lunes, 30 de noviembre de 2015

Braindead (1992)


Ninguna nominación al Oscar.

No sé que clase de droga se metió Peter Jackson para crear una pastrulada así, inclasificable, nunca antes vista. Braindead es una mezcla de gore, comedia negra y zombies. Esta mierda es retorcidamente enferma pero graciosa a la vez, es asquerosa pero divertida. Cada escena es un cague de risa, no hay pierde realmente con esta huevada, la diversión está asegurada. Debo confesar que no soy muy fanático de las películas de zombie, pero cuando una película es originalmente brillante, es imposible no rendirse ante ella y rendirle el culto que se merece.

Un científico viaja a Skull Island para llevarse a un extraño animal mitad rata y mitad perro. Los nativos tratan de impedir que este animal salga del lugar ya que está maldito, pero no logran su cometido. Este animal llega a un zoológico de Nueva Zelanda para su exhibición. Cuando Lionel (Tim Balme) y Paquita (Diana Peñalver), unos chicos que salen por primera vez juntos, se alejan de la jaula del rata-perro al ver la agresividad de este, la odiosa mamá de Lionel (Elizabeth Moody) que fue a vigilarlos es mordida por el animal. Pronto descubrirán que sus vidas cambiarán luego de la muerte de la mamá de Lionel y su transformación a zombie. 

¿La escena más quemada? Sin contar las miles de veces que la mamá de Lionel vomitó e hizo huevada y media, diría la escena del sacerdote al ver los zombies decide pelear a puño y patada limpia con cada uno de ellos, Jean-Claude Van Damme se quedó chico a su lado, los zombies son despedazados uno por uno. La escena más quemada honorífica sería cuando el sacerdote zombie y la enferma zombie follan y el tío de Lionel piensa que este está viendo porno zoofílico de una rubia contra un burro, la cagada. Por otro lado, la frase más pendeja y que fue la mala traducción del título: "Tu madre se ha comido mi perro", imagínate que salgas con una chica y esta diga eso y mires a tu vieja y veas que tiene la cola del perro en su boca, puta madre, qué clase de pastrulada es esa, por Dios.

domingo, 29 de noviembre de 2015

Ghost World (2001)


1 nominación al Oscar.

Entrenido film que narra la vida de dos adolescentes americanas que exploran el camino hacia la madurez. Estas no se sienten parte del sistema. No es otra película tonta con personajes estereotipados, no, nos muestran a personajes creíbles, con un argumento real y un final que te deja el saborcillo amargo ya que no es ni fatal ni feliz. Las actuaciones de Steve BuscemiThora Birch y Scarlett Johansson son una delicia. Considerado para muchos una de las mejores adaptaciones de comics.

sábado, 28 de noviembre de 2015

Spring Breakers (2012)


Ninguna nominación al Oscar. 


Film moderno donde cuatro teens deciden escapar de la realidad yéndose de vacaciones, sin importar el medio que utilizarán para conseguir el ansiado dinero. Una vez de vacaciones pasan todos los excesos habidos y por haber: fiestas interminables, borracheras, drogadicción, desnudos y juegos sexuales. La película básicamente te muestra a personas normales que quieren cambiar su vida, al final descubren que la vida no puede ser llena de excesos: si no existiera aburrimiento, no hubieran esos pequeños momentos de felicidad. Además que todo exceso te puede llevar a cosas negativas: muertes, problemas con la ley, etc.

La banda sonora fue Skrillex, sí, increíble; lo considero como una fiel copia a Skins con sus soundtracks electro dubstep como las canciones de DATSIK, citando un ejemplo. En el reparto sobresale la actuación de Selena Gomez (sobresalió entre tantas actuaciones planas). Harta teen desnuda, enseñando los pechos mientras enseñaban el sucio dedo del medio. Considero que la película hubiera sido más real, dónde se ha visto que un ganster pague la fianza a cuatro perritas y las deje irse una por una, como si nada. El final fue más falso que una moneda de tres soles, cómo dos muchachas de 16 años van a matar a cerca de 40 gangsters armados hasta los dientes, ni siquiera sabian el lay out del antro, ni a cuantos iban a enfrentar, fueron a la suerte y no recibieron ningún balazo. En conclusión, la película no fue mala, fue rescatable en comparación a las basuras comerciales pero le faltó coherencia para ser recordada y valorada a través de los años. Respetable la intención.

viernes, 27 de noviembre de 2015

Fight Club (1999)

1 nominación al Oscar.

Película de culto. Obra maestra de David Fincher. La película fue entretenida de inicio a fin con toques de momentos de humor negro, intriga, acción y suspenso; todo eso gracias al elenco de lujo que hizo posible plasmar un argumento tan genial. Tiene giros inesperados que rompen la mente del espectador. Además, te hace reflexionar acerca de nuestra existencia, ideales y metas.

El tema principal es la crítica social que hace Tyler Durden (Brad Pitt) -qué actuación tan sobresaliente, concha su madre, genial- acerca del sistema. Habla sobre el consumismo, los estándares de belleza, la búsqueda de la perfección, la búsqueda de la felicidad, la esclavización laboral, los estúpidos ideales pre establecidos (llegar a ser estrella de cine, de algún deporte, en el mundo de modelaje o ser un profesional "exitoso"), la esclavización material y la rutina que nos inhumaniza.

El argumento nos presenta al narrador (Edward Norton), un tipo común y corriente que conoce a Tyler Durden, un tipo extravagante. Logran hacer un club underground donde peleaban para sentirse vivos. El final es inesperado, nadie se iba a imaginar que ambos eran la misma persona: Tyler en verdad era el alter ego del narrador, aquella persona que siempre quiso ser. La escena final es tan descabellado como anárquico: el narrador sujetado de la mano con Marla Singer (Helena Bonham Carter) viendo como estallaban y eran derribadas los edificios de las compañías más importantes del sector financiero mundial.

El film es tan original que luego de la advertencia de derechos de autor tradicional, hay una segunda advertencia que aparece durante un segundo: "Si usted está leyendo esto, entonces esta advertencia es para usted. Cada palabra que leas de estas pequeñas letras inútiles son otros segundos de tu vida. ¿No tienes otras cosas que hacer? ¿Está tu vida tan vacía que honestamente no puedes pensar en una mejor manera de pasar estos momentos? ¿O estás tan impresionado con la autoridad que le da el respeto y la credibilidad a todo lo que se dice? ¿Lees todo lo que supone que debes pensar? ¿Compras lo que le dicen que deberías querer? Sal de tu departamento. Conoce a un miembro del sexo opuesto. Deten las compras excesivas y la masturbación. Dejar tu trabajo. Inicia una pelea. Demuestra que estás vivos. Si no reclamas tu humanidad te convertirás en una estadística. ¡Has sido advertido!". Y para cerrar con las cosas quemadas, en muchas escenas sale un pene, si es que eres muy observador. 

jueves, 26 de noviembre de 2015

Vincent (1982)


Ninguna nominación al Oscar.

Uno de los cortometrajes imperdibles en clases de cine. Tim Burton en seis minutos nos cuenta la historia de Vincent, un niño que sueña con ser Vincet Price (uno de los actores más representativos del terror) y tiene una gran afición con las escrituras de Edgar Allan Poe, llega a un punto en que pierde la noción de la realidad y la fantasía.

Podemos apreciar muchas cosas interesantes: el stop motion, la fotografía en blanco y negro para darle un aspecto más siniestro y perturbador, la poesía que está presente de inicio a fin, cada frase es una rima (les recomiendo verlo con subtítulos en inglés ya que en español hay frases que están mal traducidas y mayormente no riman). Obligatoria para cualquier persona que dice ver buen cine.

miércoles, 25 de noviembre de 2015

Ella & Él (2015)


Recuerdo cuando estrenaron esta película hace un mes y medio aproximadamente, solo se proyectaba en cines "fichos" (donde van en mayoría gente de clase media o alta, aclarando para la gente que no es peruana). Solo duró dos semanas en dichos cines. Lastimosamente la gente no se arriesga por lo que no es comercial y no lo digo porque no es de Hollywood, porque películas como "Asumare" que tuvieron una publicidad agresiva la destrozaron en taquilla. 

Ella & El a pesar de ser una película peruana tuvo gran influencia europea tanto en la profundidad del tema, en verdad fue intenso; la falta de soundtrack, solo pude escuchar tres canciones; la poca cantidad de personajes, solo fueron cuatro, donde los dos protagonistas carecían de nombres; el ritmo de la película, lento, llevándote a un final impactante y la dirección en sí. Me pareció extraño también que en la película se oyó expresiones argentinas, como la escena en que ella le dice a su hermana que su padres eran unos pelotudos y su hermana le responde: "Yo me bancaba...". ¿Qué pasó Frank Pérez Garland? Eso sí fue un total desacierto. 

Respecto al elenco, los protagonistas brillaron de inicio a fin, Vanessa Saba (Ella) y Giovanni Ciccia (él) son unos cracks. Pero qué tal manera de interpretar, conchasumadre, demasiado creíbles. Por otro lado, Gianella Neyra (Mariana) y Lucho Cáceres (Daniel) no defraudaron para nada, los pocos minutos que salieron fueron suficientes para demostrar la calidad que tienen. Muy interesante este cine independiente peruano que apuesta por actores de verdad y no por improvisados.

Ella es una mujer adulta que ha pasado por una serie de problemas y en su cumpleaños, sus amigas aprovechan para insertarla a la sociedad. Es ahí donde por cosas del destino conoce a él, un hombre también adulto, que al igual que ella guarda algunos secretos irreproducibles. Debido al feeling que tienen llegan a tener una relación con momentos felices y momentos difíciles. A pesar que ambos son profesionales, ella es decoradora de vitrinas y él es consultor con máster en finanzas, viven una vida miserable: ella reniega de sus padres, los odia y él quiere evitar recordarlos, ya que de alguna u otra manera por su culpa murieron en un accidente. El éxito de esta película es que no te muestra la típica historia norteamericana de chico conoce chica bonita, se vuelven novios, terminan, al final regresan y viven felices por siempre. No, esta película es agridulce, como la vida misma, sin finales alegres ni trágicos, con una gran profundidad, con un final potente, inolvidable la canción "Ella & El" interpretada magistralmente por José Manuel Barrios, sinceramente me sacaron algunas lágrimas. Esto sí es cine y si no opinas así: "Vete a la mierda, conchatumadre".

martes, 24 de noviembre de 2015

Contracorriente (2009)


Ninguna nominación al Oscar.

El cine peruano no es tomado en serio a nivel internacional y con razón, las películas nacionales son de baja calidad, sin guión, sumamente vacías y con el estandarte "mentadas de madre y calatas" (a excepción de una que otra). 

Javier Fuentes-León decidió luchar contra la corriente e hizo esta obra maestra, luciéndose tanto en la dirección, como en el guión. El modo en que llevó una historia cruda de homosexualidad con tanta veracidad mezclándolo con un poco de "realismo mágico" es notable.

Las actuaciones de los protagonistas fueron increíbles e irreprochables: el boliviano Cristian Mercado (Miguel), el colombiano Manolo Cardona (Santiago) y la peruana Tatiana Astengo (Mariela). Mención honrosa todos los actores secundarios, pero qué calidad, ¡carajo! Cuando las cosas se hacen con ganas salen resultados tan gratificantes y sorprendentes como este. Los diálogos retrataron al peruano de verdad, lleno de lisuras, pero tal como es, no por exagerar ni impactar. La banda sonora fue deliciosa.

La historia nos lleva a algún lugar costeño de Perú donde un pescador llamado Miguel vive un romance secreto con Santiago, a pesar de estar casado con Mariela y que ella este esperando un hijo. Vemos como la pobreza de ese lugar y sus pobladores no es solo económica ni educativa, si no humana: cuando descubren que Miguel es homosexual lo ignoran y cambian definitivamente con él, como si la homosexualidad fuera el pecado más vil que exista. Sumamente curiosa la parte en que Mariela al ver que Miguel veía novelas, se sienta y cambia de canal a uno que dan fútbol, demostrándonos que en esos lugares las mujeres son las más machistas.

El realismo mágico se hace presente cuando Santiago por más que quería (estaba muerto) no podía irse de ese lugar. El final es potente y nos muestra a un Miguel sumamente decidido haciendo algo que debía hacer, sin egoísmo ni cobardía, siendo por fin, un hombre de verdad. 

lunes, 23 de noviembre de 2015

Frequency (2000)


Ninguna nominación al Oscar. 

Cuando un film es inmejorable, es necesario ponerle la máxima puntuación. Desde ya merece tener la etiqueta de culto. Es una obra maestra desconocida, sumamente infravalorada, que merece ser vista. El guión mezcla brillantemente casos policiales, donde hay asesinos en serie incluidos, con la teoría de las cuerdas. La fantasía es contada con un excelente ritmo lleno de thriller. Las actuaciones estuvieron geniales; por otro lado, la banda sonora y la fotografía, muy correctas. 

Gregory Hoblit con gran acierto nos sumerge en dos épocas distintas: el año 1969 y el 1999. Una misteriosa radio conecta el pasado con el futuro. John (James Caviezel) al enterarse que esta hablando con su padre, Frank (Dennis Quaid), le advierte de su muerte y cambia el destino de las cosas. Frank luego de este suceso se siente raro al tener dos recuerdos (un nuevo pasado, alterado obviamente por lo ocurrido) y descubre que la que ha muerto ahora es su mamá. No sabe si debió haber cambiado las cosas y otra vez decide el destino, con ayuda de su papá. Posteriormente se da cuenta que valió la pena, ya que logró cambiar su futuro para bien: ser feliz junto a su familia completa y sus amigos.

domingo, 22 de noviembre de 2015

Ex Machina (2015)


Alex Garland debuta en el cine como director y guionista de una manera sobresaliente, gracias a una película con un tema ya desgastado pero con un punto de vista original. El tema principal de la película es la creación de inteligencia artificial. En todas las películas de ese estilo las máquinas se rebelan de sus creadores y esclavizan a la humanidad o la desaparece. En este caso, el director nos mostró un punto de vista diferente: si se crearan humanoides con inteligencia y conciencia, ¿tendrían alma?, ¿sabrían cual es lo bueno y cual es lo malo? 

Nathan (Oscar Isaac) es un científico que invita a su casa a un empleado de su compañía, llamado Caleb (Domhnall Gleeson). Supuestamente fue escogido por un sorteo pero en verdad fue seleccionado (Nathan había analizado entre sus empleados y encontrado una persona inteligente pero inocente, una persona facil de ser engañada). La idea era facil, hacer una prueba: Ava (Alicia Vikander) debe utilizar a Caleb como medio de escape, para eso tendrá que seducirlo, enamorarlo, confundirlo y lavarle la cabeza (Hay un punto en que Caleb piensa que también es un ser creado por Nathan y para comprobarlo se corta el brazo). Al final nos demuestran que jugar con fuego es peligroso, que Ava consiguió su objetivo sin importar asesinar a su creador y engañar al pobre Caleb (quedó atrapado en la mansión). Ava sale al mundo exterior no a exterminar a la raza humana, si no para sentirse como un humano mismo.

Las actuaciones estuvieron muy correctas, en especial Alicia Vikander y Oscar Isaac. El guión fue inteligente, no apto para personas que les gusta ser bombardeados por escenas de violencia, erotismo y chistes obsenos. A pesar de todo lo ya mencionado, como que le faltó algo para ser considerado obra maestra, ¿tiempo?, no lo creo. 

sábado, 21 de noviembre de 2015

Under The Skin (2013)


Ninguna nominación al Oscar.

Realmente estoy confundido. El film tiene aspectos brillantes y otros, negativos. Comencemos con lo negativo: el trama es lento, demasiado lento y hay muchas escenas repetitivas. El film no pretende sorprenderte con mostrarte un ser superior y alta tecnología, no, el film pretende mostrarte como una extraterrestre protagonizada por Scarlett Johansson abduce hombres, mediante su belleza, belleza por cierto natural, ya que no se le ve bien arreglada a Scarlett, muy diferente a sus otros papeles donde era la bomba sexy. 

Bueno, recapitulemos los aspectos positivos, la protagonista realiza un papel decente, haciendo que la extraterrestre sea un ser inexpresivo, que muchas veces se queda impactada por el actuar humano. El film te muestra la naturaleza humana: la búsqueda de sexo, la bondad, la maldad, las malas intenciones, la ingenuidad, tantos temas. Lo más brillante del film aparte del tema intelectual y perceptivo es la banda sonora con su agobiante canción "Death", que hace del misterio algo terrorífico. Definitivamente no es mi película preferida ni está en el top 10, pero es necesaria verla por todo lo ya mencionado. Eso sí, se necesita paciencia y analizar cada escena, dejando de lado el indescriptible cuerpo de la rubia actriz.

viernes, 20 de noviembre de 2015

Dawn of the Dead (1978)


Ninguna nominación al Oscar. 


"Cuando no quede mas sitio en el infierno los muertos caminarán sobre la tierra". Secuela de Night Of The Living DeadGeorge A. Romero cambia de estilo y nos transporta a un mundo contaminado de zombies donde un grupo de cuatro jovenes luchan por sobrevivir. La película es pura locura de inicio a fin, las escenas de humor negro abundan y mucho gore del bueno también.

La banda sonora, las actuaciones y la fotografía estuvieron a la altura de una obra maestra. Es una de las pocas secuelas que son mejores que sus antecesoras, está fue mucho más entretenida. 

jueves, 19 de noviembre de 2015

Memento (2000)

2 nominaciones al Oscar.


Innovadora película dirigida por Christopher Nolan. Es interesante porque el guión es original: cuenta una historia de adelante para atrás. Muchos dirán: "Ah, sí, como Irreversible", pero hay que darnos cuenta el año en que fueron hechas, obviamente Memento fue primero, ahí podemos ver quien influenció a quien.

El casting fue muy bien hecho y podemos apreciar un buen elenco, donde las actuaciones fueron muy acertadas, en especial Guy Pearce (Leonard), Joe Pantoliano (Teddy) y la bella Carrie-Anne Moss (Natalie). Ese trío hizo capaz de envolvernos en el thriler más desordenado que se haya visto.

"Don't believe his lies", esa fue la frase inolvidable de esa película, la cual utilizó Leonard para engañarse a si mismo y vivir una vida fantasiosa con un objetivo que iba a descubrir en el transcurso de la trama. No culpemos a su "condición" (sufría una especie de Amnesia a corto plazo), él inventó todos los problemas que iba a pasar, para sentirse vivo.

miércoles, 18 de noviembre de 2015

Rosemary's Baby (1968)


2 nominaciones
1 Oscar: Mejor actriz secundario (Ruth Gordon)

Es la mejor película de terror de todos los tiempos y la mejor película de Roman Polanski (En la dirección estuvo impecable). Aprovechó el perfecto guión basado de la novela homónima escrita por Ira Levin y nos sumergió en ese departamento estadounidense de los años 60 donde una pareja de jovenes recien casados, interpretados por Mia Farrow (Rosemary) y John Cassavetes (Guy), se mudan sin saber las consecuencias. La actuación de los protagonistas estuvo inmejorable, por otro lado, los entrometidos vecinos no defraudaron para nada: Ruth Gordon (Minnie) y Sidney Blackmer (Roman). 

El ritmo fue preciso, ni lento ni muy acelerado. El suspenso y el misterio también estuvieron presentes desde el principio. Cada escena era una pista de que algo no esta bien: la muerte de la vecina italiana que es adoptada por los entrometidos viejos, la extraña y repentina ceguez de la competencia de Guy para tener el papel protagónico en el cine, el estado de coma que entro Hutch y su muerte, las advertencias y concejos del doctor y la extraña relación de Guy con sus vecinos (vemos que al principio él almorzó con ellos por cumplir y no los quería ver otra vez, pero una vez que habla con Roman se hacen muy buenos amigos). 

Hubieron dos escenas inolvidables: Primero, la escena surrealista, donde Rosemary aparece en un barco, luego atada ante misteriosas personas y finalmente es violada por el diablo, cuando ella se despierta y ve marcas en su espalda descubre que no fue un sueño. Segundo, la escena en que Rosemary entra a la casa de los entrometidos vecinos y ve que muchas personas pudientes y adineradas estaban reunidas contemplando un bebe, al verlo descubre que es su hijo y estos le confiesan que también es hijo de Satanas, que es como especie del Anti Cristo (al contrario de Jesús que nació por el esperitu Santo y este ser nació fruto de una violación de algo malvado). Esa escena es jodidamente traumatizante. 

martes, 17 de noviembre de 2015

An American Werewolf in Paris (1998)


Ninguna nominación al Oscar.

Cuando el género de Terror en donde los hombres lobos eran los villanos ya estaba muy explotado,Anthony Waller hace una brillante secuela de una película de culto, pero ahora ya no es en Londres si no en Francia.

El terror pasa a segundo plano y esta versión deslumbra con la comedia absurda que abunda, donde cada escena son momentos originalmente hilarantes. Esta película es el sarcasmo en su máxima expresión. Cabe resaltar que no todo fueron momentos graciosos, también hubo un poco de erotismo con el toples de Serafine (Julie Delpy) y el escote de Amy (Julie Bowen). 

La trama nunca perdió ritmo, debido a un guión sólido y el soporte de las fabulosas actuaciones de los personajes: Tom Everett Scott (Andy McDermott) y Julie Delpy se lucieron de principio a fin, nada que Crepúsculo y huevadas, esto sí es cine. 

Si te ha parecido interesante lo que acabo de escribir y tienes un poco curiosidad de que trata, déjame contarte un poco la historia: un grupo de tres jóvenes norteamericanos viajan a Francia. En plena Torre Eiffel, Andy arriesgando su propia vida, salva a una hermosa rubia llamada Serafine. Andy queda perdidamente enamorado de ella y empieza a buscarla junto a sus amigos. Luego de asistir a una misteriosa reunión secreta, descubren por qué ella se quería suicidar aquella vez: ella era un hombre lobo y lo peor fue que no era la única.

lunes, 16 de noviembre de 2015

Mallrats (1995)

Ninguna nominación al Oscar. 


A pesar que es inferior a Clerks o Chasing Amy, mantiene la misma fórmula de chistes groseros y situaciones absurdamente divertidas. La verdad que no hay pierde con Kevin Smith, sus películas son incorrectamente geniales. 

Mantiene el mismo reparto de siempre, como Jason Lee (Brodie), Ben Affleck (Shannon), Joey Lauren Adams (Gwen), Ethan Suplee (Willam), Jason Mewes (Jay) y Kevin Smith (Silent Bob). Claro que los personajes tienen otros nombres, a excepción de los dos últimos. 

La mejor escena, sin duda, es cuando TS Quint (Jeremy London) y Brodie se van a una curiosa adivina, Ivannah (Priscilla Barnes), la cual mediante su tercer pezón les aconseja como solucionar sus respectivos problemas. Jodidamente original, erótica y cague de risa al mismo tiempo. 

domingo, 15 de noviembre de 2015

Scream (1996)


Ninguna nominación al Oscar.

Es la mejor película anti-terror de todos los tiempos. La forma en que se burlan de otras películas es inmejorable. Cabe resaltar que tuvo muchos momentos brillantes llenos de terror (en especial los primeros diez minutos cargados de puro slasher: la persecución de Ghostface a la rubia Casey (Drew Barrymore) y claro, el original dialogo previo) y unos toques de escenas absurdas, necesarias para redondear la fórmula. 

El guión es excelente, entretenido de principio a fin. La historia nos cuenta acerca de dos adolescentes que de tantas películas de terror se vuelven psicópatas asesinos. El número de películas de terror que citan los personajes es considerable. Las actuaciones estuvieron muy correctas, brillaron Matthew Lillard (Stu) interpretando al asesino más cómico que se haya visto y Neve Campbell (Sidney), la victima más atlética y aguerrida. Otro aspecto que es necesario mencionar son las innumerables citas que dejaron, en especial: “La vida es como una gran película. Sólo que no puedes escoger el género.”

Gracias Wes Craven. Estoy seguro que esta película nunca pasará al olvido. El dato curioso, aunque todos lo saben es que Scary Movie es una parodia de esta película y otra más (I Know What You Did Last Summer).

sábado, 14 de noviembre de 2015

Dial M for Murder (1954)


Ninguna nominación al Oscar.


Alfred Hitchcock para variar nos presenta un thriller espléndido, protagonizado por un triangulo amoroso compuesto por Tony (Ray Milland), Margot (Grace Kelly) y Mark Halliday (Robert Cummings). Mención honrosa a Chief Inspector Hubbard (John Williams) que nunca se comió las mentiras e investigó hasta el final, hasta encontrar la verdad. Qué increíble que solo una habitación bastó para rodar todas las escenas.

El guión es soberbio. Margot se siente confundida y le cuenta a Mark que su esposo, Tony, desde que dejó de jugar al tenis ha cambiado en todo sentido. Lo que ella no sabe es que Mark descubrió su infidelidad y lo único que le interesa es heredar su fortuna, para eso tendrá que asesinarla a través de un elaborado plan. Aunque ya sabemos como va a acabar la película desde el principio, el genio Hitchcock logra causar interés en todo momento gracias a una soberbia actuación de Ray Milland. El plan que ideó Tony fue genial, pero qué manera de chantajear, logra hacer que su ex profesor Swann (Anthony Dawson) decida hacer el trabajo sucio. Swann tenía que entrar a la casa y asesinar a Margot. Aquella escena en que Grace Kelly contesta el teléfono y es atacada por detrás es inolvidable. Cada pieza encajó perfectamente, como un rompecabezas, lástima que Margot, cual cosa del destino, encontró una tijera que usó para clavársela. A pesar que el plan falló, Tony logra idear una coartada casi perfecta, como dice el dicho: "Ningún crimen es perfecto" y al final se llega a saber la verdad. Notable la escena que Tony entra a su casa y ve a Margot, su amante y el inspector mirándolo, rápidamente se da cuenta de su final, no niega nada, no llora, no se enfada, no pierde los papeles, solo atina a beber alcohol y brindar junto a los demás.

viernes, 13 de noviembre de 2015

Carnival of Souls (1962)


Ninguna nominación al Oscar.

Desde que vemos que el auto del trío de rubias se cae del puente, pasa tres horas de que la gente las busca y de la nada aparece Mary Henry (Candace Hilligoss), ya podemos suponer como acabará la película. El gran mérito de Herk Harvey es que de una historia un poco predecible logra envolvernos en un misterio sin igual, con una trama de buen ritmo que nos hace ser participes del desconcierto de la bella protagonista. El thriller que se respira es demasiado potente y poderoso, acompañado por el inquietante sonido del órgano que se escucha cual melodía proveniente del infierno. 

Estoy seguro que si Carnival of Souls no hubiese existido, no se hubieran filmado películas como The Sixth Sense y The Others, que comparadas con esta son infinitamente inferiores, lo siento Nicole Kidman y Bruce Willis, pero es la verdad.

El personaje principal es rico: Mary Henry es una bella muchacha, música de profesión, solitaria. Como dijo el doctor, quizá el muerto que ella veía en verdad era un simbolismo del miedo que tiene a los hombres, un miedo que la persiguió hasta la muerte. Ella no pertenecía ni al mundo de los vivos ya que era sumamente diferente psicológicamente, ni tampoco al mundo de los muertos, porque aun no se daba cuenta que ya no estaba viva.

Como dato curioso, cuando Carnival of Souls se estrenó no gozó con la debida aceptación del público, pero al pasar del tiempo se convirtió merecidamente en una película de culto. Directores como George A. Romero y David Lynch confesaron estar muy influenciados de esta película.

jueves, 12 de noviembre de 2015

Chinatown (1974)


11 Nominaciones.
1 Oscar: Mejor guión original

Chinatown es uno de los máximos exponentes del cine negro y describe a este género como tal, por un lado nos muestra lo más oscuro de la sociedad y por otro, el héroe es empujado al abismo por una mujer. 

Roman Polanski a través del guión de Robert Towne nos traslada a los Estados Unidos de los años 30 y nos introduce desde el comienzo a Gittes (protagonizado de una manera soberbia, impecable e inmejorable por Jack Nicholson), un famoso detective, odiado y amado.

Un día una misteriosa mujer se acerca y le dice que investigue a su esposo Hollis Mulwray (Darrell Zwerling), un respetado ingeniero, jefe de un millonario proyecto de construcción. Ella lo acusa de infidelidad. Al poco tiempo Gittes descubre que es verdad lo de la infidelidad pero también descubre que esa misteriosa chica no era Evelyn (Faye Dunaway), la esposa de Hollis, si no era una prostituta llamada Ida Sessions (Diane Ladd) que fue contratada por alguien misterioso. 

Desde ese momento Gittes es sumergido en los más hondo del pantano, en lo más nauseabundo de Estados Unidos de esa época, como dijo Gonzales Prada: "donde metes el dedo, sale la pus", y es que la corrupción era infinita. Gittes descubre que asesinaron a Hollis ya que él se dio cuenta que el agua era mal utilizada, que alguien manipulaba esas represas, que la gente se moría de sed y había un responsable. Se entera que Hollis y Noah Cross (John Huston) eran socios y que Evelyn se casó con el socio de su papá. Lo más asqueroso y crudo fue el enterarse que la amante de Hollis era nada más y nada menos que la hermana e hija de Evelyn, ¿qué, cómo es posible eso? ¿Total, es su hermana o su hija", ella misma confiesa que fue violada por su padre, dejando atónito no solo a Gittes, si no también a los espectadores. 

El final es perfecto, Gittes confesando el crimen de Noah Cross, los policías haciendo caso omiso -nos dimos cuenta que Noah no era solo dueño de esa compañía de construcción, si no también de todo el pueblo, de la policía, de los jueces, de todo- y la muerte de la perdición de Gittes, escena desesperanzadora con una frase, una cita inolvidable, aun más trágica: "Olvídalo, esto es Chinatown"

miércoles, 11 de noviembre de 2015

Mystery Train (1989)

Ninguna nominación al Oscar.

Obra maestra de Jim Jarmusch. Esto no será Pulp Fiction pero el estilo de contarte historias cruzadas de una manera tan entretenida es notable. Todas las historias suceden en Memphis, un lugar donde ELVIS PRESLEY vive para siempre: increíble la obsesión, la paranoia y el culto que le brindan. La película se llama "Mystery Train" por eso, como la canción de Elvis. Por otro lado, los personajes que intervienen en el film son de los más curiosos y son capaces de sumergirte en las situaciones más atípicas.


Far From Yokohama: La historia de dos turistas japoneses que llegan a Memphis para conocer los lugares donde vivió y grabó Elvis. Es cierto que es la historia más tranquila de las tres, pero fue un acierto ya que describió tal cual es la experiencia de una persona en un país lejano, con costumbres e idioma diferentes. Realmente me hizo acordar cuando viajé a Estados Unidos, estaba igual, mi inglés no era el mejor y no conocía ningún lugar, todo fue nuevo para mí, fue como viajar a otra dimensión. Cuando una película logra despertarte sentimientos mostrándote una historia convincente y sin usar gags o clichés, demuestra la calidad que tiene.

A Ghost: La historia de una italiana que llega a Memphis por accidente y es victima de los seres más inescrupulosos, siendo estafada dos veces (La escena del tipo que se sienta con ella y le cuenta una historia más alucinante es épica, para concha al final le pide dinero). Luego de algunos sucesos, llega a un hotel, donde comparte habitación con una desconocida -pero qué odiosa esa hija de puta, hablaba hasta por los codos, no había momento en que estuviera callada- llamada Dee Dee.

Lost In Space: Jhonny, el novio de Dee Dee, arma un chongazo en un bar de negros y vienen a su rescate su amigo Will Robinson (Rick Aviles) y su cuñado Charlie (Steve Buscemi). Se van a una licoreria y Jhonny dispara al dueño, huyen robándose dos licores baratos. Igual que los japoneses y las chicas llegan al hotel Arcade. Al final los personajes de otras historias se cruzan de alguna u otra manera.

martes, 10 de noviembre de 2015

Tesis (1996)


Ninguna nominación la Oscar. 

Tesis es quizá uno de los mejores thrillers de los últimos veinte años y no es por exagerar. Alejandro Amenábar nos introduce en una historia extraña, llena de morbo y misterio. El ritmo de la película es parejo, nunca aburre y siempre el espectador está deseando saber que pasará en la siguiente escena, si el enigmático Bosco (EduardoNoriega) es el culpable de todo o qué les pasará a los protagonistas.

Angela (Ana Torrent) decide hacer una tesis de violencia audiovisual. Su profesor Figueroa (Miguel Picazo) es encontrado muerto y la supuesta causa es un video. Al conocer a Chema (Fele Martínez), un adicto al cine gore y pornografía, observan dicho video y descubren que es una película snuff y la victima es una ex estudiante que ha desaparecido. Luego de analizar la cinta descubren que fue filmado en un garage y que ella conocía al sádico asesino. El principal sospechoso es un chico llamado Bosco que siempre se muestra como seductor. 

En el transcurso de la película descubren que hay una mafia dentro de la universidad, que el profesor Castro (Xabier Elorriaga) estaba implicado en el asunto: era el que filmaba las películas y las victimas eran estudiantes. Su única excusa era "Da al público lo que quiere ver", para eso no importaba si había muertes o si era ilegal, a la mierda, lo único que le interesaba era vender, ganar dinero, hacerse rico. Como dice el famoso dicho: "el fin justifica los medios". 

Pero no hay que cerrarnos a ese detalle, realmente los principales culpables de cosas tan enfermas como el snuff son las mismas personas que la consumen, aquellas que compran y difunden, porque si a nadie le interesaría, no existiría. Es increíble el alto grado de enfermedad de la sociedad. La violencia causa morbo a todos, en distinto nivel, claro ejemplo es la primera escena donde se muestra un accidente y mientras la autoridad dice que nadie se acerque, todos caso omiso, se esmeran en observar.

lunes, 9 de noviembre de 2015

The Seventh Seal (1957)


Ninguna nominación al Oscar. 

Ingmar Bergman a través de la fotografía en blanco y negro nos transporta a la oscura edad Media, donde conocemos a un caballero llamado Antonius Block (Max von Sydow) y a su fiel escudero Jöns (Gunnar Björnstrand), sobrevivientes de la guerra de la Cruzada, aquella extensa batalla en donde católicos y musulmanes se mataban unos a otros en el nombre de Dios. La ignorancia también se disfraza de religión y toma protagonismo, vemos en una escena como creen que una mujer ha tenido relaciones sexuales con el diablo y la queman viva, al igual que hacían con las brujas y científicos. 

El tema principal de la película, sin lugar a dudas, es la muerte. Al final apreciamos los distintos puntos de vista de los personajes, mientras otros lloran y piden perdón a Dios, otros siguen sin dar su brazo a torcer y esperan su hora; mientras algunos piensan que después de la vida está el paraíso o el infierno, otros piensan que después de la vida no existe nada, absolutamente nada. ¿Cual será la verdad de ese misterio? Solo lo sabremos cuando nos llegue nuestra hora.

“La idea de El Séptimo Sello me vino contemplando los motivos de pinturas medievales: los juglares, la peste, los flagelantes, la muerte que juega ajedrez, las hogueras para quemar a las brujas y las Cruzadas.(...) Es un intento de poesía moderna, que traduce las experiencias vitales de un hombre moderno en una forma que trata muy libremente los hechos medievales.(...) En el Medievo los hombres vivían en el temor de la peste. Hoy viven en el temor de la bomba atómica. El Séptimo Sello es una alegoría con un tema muy sencillo: el hombre, su eterna búsqueda de Dios y la muerte como única seguridad", dijo alguna vez el mismo Bergman