desean y pagan por ser John Malkovich aunque sea por 15 minutos.

Sorprende ver a Cameron Diaz en este tipo de películas, pero no lo hizo nada mal, hay que ser sinceros. Los demás actores (ya mencionados) también actuaron de manera más que correcta. Un dato curioso es que John Malkovich es interpretado por él mismo.

domingo, 14 de febrero de 2016

Napoleon Dynamite (2004)

Ninguna nominación al Oscar.

Napoleón es el personaje más idiota que he visto en mi puta vida. Tiene familiares y dos amigos que comparten la misma estupidez en un nivel nada despreciable. Cada torpeza, cada comentario estúpido, cada situación te hará robar una risa. La actuación de Jon Heder, notable, qué capo, en especial con ese bailecito que deja boquiabierto a cualquiera. Si me pidieran que describa la película en una sola palabra, diría: "Indie".

sábado, 13 de febrero de 2016

The Usual Suspects (1995)

2 Oscars: Mejor guión original y Mejor actor secundario (Kevin Spacey)

Película de culto. “Give me the key, fucking cocksucker”. Cuando estás frente a una obra maestra es difícil comenzar, no se me ocurrió mejor idea que citar aquella frase que repitieron los cinco criminales más buscados de Nueva York, en aquella escena en la línea, simbolizando el inicio de una serie de crímenes y un misterio que puede romperte la cabeza de tanto pensar.

Pocas veces menciono a un guionista en las críticas que hago, pero esta vez es necesario mencionar a un tipo llamado Christopher McQuarrie, pero qué genio fue para imaginar algo tan brillante e impecable. Por otro lado, Bryan Singer se lució de principio a fin, recreando de una manera perfecta el guión, siendo el único responsable de lo que el espectador vio fue poesía pura, poesía audiovisual. 

The Usual Suspects es una de las pocas películas que luego de verla, no supe quién fue el responsable de todo, en este caso, quién diablos fue Keyser. Luego de investigar y saber quién fue en verdad, no pude creerlo: era el personaje menos pensado. Pocas películas son las que tienen un giro realmente inesperado y esta es una de ellas, no tiene por qué envidiarle a cualquier película de la extensa filmografía de Hitchcock. 

Verbal (Kevin Spacey) antes de salir de la cárcel, en un interrogatorio, cuenta la historia de cómo sobrevivió a la explosión de un barco y cómo fue el único sobreviviente de un grupo de los peores criminales, siendo aparentemente el más débil de ellos. Cuenta todo, desde cómo conoció a Keaton (Gabriel Byrne), McManus (Stephen Baldwin), Fenster (Benicio del Toro) y Hockney (Kevin Pollak), hasta cómo acabó aquella misión suicida.

viernes, 12 de febrero de 2016

Welcome to the Dollhouse (1995)

Ninguna nominación al Oscar.

Welcome to the Dollhouse es una mezcla de humor negro, cine independiente norteamericano, comedia dramática y cine indie. Definitivamente no es una película recomendable a cualquiera, pero eso es lo que la hace especial. Cada escena, cada personaje, cada dialogo, cada injusticia, cada mierda que el espectador ve, esuna abierta crítica a la sociedad norteamericana, a sus leyes y normas, a su sistema educativo, a su sistema reformatorio, al promedio de sus familias, al comportamiento de sus ciudadanos.

Está muy claro que el sistema educativo norteamericano falla hasta el día de hoy, sigue habiendo dos grupos muy marcados: los populares y los que no lo son. La mayoría de gente no popular, especialmente los que son denominados “nerds” son víctimas de bullying y es que eso es normal en ese país, donde en cada producto enlatado se fomenta eso, en cada serie televisiva, en cada película, en cada spot publicitario, si no eres deportista o rey del baile no eres nadie, eres una mierda. Y el que diga que es una exageración, que pasa el mismo problema en todos los países, ¿entonces por qué solo en Estados Unidos se ve que hay asesinatos en las escuelas, que niños enfermos por la sociedad deciden tomar venganza de los que no son iguales a ellos? 

Dawn (interpretado perfectamente por Heather Matarazzo) es una niña proveniente de la típica familia de ensueño: padres unidos que tienen 20 años de casados, una hija bonita que ama el ballet, un chico adolescente que saca buenas calificaciones y bueno… Dawn. Asiste a una escuela donde tiene problemas para socializar, es molestada por todos sus compañeros, no tiene amigos y es incomprendida por los adultos. Cuando conoce al compañero de su hermano mayor, se enamora de él y crea unos sueños imposibles de realizar que al poco tiempo se irán derrumbando uno tras otro.

jueves, 11 de febrero de 2016

10 Things I Hate About You (1999)

Ninguna nominación al Oscar.

El género de comedía romántica de institutos/universidades ya estaba muy gastado. Existen infinidades de películas con el mismo tema: Grease fue el ícono de ese género, ese mismo año se realizó American Pie y The Girl Next Door se iba a estrenar posteriormente. Gil Junger hizo una película con la misma formula pero con su toque personal: con harta música chikipunk, personajes fuera del típico estereotipo (en especial Patrick Verona y Kat Stratford), situaciones atrevidas e hilarantes, fuera de los gags y un desarrollo de la trama muy peculiar. Aunque ya sabíamos como iba a terminar, nunca aburrió, desde el inicio logra capturar la atención del espectador. 

Entre el elenco destacan Heath Ledger (Patrick Verona) que protagoniza al chico rudo e inescrupuloso, Julia Stiles (Kat Stratford) que protagoniza a la chica antisocial e inteligente, Joseph Gordon-Levitt (Cameron James) que esta vez es el chico tranquilo; Larisa Oleynik (Bianca Stratford) que es la típica chica popular; Andrew Keegan (Joey Donner) que es el hueco y superficial y por último Susan May Pratt (Mandella) que protagoniza a la amiga de Kat, la fanática de Shakespeare.

El guión es sólido y el ritmo es muy bueno. Joey hace una apuesta con sus amigos, tenía que llevar al baile de graduación a la popular Bianca y acostarse con ella. El reto era difícil ya que el padre de ella era muy celoso y le dio una condición a Bianca, ella podía salir si es que su hermana Kat también asistía. Resultaba casi imposible que Kat saliera ya que era antisocial y odiaba a sus compañeros y le llegaba al pincho las tradiciones y hacer lo "normal". Cameron que es alumno nuevo conoce a un brother y convencen a Joey que debe pagarle a Patrick para que salga con Kat, ya que eran compatibles. Patrick sin querer se enamora de Kat y esta descubre que todo fue un engaño que él hizo todo eso por dinero, por una sucia apuesta. Al final Patrick le confiesa sus sentimientos y regresan. 

Concluyo con el poema que recita Kat en clases: "Odio como me hablas y tú forma de conducir. Odio tu corte de cabello y lo que llegue a sentir. Odio tus espantosas botas y que me conozcas bien. Te odio hasta vomitar, que bien va a rimar. Odio que sepas pensar y que me hagas reír. Odio que me hagas sufrir y odio que me hagas llorar. Odio tanto estar sola, que no hayas llamado aun. Pero más odio que no te pueda odiar, aunque estés tan loco, ni siquiera un poco, lo he de intentar".

miércoles, 10 de febrero de 2016

The Big Lebowski (1998)

Ninguna nominación al Oscar.

No sé qué tipo de drogas se habrá metido Joel Coen para crear este bodrio, esta cagada sin sentido, sin guión, sin final, sin nada. Eso sí, es necesario mencionar que la película es un cague de risa de inicio a fin.

El espectador se hace cómplice de la extraña vida de The Dude (Jeff Bridges), sí, así se hace llamar ese hijo de puta, un inmundo vago que odia su nombre. Este parasito de la sociedad es adicto a los bolos y junto a dos amigos: Walter (John Goodman) y Donny (Steve Buscemi) se las pasa jugando y compitiendo. En un día inesperado es confundido por otro Lebowski, un tipo adinerado, desde ese momento se meterá en una serie de problemas, uno tras otro, conocerá que la locura no tiene límites y que hay personajes más cagados del cerebro que él. 

Julianne Moore en el papel más bizarro y sobreactuado de su puta vida interpreta a Maude, la hija del Lebowski adinerado, una artista loca, disque pintora que está obsesionada con el sexo. Por otro lado, lo que si no me sorprendió fue ver a Tara Reid, la chica de la saga American Pie y también de la trilogía Sharknado, ya con eso no necesito mayor presentación.

Advertidos están mis cultos lectores, más no puedo decir, si ya con todo lo dicho deciden verla, es bajo su responsabilidad. Eso sí, la diversión está asegurada. Bienvenidos a un viaje jamás visto.

martes, 9 de febrero de 2016

Blade Runner (1982)

2 nominaciones al Oscar.

La gran complejidad del argumento hizo que Blade Runner no tuviera gran aceptación durante su estreno en Estados Unidos, pero en el transcurso del tiempo se convirtió rápidamente en una película de culto. 

Ridley Scott luego del éxito de Alien se embarca en una nueva aventura: una película de ciencia ficción y thriller futurista, basada en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick.

La película nos sitúa en el 2019, año en que se fabrica robots con apariencia humana que son llamados replicantes, estos son esclavos de los seres humanos en Marte. Como hubo una rebelión de los replicantes en Marte, se prohibió que estos habiten el planeta Tierra, para eso policías especiales llamados Blade Runner tenían como misión matarlos. En la Tierra existían cinco replicantes de tecnología avanzada llamados Nexus-6, estos a diferencia de los demás eran idénticos físicamente a los seres humanos pero más fuertes y ágiles pero no tenían sentimientos ni expresaban emociones. Los ingenieros genéticos al creerlos, sabían que podían ser una amenaza para la humanidad por lo que les dieron una corta vida de cuatro años. Ellos al saber de eso ansiarán la vida eterna como de lugar.

La película nos muestra personajes interesantes como Blade Runner (Harrison Ford), J.F. Sebastian (William Sanderson) que era ingeniero genético: diseñaba los cuerpos de los replicantes, Dr. Eldon Tyrell (Joe Turkel): creador de los replicantes, Roy Batty (Rutger Hauer): líder de los replicantes, Rachael (Sean Young): replicante e imagen de la perfección femenina y Pris (Daryl Hannah): hábil replicante que estaba enamorada del líder.

La fotografía fue genial, con tomas de paisajes nublados y mucha llovizna, rodeado de desorden y luces fosforescentes, imagen perfecta de una sociedad destruida y un futuro en decadencia. 

Para terminar me despido con las últimas palabras del líder de los replicantes: "He visto cosas que ustedes no creerán. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir".

lunes, 8 de febrero de 2016

Cronos (1993)

Ninguna nominación al Oscar. 

Guillermo del Toro luego de su mediometraje Doña Lupe, una serie de Tv titulada La hora Marcada y su corto Geometría, debuta en el cine con Cronos, una interesante película que nos brinda una perspectiva diferente de vampiros, una que no proviene ni de Transilvania ni de demonios, si no es una invención de un ser humano, un alquimista medieval, posiblemente de origen español, que crea un aparato, dentro de ese aparato se encuentra un extraño insecto que es capaz de darte vida eterna a cambio de sangre. 

Como vimos aquí no hay seres con colmillos, ni que duermen en un ataúd, ni que tienen poderes sobrehumanos, aquí nos muestran la ambición de los seres humanos en seguir viviendo y verse más jóvenes, en ser algo que no son, en ser no humanos. 

El desenlace es quizá lo más inolvidable, aquella escena en que Jesús Gris (Federico Luppi) se encuentra entre la espada y la pared, su única posibilidad de seguir viviendo es obteniendo sangre, una ser querida de él le brindaba su vida a cambio, una encrucijada total, la eternidad contra el amor.

domingo, 7 de febrero de 2016

Night on the Galactic Railroad (1985)

Ninguna nominación la Oscar.

Gisaburō Sugii se basó en la novela homónima de Kenji Miyazawa y nos traslada a un mundo en donde los gatos van al colegio, trabajan y no hay seres humanos. En la primera parte nos introducen a Giovanni, un gato que luego de ir al colegio, tiene que trabajar para mantener a su madre enferma, ya que su padre se ha ido a trabajar muy lejos. Campanella es su mejor y único amigo. 

La trama se vuelve interesante cuando Giovanni despierta en un tren y se encuentra con su amigo Campanella. En el trayecto del viaje, a través de la ventana, ven las constelaciones del universo y conocen a otros gatos misteriosos, los cuales cada uno de ellos tenia una historia diferente. Cuando en una estación suben seres humanos, Giovanni descubre que hay algo extraño. Todo va teniendo sentido cuando el inspector le pide su boleto y se da cuenta que el suyo es diferente al de los demás. Aquella escena en que Campanella le dice que observa el verdadero paraíso y Giovanni se asoma por la ventana y solo ve oscuridad, la oscuridad del universo, fue impactante, tétrico, desconcertante. 

Considero que la primera parte fue demasiado lenta y quizá debió ser omitida. Estoy seguro que muchos espectadores dejaron de verla y se perdieron de un peliculón. Aquel relato del escorpión fue notable. Es increíble que la película sea poco conocida, a pesar de que se basó en un clásico de la literatura japonesa. Totalmente imprescindible.

sábado, 6 de febrero de 2016

The Breakfast Club (1985)

Ninguna nominación al Oscar.

John Hughes mediante una comedia adolescente hace una crítica, muy a su estilo, a la sociedad. Lejos de presentarnos una historia enlatada y comercial, nos demuestra cómo piensa el ser humano, las etiquetas que nos ponemos los unos a los otros, la vida adolescente y la hipocresía que se respira en cada calle, en cada aula, en cada casa, en cada lugar donde habite un ser humano.

El ser humano por naturaleza juzga al otro, lo encasilla en una palabra, sin importar sus otras cualidades y defectos que tiene. Muchas veces somos vistos de acuerdo del ojo de quien nos ven, si ellos quieren resaltar algunas cualidades o defectos, somos eso, nada más que eso, no tenemos opción a ser vistos de otra forma. Siempre seremos juzgados y por más cosas buenas que tengas, siempre seremos vistos de forma negativa.

The breakfast club ha trascendido frente a otras películas debido al impacto que ocasiona al espectador, es imposible no quedarse indiferente luego de haber presenciado tremenda obra maestra, es imposible no reflexionar lo que eramos, lo que somos y lo que queremos ser, es imposible no pensar sobre nuestros prejuicios y el de los demás. 

La película nos introduce a cinco personajes muy diferentes: el deportista Andy Clark (Emilio Estevez), el cerebrito Brian Johnson (Anthony Michael Hall), el criminal John Bender (Judd Nelson), la superficial Claire Standish (Molly Ringwald) y la bizarra Allison Reynolds (Ally Sheedy). Todos ellos han sido castigados en el colegio y obligados a permanecer un sábado ahí para reflexionar lo que son. En el transcurso del día descubrirán por qué han sido castigados y se darán cuenta que ellos mismos se ven de la manera que son vistos por los demás, ellos mismos se han encasillado en una sola definición, por fin se dan cuenta que son más que una palabra, que junto a ese defecto, también tienen virtudes y verán que son mucho más de lo que ellos creían. 

Otro punto que destacar de la película es que no tiene un final feliz ni trágico, si no uno abierto, con infinidades de interpretaciones, como la vida misma. Sin duda, una película imprescindible para cualquier cinéfilo y recomendable para todo el mundo.

viernes, 5 de febrero de 2016

The Hunger (1983)

Ninguna nominación al Oscar.

Tony Scott se inmortaliza en el mundo del cine con una obra maestra titulada The hunger, una película llena de glamoure y ambiente pesado, donde la eternidad se mezcla con el terror y el amor. 

El reparto es inmejorable, teniendo como protagonista a Catherine Deneuve (Miriam) que esta vez interpreta a una refinada vampiresa; también vemos al gran e inmortal músico David Bowie (John), a una muy joven Susan Sarandon (Sarah) y a Willem Dafoe como extra (Escena en que el personaje de Susan Sarandon se encuentra en una cabina telefónica y es interrumpida por un tipo que la confunde con una yonkie). 

La película tuvo demasiadas críticas durante su estreno ya que no todos pueden comprender las continuas escenas bizarras que se pierden en un tiempo no lineal, donde no sabes si lo que ves es un sueño de uno de los personajes o la realidad. Además que luego de los diez minutos iniciales llenos de locura, la película pierde ritmo, aunque fue necesario para explicarte el problema de John y su repentino envejecimiento. Ya con la seducción de Miriam a Sarah la película regresa con ese ritmo turbulento lleno de confusión cual poesía más inexplicable.

Miriam es una refinada vampiresa, inmortal, que ha trascendido en el tiempo coleccionado no solo obras de artes, sino también la vida y alma de sus amantes. En la actualidad reside en una mansión en New York donde vive con su marido. El de pronto empieza a envejecer y la promesa del amor eterno queda en el olvido. Como última alternativa decide ver a una joven pero muy reconocida doctora, el cual luego de la muerte del esposo, la vampiresa pone sus ojos en ella, como reemplazo.

jueves, 4 de febrero de 2016

Attack of the 50 Ft. Woman (1958)

Ninguna nominación al Oscar.

Luego del éxito de The Incredible Shrinking Man, Nathan H. Juran no se le ocurrió mejor idea que dirigir una película de la misma temática del cambio de tamaño de personas, pero esta vez el protagonista no iba a ser un hombre que se encogía, sino todo lo contrario: una mujer que se vuelve gigante. 

No cabe dudas que Attack of the 50 Foot Woman es una de las peores películas de ciencia ficción y además una de las películas más representativas de la Serie B: el guión es simple, los personajes son caricaturescos (en especial el ayudante del Sheriff), los efectos especiales dan pena y risa a la vez (la transparencia de la mujer gigante y del extraterrestre son huevadas) y el vestuario es un cagada.

Nancy (Allison Hayes) es una mujer muy rica que tiene problemas emocionales y con el alcoholismo. Está casada con Harry (William Hudson) y lo ama a pesar de saber que él está con ella por su dinero. Un día en plena carretera divisa un ovni en medio del camino, de este sale un gigante que le agarra el cuello, mostrando interés por el diamante que colgaba. Luego de unos días ella cambia drásticamente: al igual que su tamaño, su odio hacía su esposo y su amante crece desmesuradamente.

miércoles, 3 de febrero de 2016

Sunrise: A Song of Two Humans (1927)

4 nominaciones.
3 Oscars: Mejor película por calidad artística, Mejor actriz principal (Janet Gaynor) y Mejor fotografía . 

Película de culto. Cuando no se pueden expresar sentimientos ni pensamientos por palabras (voz), el cine mudo usa otras cartas bajo la manga: la banda sonora se hace presente en los momentos más importantes realzando emociones, los gestos y movimientos son exagerados peor que obra teatral (esta película es un ícono en el expresionismo) y sobre todo, las palabras son escritas, cual verso fuera dentro de una poesía. Por otro lado, los efectos especiales que usaron, muy curiosos y muy buenos para la época.

El guión no fue nada del otro mundo, pero en la simpleza también esta la belleza. La película toca temas como la infidelidad, la ambición, el arrepentimiento, el amor incondicional y los azares de la vida. Las actuaciones estuvieron muy correctas, en especial George O'Brien (el esposo), Janet Gaynor (la esposa) y Margaret Livingston (mujer de la ciudad). Como podemos apreciar, los personajes no tienen nombre, solo son un simple retrato de las personas de cualquier época y cualquier lugar.

Para terminar, no sé como hicieron para que el perro nade y llegué al barco y para que el chancho se tome el vino y haga de las suyas cual beodo sale de la cantina. Genial.

martes, 2 de febrero de 2016

Twin Peaks - Pilot episode (1990)

Ninguna nominación al Oscar.

Es el capítulo más largo de dicha serie, durando 93 minutos. ¿Qué les puedo decir acerca de Twin Peaks? Sin duda es una de las mejores series de todos los tiempos y me atrevería a decir que es la mejor serie de thriller, incluso superior a la serie Hitchcock presents y es que desde que nos enteramos de la muerte de Laura Palmer es imposible no contagiarse de la curiosidad de la gente del pueblo, de saber qué fue lo que pasó, de saber quién en realidad era ella, de saber quién fue el asesino. 

David Lynch con gran estilo nos traslada a un lejano pueblo norteamericano llamado Twin Peaks. El espectador desde el minuto inicial se da cuenta de lo pacífico que es ese lugar, gracias a aquella canción de créditos y la perfecta fotografía. Pero no todo es lo que parece, el pueblo está conmocionado por el brutal asesinato de una chiquilla llamada Laura Palmer (Sheryl Lee), aparentemente fue una chica encantadora y muy querida, pero dentro de ella se escondían los secretos más inimiginables. 

El reparto estuvo de lujo, cada personaje aportó a la obra. Fue realmente gratificante ver a Kyle MacLachlan (Special Agent Dale Cooper): el enamoradizo y curioso muchacho de Blue Velvet,Jack Nance (Pete): el enfermizo protagonista de Eraserhead y a gente como Michael Ontkean(Sheriff Harry), Lara Flynn Boyle (Donna), Sherilyn Fenn (Audrey) y Frank Silva (Bob).

lunes, 1 de febrero de 2016

Das Parfum - Die Geschichte eines Mörders (2006)

Ninguna nominación al Oscar. 

Controversial film dirigido por Tom Tykwer, el cual nos transporta a la Francia antigua, donde un sujeto llamado Jean-Baptiste Grenouille (Ben Whishaw) descubre su excepcional don, tenía un olfato inigualable, y empieza a sacarle provecho. 

El film es interesante, sobresale la voz en off que nos acompañó en gran parte de la película y la fotografía, con esos paisajes muy bien elaborados. Esta vez se cumplió ese dicho que señala que una buena películas se debe esperar, que mejora de poco en poco, que el final es notable y así fue. El director en la primera hora nos presenta a Jean-Baptiste, lo seguimos desde su nacimiento hasta su decadencia. Fuimos participes de su obsesión y supimos como se originó. 

Considero que si la película hubiese sido un poco más oscura, más brutal, más terrorífica, hubiese sido una obra maestra inmejorable, pero el director no supo aprovechar esa característica del protagonista. Jean-Baptiste debió ser más demente, un asesino nato. Los asesinatos eran muy lights. 

Sin duda, sus últimos veinte minutos fueron brutales, inolvidables. Jean-Baptiste al fin descubre la formula perfecta de como hacer el mejor perfume del mundo, el cual podía poner el mundo a sus pies si el lo desee. No había mejor perfume que la esencia de la mujer más bella de Paris: Laura (Rachel Hurd-Wood). Maravillosa la escena en que baja del carruaje y se dirige al medio de todo el pueblo, con solo agitar un pañuelo con un poco del perfume hecho por él, hace que el pueblo cambie de opinión, que lo perdonen por sus asesinatos, que lo amen, que crean que no es humano, que crean que es un ángel, que el pueblo quede esclavizado por él y que estos pierdan los cabales y empiecen una orgía descomunal. ¿Quién sería capaz de olvidar aquella escena? Imposible... Y eso no es todo, el desenlace es brutal, después de todo paga sus pecados siendo vorazmente devorado.