Her (2013)

5 nominaciones

1 Oscar: Mejor guión original.

Es la primera vez que no voy a comenzar escribiendo: “dirigido por..” ya que no sé si soy el indicado y/o tenga la autoridad y capacidad para describir y criticar esta obra de arte audiovisual. Amigos, cultos lectores, déjenme hacerlo y acompáñenme en esta senda donde las estrellas brillan como no lo solían hacer. Dirigida y escrita por Spike Jonze (el cual con esta maravilla ganó el óscar a mejor guión original). Este film nos sitúa en un futuro no muy distante, ya que en ciudades de estados unidos como Los Angeles (lugar de la película), Miami, New York, Pittsburgh, entre otras, todo es edificios interminables con lucecitas que apalean la oscuridad de la noche. 

Theodore Twombly (Joaquin Phoenix) es un escritor de cartas en una empresa, el cual se siente solo, triste y perdido luego de distanciarse de su esposa, pensando en el divorcio, mirando miles de rostros al pasar las calles, extraño en un mundo donde no existía la felicidad, apoderado por la rutina maldita. Instala en su pc un sistema operativo que simulaba ser una persona, con pensamientos y hasta emociones humanas, llamada Samantha (Scarlett Johanson en la voz). Ella fue convirtiéndose; al pasar de los minutos, horas, días y meses; en algo más que un sistema de computadora que le leía sus mensajes, si no, en algo más, fue ese algo que lo hacía capaz de tocar el cielo con los dedos, ese algo indescriptible que lo llenaba de felicidad y le inyectaba color a su monócroma vida. ¿Acaso el enamorarse de algo no humano está permitido? La historia se vuelve más compleja al transcurrir y los diálogos cargados de sentimientos bombardearan tu cerebro, haciendo que, sin querer, broten finas gotas sobre tu rostro. 

Al final el protagonista comprende que no puede enamorarse de algo no humano, luego de que Samantha le confiesa que está enamorada de otras 600 personas y que se habla con más de 3000 y decide terminar con él. El desanlace es estupendo Theodore con su amiga Amy (Amy Adams) en la cima de un edicificio de LA, mirando las estrellas y el oscuro de la noche; Theodore pensando en que necesita la amistad de su ex esposa y que siempre la amará ya que fue con ella quien creció como persona. Jodidamente recomendable.

Into The Woods (2014)

3 nominaciones al Oscar.

Si tuviera que describir este film en una palabra, seria: encantadora. Debo confesar que no me vacilan las películas musicales pero esta si fue una excepción. Hubo de todo: muchos cuentos mezclados en uno solo (caperucita roja, jack con los gigantes, cenicienta y rapunzel), toques de humor sano, muichas canciones (aunque al último se me hizo un poco empalagoso). No sé si es una obra de arte, pero si que es una buena película, por algo no fue nominada al oscar. Y no es tan infantil ah, hubo algo gore, pedofilia y malas intenciones, si es que eres muy observador.

Risen (2016)

Kevin Reynolds mediante una nueva perspectiva realiza una película que se quedará en la historia del cine como un clásico de Semana Santa. Lo interesante es que te cuenta una historia diferente, una historia poca conocida. No se basa en los capítulos de la Biblia súper explotados como el nacimiento, la infancia y los últimos años de Jesús, si no se basa en los pasajes desconocidos de la Biblia, aquellos que nadie te cuenta, ¿Jesús luego de resucitar qué hizo, regreso al cielo el mismo día, se tomó algunos días, qué hizo? Lo que muy pocos saben es que luego de resucitar Jesús vivió cuarenta días, de los cuales tuvo algunos momentos con sus discípulos, con la gente y la mayor parte del tiempo se la pasó caminando en el desierto. 

Y es que con morir crucificado no bastaba, la fe traspasó el tiempo y se hizo más fuerte por una razón: la resurrección. No había mayor demostración de divinidad que la vida eterna. Es por eso que no solo los romanos no querían que nadie entre a la tumba de Jesús si no también los mismos sacerdotes judíos, aquellos que lo odiaban y creen, hasta ahora, que Jesús no fue un salvador si no fue un simple loco, un payaso popular. Todas las películas de Jesús terminan con la muerte y resurrección de Jesús, pero después de eso hubo muchas trabas, como las que acabo de contar y es más, poco tiempo después se dio la orden de asesinato a todos los cristianos en Roma. 

Con respecto al reparto, contaron con una Maria Magadalena (María Botto) muy guapa pero creíble con respecto al personaje. Jesús fue personificado por Cliff Curtis, de lejos fue el Jesús más feo y diferente en todo sentido, hasta parecía hindú más que judío. Y como siempre el protagonista tenía que ser el más atractivo de toda la película: Joseph Fiennes protagoniza al tribuno romano. Este personaje era un tipo de treinta años, atlético y con una barba bien cuidada. Por otro lado, todos realizaron un buen performance, en promedio estuvieron más que aceptables, ni muy soberbios, ni muy flojos.

Phase IV (1974)

Ninguna nominación al Oscar.

Saul Bass alejándose de sus trabajos como diseñador gráfico de muchas películas de culto, con su único largometraje como director –en su haber cuenta con dos mediometrajes que son Why man creates y Quest– nos deleita con grandilocuencia, perfección y soberbia gracias a una de las mejores películas de Ciencia Ficción de todos los tiempos: Phase IV.

Si alguien se aventura a leer la sinopsis antes de ver la película, pensaría rápidamente que se trata de la más vulgar Serie B, donde las hormigas se hacen gigantes y controlan el mundo, pero no, es todo lo contrario, es una obra maestra incomparable.

El mérito del director es que desde el inicio logra robarse la atención del espectador, gracias a una introducción de aquellas, advirtiendo al espectador del fenómeno que origina todo lo que va a suceder posteriormente. Las explicaciones que dan a lo largo de la película hacen que el guión sea creíble. Nunca la película se vuelve incoherente ni estúpida, mientras más pasa el tiempo nos sumergimos en una suerte de incertidumbre. El final de la película es abierto y tiene muchas interpretaciones.

Debido a un extraño fenómeno cósmico, las hormigas logran desarrollarse como seres tan o más inteligentes que los seres humanos. Estos atacan a todos sus depredadores, logrando espantar a las familias que viven en su hábitat. Un biólogo y un matemático deciden investigar el problema. No tardarán en darse cuenta que ellos han pasado a ser los investigados. Comprendiendo como se sienten las ratas de laboratorio, miles de interrogantes pasarán por sus mentes.

Funny Games (1997)

Ninguna nominación al Oscar.

Película de culto. El nivel de violencia, sadismo, locura y enfermedad de Funny Games es incomparable. Definitivamente no podría recomendar esta película a cualquiera, por miedo a que me tilden de psicópata. Debo confesar que me gustó. Esta mierda puede estar tranquilamente en el top de películas más perturbadoras y repugnantes.

El gran mérito de Michael Haneke es que le dio un toque diferente. Le dio su sello personal. Podría nombrar miles de escenas, pero me quedo con el comienzo de la película, cambiando la música clásica que escuchaba la familia feliz por una bulliciosa canción de metal, introduciéndonos en el nefasto futuro que iban a vivir. 

A mi criterio esta película es una parodia a las películas antiguas de explotation donde hermosas mujeres se van de vacaciones a lugares descampados, en donde son torturadas y violadas por los personajes más enfermos que se haya podido imaginar. La única variante es que reemplazan a la hermosa mujer por una familia unida y feliz. No hay mayor prueba a esto que las tres escenas donde Paul (Arno Frisch) mira a la pantalla y conversa con el espectador y también cuando retrocede el tiempo con el control remoto y evita la muerte de su compañero. Si te tomas las cosas muy en serio, definitivamente eso no es para ti.

Cleopatra (1963)

9 Nominaciones.

4 Oscars: Mejor fotografía (Color), Mejor dirección artística (Color), Mejor vestuario (Color) y Mejores efectos visuales.

Cleopatra es una de las películas más insólitas que haya existido: a pesar de ser un éxito en taquilla y de ser adorada por el público, fue un fracaso financiero y obtuvo críticas totalmente desfavorables por parte de los críticos de cine. 20th Century Fox gastó millones para la producción, debido a dicho enorme costo le tomó un año en recuperar el dinero invertido. De todas maneras, dicho gasto a la larga fue una gran inversión, ya que difícilmente podrá ser olvidada.

Joseph L. Mankiewicz luego de realizar su obra maestra llamada All About Eve, nos sorprende con una de las películas históricas mejores realizadas. Hablar de Cleopatra no solo es hablar de la belleza de su protagonista, es también hablar de la poesía de sus diálogos, de su perfecta fotografía, de su innumerable cantidad de extras, de lo entretenido y acertado de su guión y de los 243 minutos que dura la película (que inicialmente era seis horas).

Qué bello es el cine cuando aparte de entretenerte, cultiva tu mente. Luego de ver esta película tienes la autoridad para conversar sobre cultura romana y también de la egipcia: hablar sobre el Cesar, Cleopatra y Marco Antonio; hablar sobre las guerras internas por el poder: Cesar contra Pompeyo y Marco Antonio contra Octavio y reflexionar sobre la decadencia de dichos imperios tan poderosos. Es increíble ver que una mujer en años tan antiguos gobierne y haga lo que sea por conseguir sus propósitos. Es interesante ver que hasta los hombres más poderosos son seducidos y controlados por la belleza de una mujer, porque tan solo si Cleopatra no hubiera aparecido en la vida de Julio Cesar, nada de eso hubiera pasado y no podría decir que hasta ahora existiera dicho imperio, pero de todas maneras hubiera sido más duradero. 

Con respecto al reparto, ¿qué les puedo decir? Elizabeth Taylor con aquella interpretación de Cleopatra se ganó un lugarcito en la historia del cine, pero qué belleza y sensualidad emanaba, sin desnudarse, solo mostrando su fino rostro y, por partes, aquel diminuto escote. Sería injusto no decir que actuó de puta madre, que de su boca solo salió versos de los poemas más bellos, que tuvo una química fenomenal con sus co-protagonistas. Rex Harrison (Julio Cesar) y Richard Burton (Marco Antonio) fueron el complemento perfecto para la bella protagonista, se lucieron de principio a fin.

Dogma (1999)

Ninguna nominación al Oscar. 

Dogma no es una tonta parodia que se creó para escandalizar gratuitamente y de una manera pretenciosa. Dogma es una de las sátiras más pensadas, inteligentes y reflexivas que se haya visto. Kevin Smith se supera a sí mismo y su nivel de humor negro con esta película crece a niveles exponenciales. Clerks es un juego de niños malcriados comparado a esta película.

El director hace una crítica muy valiente e ingeniosa contra el fanatismo religioso y todo el concepto que se ha creado a lo largo del tiempo. Muchos solo van a la iglesia por costumbre, se aburren y al salir vuelven con su rutina de mierda, mundana, cometiendo los mismos pecados de siempre. El concepto religioso se ha convertido en una hipocresía terrible, donde bajo mandatos dictados por un libro escrito por humanos se reprime y limita al propio ser humano. Cuantas personas inocentes han sido asesinadas en el nombre de la religión. Muchas personas viven pensando más en Satanás que en el propio Dios. En verdad la mayoría de las personas han olvidado o hacen caso omiso a las palabras de Jesús. ¿Dónde está la parte de “ámense unos a otros”? ¿Dónde quedó hacer el bien, el bien común? ¿Dónde quedó el perdonar? 

Con respecto al elenco, ¿Qué les puedo decir? Kevin Smith repite el mismo reparto de siempre:Ben Affleck, Jason Mewes, el mismo y agrega actores como Linda Fiorentino, Matt Damon, Alan Rickman, Alanis Morissette y bueno, no sé si se ha ellos se les puede llamar actores, pero también aparece Chris Rock y Salma Hayek. Por cierto, Salma actúo tan mal que quedó nominada a los Premios Razzie. 

Bethany (Linda Fiorentino) es la última descendiente de Jesús –nunca indicaron que Jesús tuvo hijos, pero sí hermanos, de los cuales tuvo descendencia, que eso sí puede ser cierto– y ella no lo sabe. Su misión es salvar a la humanidad evitando que dos ángeles expulsados del paraíso ingresen a un lugar en donde los pecados son perdonados. Para eso contará con la ayuda de un ángel, un discípulo, una musa y dos profetas. Si falla no solo la humanidad desaparecerá, sino la existencia entera.

Mad Max: Fury Road

10 Nominaciones.
6 Oscars: Mejor montaje, Mejor diseño de producción, Mejor vestuario, Mejor maquillaje, Mejor sonido y Mejores efectos sonoros.

Película de culto. Cuando escuché tan buenas críticas de muchas personas me sentí extrañado, ¿la gente había mejorado en ver buen cine o había algo malo ahí? Luego de ver la película, en efecto, hubo algo malo: la película fue un gran espectaculo visual pero sin un guión sólido. La gente actualmente adora las películas vacías disfrazadas de efectos especiales y mucha violencia gratuita. 

Ahora, ¿la película es sobre Mad Max o Furiosa?, En serio, hubieran dejado a Mad Max inmortalizado en el Mel Gibson joven y no hacer una secuela netamente comercial con un Tom Hardy plano y sin alma. Cabe resaltar que Hardy me parece un actor interesante, es más, como secundario hizo buenos papeles en Inception o como Bale en la tercera película de Batman (Trilogia de Nolan), pero en esta película fue opacado por una Theron a lo cyberpunk (sin un brazo y en vez de eso una protesis de robot). 

No digo que es una mala película, pero la hubieran titulado solo "Fury Road". Que no nos engañen de Mad Max porque ese no lo es. Si aun que sea nos hubieran mentido diciéndonos que él es el hijo de Max, hubiera sido aceptable, ya que es un mundo diferente con otro punto de vista. George Miller, por favor, para con esto, déjanos el Mad Max de siempre, inmortalizado por Mel Gibson.

Nosferatu (1922)

No había Premios Oscar en ese tiempo.

F. W. Murnau introdujo en el mundo del cine al primer vampiro de la historia del cine: Nosferatu. Su nivel de maldad era comparada con la poesía que desplegaba, su fealdad era igual al terror que infundaba. Aunque en la actualidad aquel personaje ya está obsoleto, es innegable que en su tiempo causó un miedo terrible entre el público.

“¿Pero quién carajos es Nosferatu?”, dirán los niños de ahora y aquellos que solo conocen al vampiro de Twilight -aquel vampiro ridículo que brilla, asiste a la escuela, se enamora de una emo y tiene rivalidad con hombres lobos-. Nosferatu era un personaje poético e inconfundible: aquella nariz inmensa y deforme, aquellos dedos largos y torcidos, aquellos colmillos y sobre todo, su desconcertante rostro. Nosferatu es digno representante del expresionismo alemán.

El guión fue basado en el mítico libro de Bram Staker y modificado por Henrik Galeen. Es cierto que posteriormente hubo mejores vampiros como el de Gary Oldman en Bram Stoker’s Dracula o el de Béla Lugosi, pero sin la extravagancia del personaje de Max Schreck, estos vampiros no hubieran existido o no hubieran sido perfeccionados.

Hutter (Gustav von Wangenheim) es un noble ciudadano alemán que recibe una irrechazable oferta por parte de un misterioso personaje llamado Knock: deberá ir a Transilvania para convencer a un conde (Max Schreck) de comprar el castillo que está frente a su casa. Luego de un largo viaje llega a su destino. Nada es lo que parece. Al descubrir la identidad del conde y sus intenciones, decide a toda costa regresar a su ciudad natal y salvar a la persona a quien más quiere.

Il Mare (2000)

 Ninguna nominación al Oscar.

Il Mare es la opera prima de Lee Hyun-seung y quizá su trabajo más recordado. La película está basada en una novela de Jirō Asada. Por otro lado, está película tiene un remake norteamericano llamado The Lake House, protagonizado por el talentosísimo Keanu Reeves y Sandra Bullock.

El director sur coreano combina de una manera muy correcta el romance, la fantasía y el drama. Mientras pasa los minutos es imposible no empezar a tenerles cariño a los protagonistas. Y es que su soledad y sus sueños son muy contagiosos y hasta puedes llegarte a identificar de alguna u otra manera. 

Todos sabemos que en estos tipos de películas solo importan los protagonistas. Es necesario mencionar que Jun Ji-hyun (Kim) y Lee Jung-jae (Han) Lee hicieron un trabajo estupendo, lograron hacer de lo fantástico algo creíble. Nos llenaron de magia y de sentimiento, sin caer en lo cursi ni empalagoso. 

Kim al mudarse de la casa donde estaba hospedada decide dejar una carta al próximo huésped indicando que si recibía una carta que era para ella, que se la mande a la dirección de su nueva casa. Han al leer la carta observa algo extraño: su firma indica dos años después. Ambos creen que es una broma, pero luego de algunos sucesos se dan cuenta de que es verdad. Al pasar del tiempo forjan una incondicional y sincera amistad que los hará soñar por un encuentro.

Grave of The Fireflies (1988)

Ninguna nominacion al Oscar.

Película de culto. Definitivamente hablar de Grave of the Fireflies es hablar sobre una película apta exclusivamente para adultos y no lo digo porque hay escenas de sexo y violencia –que no las hay–, sino por el nivel de crudeza e infelicidad que se observa, no es recomendable para un niño. 

Isao Takahata, basándose en una novela de Akiyuki Nosaka, nos traslada al Japón de la Segunda Guerra Mundial, nos hace partícipe del horror que se vivió en esa época: de la pobreza, miseria, muerte y de situaciones que nos hacen aflorar lo peor de nosotros, de sobrevivir sin importar lo demás, sin importar las reglas, sin importar tus valores y principios, sin importar nada.

Seita es el hijo de un marinero que vive con su mamá y su hermana Setsuko. Cuando comienza la guerra escapa junto a su hermana, mudándose a la casa de su tía. Al ver que era un estorbo para ellos decide huir al refugio junto a su hermana, sobreviviendo como de lugar. Cuando descubre que uno a uno sus seres queridos van muriendo, el a su vez muere en vida. Uno de los animes más conmovedores y tristes que puedan existir.

Scanners (1981)

Ninguna nominación al Oscar.

Aunque no sea un gran seguidor de David Cronenberg, he visto a lo largo de mi vida cinéfila películas como: Videodrome, Dead Ringers, Naked Lunch (film), Crash, Existenz y A Dangerous Method. Es innegable que sus películas son las más extravagantes y extrañas que se puede ver. Muchas de ellas son una obra maestra y otras son tan solo buenas intenciones. Scanners es otra de sus buenas intenciones. 

Scanners es el comienzo de una larga saga de cinco entregas. Solo la primera fue dirigida por el director canadiense, las demás solo fueron escritas por él. La película combina ciencia ficción, un ligero thriller y gore.

De la película no se puede rescatar nada más que la idea del guión, la “originalidad” que después de todo hay en esta. Con respecto al reparto, la calidad del performance de los actores refleja su no popularidad. Solo podré recordarme de dos personas: del villano de la película que tiene un brutal parecido a Jack Nicholson y la belleza de la scanner interpretada por Jennifer O'Neill. 

La película nos traslada a una realidad diferente, donde existen unos seres llamados scanners que tienen extraños poderes mentales. El líder de ellos es Darryl Revok (Michael Ironside), este es perseguido por el doctor de una empresa de medicina, el cual descubre que hay un scanner más poderoso que él: Cameron Vale (Stephen Lack). Desde ese momento el futuro del mundo está en sus manos.

X-Men: Days of Future Past (2014)

Debo confesar que no soy fanático de las películas de super héroes, pero esta la vi por dos razones: todo comenzó cuando estaba comiendo anticucho en la tía veneno, al costado de nosotros había un puesto de DVD's piratas; mientras comía, veía un toque la película y en 15 minutos me quedé enganchado por la actuación de Jennifer Lawrence interpretando a Mystic, por los efectos especiales increíbles y por las pequeñas partes de acción que fueron muy bien trabajadas. Pasaron meses y vi que fue nominada al Oscar, sí, fue la cerecita al pastel para comprarme el blu ray y verla en mi tv ultra HD. 

El film fue enteramente placentero: el comienzo fue prometedor, no hubo puntos flacos y el final fue super alentador. Los diálogos fueron aceptables. La fotografía fue buena. Los efectos especiales, como dije, impecables. Las actuaciones fueron más que aceptables, a parte de contar con JLawrence, ver actuar a Nicholas Hoult (el eterno Tony de Skins) ahora interpretando a the Beast, Evan Peters (estrella en todas las temporadas deAmerican Horror Story) interpretando a Quicksilver y también a los que hicieron de Logan, Professor Javier y Magneto, fue genial.

Blow-Up (1966)

2 nominaciones al Oscar.

Película de culto. Esta película no es para cualquiera, no culparía al que abandone el visionado a los veinte minutos, hasta podría entenderlo. La primera parte fue jodidamente lenta pero quizá necesaria. Mentiría si dijera eso, no hacía falta tanta presentación del personaje principal por parte del director al público.

Cuando la película se aleja por un momento del frívolo mundo de la moda, por fin toma cuerpo y se sumerge en un misterio inusual que me recordó mucho a Rear Window de Hitchcock, ya que en el momento menos esperado, el personaje principal descubre un crimen.

Aunque esté basado en el relato de Julio Cortazar, titulado Las Babas del Diablo, la película es muy diferente al relato. Y eso no lo digo yo, ya que no he leído nada de dicho escritor, ni siquiera Rayuela, sino porque el mismo Michelangelo Antonioni, director de la película, confesó eso. El personaje principal en realidad está inspirado a un fotógrafo llamado Sergio Larraín.

Thomas (David Hemmings), es un fotógrafo del rubro de la moda. Un día por encargo decide fotografiar cosas diferentes, desde cosas violentas hasta lo cotidiano de la vida. Caminando en el parque junto a su cámara, observa una pareja cualquiera que pasa un buen momento. Al fotografiarlos, observa que el tipo era un hombre mayor y la mujer era muy joven. Ella al darse cuenta lo increpa y le pide que le entregue su cámara, que le iba a pagar a cambio, este no accede, pero luego que ella lo persigue e ingresa a su estudio, en un juego de seducción intercambian risas por el rollo. No sé si era un duplicado o era el original, pero Thomas logra revelar algunas fotos, luego de verlas detenidamente descubre un homicidio.

Psycho (1960)

4 nominaciones al Oscar.

Obra maestra de Alfred Hitchcock, film cargado lleno de terror, intriga y misterio. Es una maravilla porque cada personaje nos muestra algo interesante: Marion (Janet Leigh) nos muestra que a veces podemos perder los ideales al tener tanto dinero en nuestro poder; Anthony Perkins (Norman Bates) nos sorprende con un brillante papel, donde personifica a un tipo que tiene un trastorno de personalidad (tenia dos personalidades opuestas, una de ellas era la personalidad que tenia al actuar como su madre fallecida); la determinación que tuvieron su novio (Sam Loomis) y su hermana al buscarla donde sea; y el brillante razonamiento del detective, al buscar las pistas con una eficiencia notable. Un escandaloso robo y huida se convirtió en un crimen con un contenido espectacular y enfermizo a la vez. Altamente recomendable.

Nekojiru-so (2001)

Ninguna nominación al Oscar.

Es un cortometraje de aproximadamente 32 minutos, donde el surrealismo reina de una manera increíble. Debo confesar que al acabar de ver dicho film, no entendí ni la mitad. Luego de investigar llegué la conclusión de (al pincho el spoiler, en huevadas como esta es necesario):

Un gato A se ahoga en la bañera, cuando está clínicamente muerto ve en el otro mundo a su hermana que está de la mano con un ser divino, este al darse cuenta de lo que está sucediendo decide salvar a su hermana y en el forcejeo rompe el alma de su hermana y se lleva la mitad. Luego este despierta en la misma bañera: había resucitado. Se va hacia donde esta su familia y ve que estan velando a su hermana, se acerca y le mete la mitad de su alma al cuerpo. Ella resucita pero en estado zombie. Dios le manda una pista a estos de que deben conseguir una misteriosa planta que es la mitad de su alma. Luego de un viaje recontra fumado la consiguen y ella vuelve a la normalidad. Llegan a la casa y uno por uno desaparece y la televisión se apaga y termina el film. Lo que se deduce es que fue el fin de todo, de que Dios destruyó todo lo que existe, hasta el planeta mismo.

American Psycho (2000)

Ninguna nominación al Oscar.

Película de culto. El film ya acabó pero sigo estupefacto. Dirigido por Mary Harron, basado en la novela homónima de Bret Easton Ellis. Christian Bale protagoniza a Patrick Bateman, vicepresidente de una empresa en Wall Street. Este personaje nos muestra una persona carente de sentimientos, vanidoso, enfermo, psicópata, un asesino serial que mata a prostitutas, personas sin hogar y todo lo que se le cruce en su inconciente estado, a las únicas personas que no pudo matar fue a su enamorada, a su secretaria y a su colega gay, personas las cuales le confesaron amor hacia él. 

Aparte de eso nos muestra el éxito económico y material sobre todo, cosas que deshumanizan. Un mundo frío, superficial e hipócrita que se vive en los negocios y asesinatos reales y también algunos creados por la imaginación.

El lado oscuro del corazón (1992)

Ninguna nominación al Oscar.

Esta película es tan mágica que de odiar a Mario Benedetti por ver sus frases publicadas en imágenes o comentarios en muchas cuentas de Facebook de gente que sabe cero de poesía y se llenan la boca y dedos de pose, desde este momento, después de haber visto El lado oscuro de sus ojos, me declaro un nuevo admirador de su poesía. 

Y amigos, cultos lectores, debo mencionar que un buen tiempo amé y me entregué al mundo de la literatura y aunque no era mucho de escribir poesía, solía escribir cuentos y novelas cortas. Y fue otro arte, fue el cine el que me brindó la oportunidad de reencontrarme con la literatura. Fue Eliseo Subiela el responsable de introducirme a Benedetti en estado puro y hacerme cambiar de opinión. Fue Darío Grandinetti en el papel de su vida, fue Oliverio, fue aquel personaje, fue aquel poeta que me hizo recordar a mí, y no lo digo por enamorarse de una puta, lo digo porque con verlo me sentí reflejado, vi a un tipo inmaduro, con pretensiones de intelectual, un tipo solitario, con muchos sueños y con un pesimismo de la vida al mismo tiempo.

Esta joya del cine latinoamericano está reservada solo para aquellos que se dejen llevar, aquellos que no tengan miedo de volar, aquellos que no se toman todo muy literal y entienden lo que significa el surrealismo, aquellos que por un momento se permitan a sí mismos ingresar a la vida de un poeta que sobrevive intercambiando versos por monedas y comida, que vive y conversa con la muerte, que habla con su madre fallecida a través de una vaca, que se enamora de una prostituta, que busca a la mujer de su sueño, aquella que comparta su afición literaria, aquella persona que asiste al mimo bar en donde el mismo Mario Benedetti recita sus poemas en alemán a las prostitutas, aquel mundo imaginario, real y mágico.

Me despido con este poema: “Mi táctica es mirarte, aprender como sos, quererte como sos. Mi táctica es hablarte y escucharte, construir con palabras un puente indestructible; mi táctica es quedarme en tu recuerdo, no sé cómo ni sé con qué pretexto, pero quedarme en vos; mi táctica es ser franco y saber que sos franca y que no nos vendamos simulacros para que entre los dos no haya telón ni abismos. Mi estrategia es en cambio más profunda y más simple, mi estrategia es que un día cualquiera no sé cómo ni sé con qué pretexto por fin me necesites".

Robocop (1987)

3 nominaciones.

1 Oscar: Mejores efectos sonoros

"You're gonna be a bad motherfucker". Sin duda alguna, es un clásico de clásicos. Perfección en todo sentido. El argumento fresco y original, retratandonos el caos delincuencial y corrupción de los Estados Unidos de los años 80 (Critica a las irracionales leyes que protegen más a los delincuentes que a los inocentes. Los encarcelan para que sean liberados en un abrir y cerrar de ojos). 

Las actuaciones soberbias, de todos, en especial el gran Peter Weller. Millones de frases para el recuerdo: "Cops don't like me so I don't like cops". Banda sonora de lujo. Gracias Paul Verhoeven por tremenda obra maestra.

Rebecca (1940)

11 nominaciones.

2 Oscars: Mejor película y Mejor fotografía. 

Dirigida por Alfred Hitchcock. Basada en la novela homónima de Daphne du Maurier. 

Debo confesar que no es la mejor película de Hitchcock, ni de asomo. No le llega ni a los talones a Vértigo, que siendo sinceros mejor film en su estilo no existirá jamas. De todas maneras, es una gran película, quizá un poco sobrevalorada ya que fue la única de este director que ganó dos premios oscar. 

Lo bueno de la película es el comienzo, versos plasmados en la voz en off de la segunda esposa (Joan Fontaine); también el final, que dando un vuelco de 180° salva al film de perderse en algo aburrido (a la mitad de la película me dio sueño). Si me olvidé de algo fue lo genial de Hitchcock que hace que un personaje el cual nunca vemos sea la protagonista y este presente de alguna forma en la trama. Lo malo es que las actuaciones de la pareja Winters son muy planas, no creíbles, sin gracia.

The Wolf of Wall Street (2013)

5 nominaciones al Oscar.

Obra de arte dirigida por Martin Scorsese, tres horas cargadas de humor y con las situaciones más hilarantes y sin control que hayas visto en tu vida. Leonardo DiCaprio, con un brillante papel (merecedor de un óscar, no sé si hoy se lo dan), interpreta a un corredor de la bolsa, que empieza nada menos que en Wall Street y debido a la crisisdel 2008, es despedido y luego de muchas cosas se metió en una empresa de mala muerte y con lo poco que había aprendido de sus compañeros de Wall Street logra sobresalir e iniciar una empresa con compañeros que aunque no contaban con los estudios requeridos, tenían la capacidad de vender acciones a los tipos más pudientes del mundo. El paraíso comienza para ellos, empiezan a ganar tanto dinero que no sabían que hacer con el, contrataban prostitutas, organizaban fiestas donde había mucha droga y alcohol. Al final todos caen presos ya que la empresa que relanzaron fue ilegal, estafaban gente, lavaban activos y demás cosas. Leo sale de prisión en tres años y se hace coaching de ventas. “¿Y tu como venderías este lapicero?”, famosa frase del protagonista. 

Los diálogos son geniales, cargados de humor. La fotografía es aceptable. Las actuaciones sobresalientes, sobretodo la del protagonista. El comienzo brillante, narrado por el protagonista; el final, bueno, esperanzador, mostrándote que todos pueden volver a comenzar. El argumento es genialmente llevado sin aburrir, a pesar que duró 180 minutos. Sin lugar a dudas, una historia para soñar y reflexionar. Amigos, cultos lectores, veremos si esta película se lleva algún oscar, aunque sea uno, se lo merece.

Mary Poppins (1964)

13 nominaciones.

5 Oscars: Mejor actriz (Julie Andrews), Mejor montaje, Mejor banda sonora, Mejor canción y Mejores efectos visuales.

Mary Poppins es de lejos la mejor película infantil de todos los tiempos y un clásico del cine familiar. Irreconocible Walt Disney, es increíble qué tamaña obra maestra produció. Lástima que ahora sus productos son bodrios enlatados de una adaptación de algún cuento, pero cada vez más desatinado.

Realmente no parece que fuera de los años 60 y no lo digo por el color, sino por la calidad de los efectos visuales, precisos para envolverte en un mundo de ensueño. Es cierto que quizá los 140 minutos que dura la película es algo excesivo, pero todo es permitido con tal de ver el rostro de la protagonista y escuchar las canciones, aunque un poco tontas, muy entretenidas.

Y ya que hablamos de la protagonista, es imposible no mencionar su belleza. Julie Andrews es uno de los rostros más perfectos que he visto en mi puta vida y particularmente el mejor rostro británico, sorry Kelly Reilly, pero antes que nacieras existía alguien con una belleza superior. Un punto y aparte el resto del reparto, merecidísima mención a tremendos actores como Dick Van Dyke (Bert), Karen Dotrice (Jane Banks), Matthew Garberr (Michael Banks), David Tomlinson (Mr. Banks) y Glynis Johns (Mrs. Banks).

Dos niños malcriados provenientes de una familia burguesa británica hacen la vida imposible a las niñeras que pisan la casa, haciendo que su estadía sea muy corta. Inesperadamente llega una bella muchacha a la casa y convence al padre de la familia que ella es la niñera indicada. Rápidamente roba el respeto y cariño de los niños, gracias a una extraña magia. Desde ese momento no existirá nada imposible.

The Babadook (2014)

Ninguna nominación al Oscar.

Magnifica película de origen australiano. No nos vende una historia de terror del montón, no, muy aparte de momentos brillantes de terror psicológico de la madre (Essie Davis) y apariciones de Babadook, nos muestra una historia interesante con harta metáfora. Muchas personas salieron disgustadas porque querían ver sangre, muertes, apariciones bien thriler y efectos especiales. Muchos de ellos no entendieron lo que la directora (Jennifer Kent), quiso darnos a entender. 

Para los que no entendieron ni mierda, ahí les va mi deducción: el argumento trata sobre una madre soltera, desarreglada, que no supera la muerte de su esposo. Vive con su hijo, un niño de 7 años, evidentemente malcriado y desesperante. En una de esas noches de cuentos, ella le narra la historia de The Babadook, un libro que encuentra en una casa antigua, caen sorprendidos por tremenda historia de mal gusto. The Babadook en realidad es el mostruo que tenemos todos nosotros, todos los seres humanos; el de ella era la locura, el no amor hacia su hijo y la culpa que tiene: cree que su hijo debió morir en vez de su esposo. Mata a su perro y trata de hacer lo mismo con su hijo. Al final ella comprende que puede dominar a su miedo: al monstruo, pero siempre debe alimentarlo, ya que es nuestra propia naturaleza humana.

Black Swan (2010)

5 nominaciones

1 Oscar: Mejor actriz (Natalie Portman)

Black Swan es sin duda la mejor película de thriller psicológico del nuevo milenio y es que como siempre Darren Aronofsky hace de lo simple algo tan jodidamente complejo pero bello a la vez. Es cierto que la primera parte es un poco lenta pero el ritmo es necesario para introducirte a Nina, la protagonista, conocer su personalidad introvertida y su obsesión por la perfección. Ya cuando el director nos bombardea con imágenes llenas de surrealismo y locura, el espectador se da cuenta que no está viendo cualquier cosa, que esto no es solo una película de ballet, por fin se da cuenta que está ante una obra maestra, sin igual.

El reparto estuvo inmejorable: Natalie Portman, en el papel de su vida, se adentró en su personaje, sorprendiendo no solo al espectador si no a la crítica especializada en cine. Su cambio de cisne blanco a cisne negro fue espectacular. Por otro lado, me sorprendió ver a Mila Kunis (Lily) en este tipo de películas, realmente estuvo irreconocible, me agradó que por un momento se alejó de papeles absurdos y mierderos y demuestre su talento, debo confesar que no lo hizo para nada mal. Para terminar, mención honrosa a Vincent Cassel (Thomas) y Winona Ryder (Beth). 

Estimado culto lector, si aún no ha visto esta genialidad le recomiendo saltar este párrafo. Para los que no entendieron por qué le salían plumas en las espaldas a Nina y en una escena se observa que sus dedos de los pies estaban pegados como si fuera un ave, eso simboliza que ya estaba perfeccionándose y se estaba convirtiendo en el personaje: un cisne. Las escenas en que Lily acecha a Nina y como ella dice la ve en todos lados, simbolizan el miedo que sentía Nina por ser reemplazada, el miedo por la actriz suplente. La escena en que se da cuenta que nunca había peleado con Lily y que tenía una herida en su vientre, es su modo de demostrar que estaba metida en el personaje: que se suicidó porque el personaje lo hacía y así terminaba la obra. Su obsesión por la perfección era tanta que no le importó morir, que todo estaba justificado para hacer un performance realista y natural, algo que nunca antes había podido conseguir: a pesar de ser muy técnica en sus movimientos, carecía de pasión.

Nymphomaniac. Volumen 2 (2013)

Ninguna nominación al Oscar. 

Es cierto que casi todos los que vimos Nymphomaniac I nos quedamos con ganas de más, de saber por qué la joven Joe (Stacy Martin) ya no sentía nada, pero esta segunda parte fue completamente inncesesaria. No digo que sea mala, al contrario es buena, pero es totalmente inferior a la obra maestra que es la primera parte, cargada de sexo duro y metáforas, de un recuerdo placentero y rebelde. 

En esta segunda parte acompañamos a Joe -pero la versión actual interpretada por Charlotte Gainsbourg- a su calvario. ¿El sexo es mejor con la persona quien amas? Para ella no lo fue así, desde esa vez dejo de sentir placer y fue tanto así que dejó a su esposo e hijo para buscar la felicidad. Intentó nuevas cosas como el sexo con personas de otras razas, el sadomasoquismo y un poco de lesbianismo, todo sin éxito. 

Las metaforas aqui son menores, al comienzo la comparan con dos ninfómanas legendarias, con dos versiones de la iglesía y a su hijo con una profesía maligna. El final fue crudo e inesperado. Estimado Lars von Trier, creo que te excediste esta vez.

Dark City (1998)

Ninguna nominación al Oscar.

Alex Proyas en el año 1998 dirigió una de las mejores películas de Ciencia Ficción de todos los tiempos, una obra maestra titulada Dark City, una película completa: guión complejo y estupendo, un reparto de lujo, efectos visuales y sonoros deslumbrantes, una fotografía brillante y oscura a la vez y diálogos dignos de una película de tamaño nivel.

La película es una interesante reflexión de nuestra naturaleza humana. ¿Qué nos hace humanos? Acaso nos hace humanos nuestros recuerdos, nuestra inteligencia o nuestra alma. Vemos cómo figuras divinas, en este caso extraterrestres llamados “los extraños”, que tiene poderes sobrenaturales estudian al ser humano y que los hace serlo. Vemos como experimentan con ellos, como borran sus recuerdos y les insertan una nueva vida, pero nada de esto conlleva a la respuesta. Si borras el recuerdo de una persona normal y le insertas recuerdos de un asesino, ¿este al despertar seguirá el mismo patrón? ¿Hará caso a sus recuerdos y empezará a matar? ¿Acaso recuerdos falsos modificarán su conducta? Luego de ver esta joya del séptimo arte, entendemos que lo que nos hace humanos no es nuestra inteligencia ni nada que ver con nuestro cerebro, lo que nos hace humanos y único es esa cosa inexplicable llamada alma.

Con respecto al reparto, ¿qué les puedo decir?, Rufus Sewell hizo el mejor papel de su puta y miserable vida protagonizando a John Murdoch, estoy seguro que con ese papel quedó inmortalizado en la historia del cine. Kiefer Sutherland (Dr. Schreber), Jennifer Connelly (Emma) y William Hurt (Inspector Frank Bumstead) hicieron un excelente trabajo, como actores secundarios, dándole color a esa obra maestra.

Friday the 13th (1980)

Ninguna nominación al Oscar.

Friday 13 th es el comienzo de una de las sagas más exitosas y con más secuelas dentro del género de Terror. Es sorprendente que una saga tenga diez entregas y la gente desconozca el origen de esta pesadilla. Todos asocian la película con aquel sujeto inmortal que asesina chiquillos sedientos de sexo, pero lo que no saben que la primera entrega, el origen y comienzo de todo, se trató de la madre de Jason, interpretada por Betsy Palmer (muy bien nominada como peor actriz secundaria en los premios Razzie).

Es cierto que actualmente podría considerarse como una película muy soft, pero es innegable que en su época robó muchos sustos y alarmó a los espectadores con un ligero pero necesario gore. 

Hablar de Friday 13th es hablar de uno de los máximos exponentes del género slasher y es que esta película le dio un aire fresco y diferente a lo ya visto anteriormente -basándose en un villano que persigue a sus víctimas y los mata uno por uno. La característica de las víctimas es que estos están envueltos en situaciones de sexo o drogas-. Debo confesar que aquella pequeña aparición que hizo en la primera entrega fue lo mejor de la película, opacando a su madre y robándose el show.

Un grupo de adolescentes se reúnen en un campamento ubicado en un lugar alejado llamado Crystal Lake. Lo que imaginaban como las mejores vacaciones de sus vidas, llenas de sexo y descontrol, se convierten en su peor pesadilla.

Kingsman. The Secret Service (2014)

Ninguna nominación al Oscar.

Matthew Vaughn fiel a su estilo vuelve con una película basada en cómics, pero esta vez los héroes no tienen disfraz ni súper poderes, ahora visten finos y elegantes trajes. Es cierto que la duración fue un poco excesivo pero de todas maneras el espectador fue muy bien compensado con un inmejorable final, especialmente por dos cosas: la frase "Este no es el tipo de película" y claro, la divertida escena de la recompensa de Eggsy al entrar a la celda de la princesa de Escandinavia -pero qué rica Hanna Alström, ¡carajo!, ¿acaso no hay mujeres feas en Suecia?

Con respecto a las actuaciones, un aplauso a Michael Caine (Arthur), pero qué elegancia, me hizo recordar su papel de Albert en la trilogía de Batman de Nolan. Por otra parte, Samuel L. Jackson (Valentine) genial en su papel de villano y mención honrosa a Colin Firth (Harry Hart) y Taron Egerton (Eggsy). La fotografía se rindió a la clase de las calles de Inglaterra, pero qué maravilloso lugar, antes de morir debo visitar esos lares mínimo una vez. 

Kingsman es un grupo secreto de agentes que luchan para conservar la paz. Harry Hart agradecido de su compañero y amigo que salvó su vida a cambio de la suya, hace que su hijo Eggsy abandone la mala vida y mediocridad y sea uno de ellos. Mientras tanto un misterioso y millonario sujeto llamado Valentine tiene una loca idea: hacer que la gente se mate entre sí y salvar las familias más poderosas del mundo, de esta manera solo los elegidos serán los responsables de repoblar la Tierra, tal como aquel pasaje de la Biblia. Al saber que no pudo pasar la última prueba, Eggsy se frusta hasta que se entera del terrible plan de Valentine y decide actuar, sin importar nada.

La Femme Nikita (1990)

Ninguna nominación al Oscar.

Luc Besson mezcla perfectamente las dosis de acción y thriller necesarios para mantener al espectador enganchado, presentando a una joven Anne Parillaud como protagonista, que combinaba inocencia con locura, además de lo bella que era, con un rostro característico de la mujer francesa, con aquel cabello negro, ojos celestes y piel blanca.

El comienzo de la película es tremendo, es uno de los mejores que he visto en mi puta vida, mostrándonos a los miembros de la pandilla de Nikita antes del asesinato a los policías, caminando de espalda, muy rudos y con vestimenta punk, destilando elegancia, rebeldía y anarquía. Logrando una fotografía de lujo.

Es cierto que la acción se fue a otro nivel cuando apareció Jean Reno con su inolvidable personaje del limpiador, ahora con nombre Víctor en vez de León. Aunque su aparición fue corta, fue el compañero perfecto para la bella asesina, porque sin su ayuda ella hubiera fallado en la misión. Sin dudas, fue una excelente idea del director.

Lo más destacable de la película es que nunca tratan de hacer ridículo el argumento y nos sorprende con un final crudo pero necesario. En verdad no había sentido seguir con aquella vida de mierda, si de todas maneras ibas a seguir siendo un esclavo del gobierno, no tenía escapatoria, no tenía futuro, no había lugar para finales felices.

Una joven llamada Nikita es la única sobreviviente de una pandilla que fue asesinada en un asalto a una farmacia. Ella es sentenciada a cadena perpetua por la muerte de tres policías. El gobierno le da una segunda oportunidad, elegir unirse a ellos como agente secreto y para eso iba a entrenarse con ellos en todo sentido y si no hacía eso, la muerte era la otra alternativa.

Mean Girls (2004)

Ninguna nominación al Oscar.

Mark S. Waters llevó el género de Comedia juvenil a otro nivel y es que sin duda Mean Girls es la mejor película dentro de ese género, superior a American Pie y 10 Things I Hate About You. En su estreno obtuvo excelentes críticas y un éxito en taquilla y al poco tiempo se ganó, con gran merecimiento, la etiqueta de culto.

El mérito del director es que no se enfrasca en los típicos personajes y situaciones, si no que le da un lado divertido y original a esta difícil etapa de la vida llamada adolescencia. La voz en off de la protagonista es genial, expresando el pensamiento de una chica normal. Vemos la metamorfosis que sufre esta, al estar rodeada de tanta mierda. La sátira cobra vida en cada dialogo de una manera asombrosa e impecable. Entre los miles de comentarios desatinados, me quedo con esta frase: “Esta chica es la peor perra puta que he conocido. No confíen en ella. Es una perra fea”. 

El elenco estuvo sólido, mostrándonos rostros relativamente nuevos que se comieron la pantalla: Lindsay Lohan dejaba de ser la chica Disney e interpretó a Cady y su transformación de una manera irreprochable; por otro lado, Rachel McAdams el mismo año que actuó en The Notebook, participó en esta locura, siendo la líder un grupo de chicas populares, definitivamente quedó en la historia del cine no por una película estúpida y patéticamente romántica si no por una comedia sin igual.

The Hateful Eight (2015)

1 Oscar: Mejor banda sonora original.

3 nominaciones.

Quentin Tarantino en más de una oportunidad ya ha demostrado que no es un director sobrevalorado y que es un genio en lo que hace. El que diga que su única obra maestra es Pulp Fiction es porque no ha visto Reservoir Dogs, Sin City o Grindhouse. 

The Hateful Eight es un tributo que se hace él mismo. Esa película tiene toda la esencia Tarantiniana: el humor negro lleno de groserías, capítulos que dividen la película y el infaltable gore.

Me llega al carajo si es una historia post guerra norteamericana, me llega al pincho si endiosan a Lincoln, todo es aceptable cuando se juntan los seres humanos más viles y con las situaciones más inusuales logran robarte muchas carcajadas y alegrarte el día. 

El reparto estuvo de lujo, pero el que se robó el puto show fue Samuel L. Jackson (Major Marquis Warren): la escena donde cuenta como humilló al hijo del general es inolvidable. Por otra parte, excelente trabajo de Kurt Russell (John Ruth),Jennifer Jason Leigh (Daisy Domergue) y Walton Goggins (Sheriff Chris Mannix).

Culto lector, si te preguntas si fue perfecta, si hubo algún error, algo malo o algo que no me gustó, diría sin pensar: el tiempo. Los 167 minutos fueran tan repudiables como el título, no culparía a todo aquel que abandonó o perdió las esperanzas al ver una hora completa de dialogo (que fue necesario para introducirte a los personajes, pero a veces menos es más, eso se vio muy bien reflejado).