jueves, 31 de diciembre de 2015

Leprechaun (1993)

Ninguna nominación al Oscar.

Mark Jones en el año 1993 comienza la saga Leprechaun, aquella que tuvo 6 entregas. Rápidamente Leprechaun se hizo de culto porque es considerada una de las peores películas de todos los tiempos y es que su humor absurdo no es apto para cualquier mortal, muchas personas no saben lo que significa el género Comedia de Terror. 

La gran sorpresa de la película fue presenciar a la bella Jennifer Aniston es que verla en películas de bajo presupuesto no es normal. No digo tampoco que es una gran actriz, ni la comparo con Ingrid Bergman, Audrey Hepburn o Shirley MacLaine, pero siempre nos tiene acostumbrados a verla en películas millonarias y comerciales de Hollywood, los típicos blockbuster. Sin duda fue una gran revelación.

Si quieres divertirte sin juzgar si tiene un buen argumento y estás interesado de qué trata este bodrio, culto lector, te daré una pequeña reseña, pero sin spoilers: Un tipo regresa de Irlanda con muchas monedas de oro, las cuales fueron robadas a un duende. Sin que él sepa, el duende viaja con él en su maleta y mata a su esposa. El sujeto furioso lo encierra en un baúl, gracias a un trébol de cuatro hojas, objeto capaz de contrarrestar los poderes del duende. Mucho tiempo después unos estúpidos muchachos llegarán a la casa donde estaba encerrado el duende, una vez que lo ven, vivirán el mismo infierno en el mundo real.

miércoles, 30 de diciembre de 2015

Knock Knock (2015)

Ninguna nominacion al Oscar.

Eli Roth quizá en su película más arriesgada logra transmitirnos terror de verdad, sin necesidad de mostrarnos como villanos a fantasmas, asesinos seriales, monstruos, alienígenas o demonios, no, va más allá, dos bellas chicas, aparentemente inocentes, fueron capaces de poner entre las espada y la pared a un buen hombre, buen padre y buen esposo y es que a cuando hay tentación y esta toca a tu puerta es imposible no pecar. 

Debo confesar que fue dificil ver al gran Keanu Reeves (Evan) en un papel de padre y es que es imposible no relacionarlo con personajes tan inolvidables como Neo de la brillante trilogía Matrix, el abogado Kevin de The Devil's Advocate, Jonathan Harker en Drácula de Bram Stoker y el frío seductor Scott en My Own Private Idaho. Keanu Reeves de a pocos logró convencer a los señores del jurado, ya no estaba en esos papeles de ganador, ahora era una victima más, alguien que por más que quería no podía escapar de sus culpas moralistas, las consecuencias de su infidelidad y de aquellas locas chicas que entraron a su casa. ¿Quién no podría caer ante la tentación, si es que estas se visten de inocentes corderos en busca de un refugio? Lorenza Izzo (Genesis) y Ana de Armas (Bel) estuvieron impecables, sus personajes fueron más convincentes que Ellen Page (Hayley Stark) en Hard Candy y es que ellas no eran una si no eran dos y no tenían 14 años si no 22 y 18. De a pocos lograron sumergir en el más irreproducible infierno jamás pensado a Evan, la tortura fue algo delicioso y genialmente cruel. 

¿Qué harías si dos hermosas chicas tocan a tu puerta en una noche lluviosa y estas piden ayuda?, ¿qué harías si estas en la plática más arrecha te seducen de todas las formas?, ¿qué harías si entras al baño y las encuentras desnudas pidiendo que las folles y luego te la maman? ¿qué harías si estas chicas en verdad lo tuvieron planeado todo y te amenazan de contarles a todos que te tiraste a una menor de edad?, ¿qué harías si te dicen que puedes ir a la cárcel por pedofilia?, ¿que harías si tu esposa se entera de todo y que estarás lejos de casa y tus seres queridos siendo violado a diario en la cárcel? Esto si es terror de verdad, señores y señoras.

martes, 29 de diciembre de 2015

El Topo (1970)


Ninguna nominación al Oscar.

Alejandro Jodorowsky otra vez es responsable de una obra maestra, única e incomparable, siendo el actor principal, director, guionista y responsable de la música de una película extravagante llamada El Topo. La película es una mezcla de western, religión y surrealismo. 

La película se divide en capítulos que simbolizan pasajes de la Biblia (Antiguo y nuevo testamento). Todos los capítulos tienen como protagonista a El Topo (Alejandro Jodorowsky), un hombre con habilidades especiales que sin querer emprende un camino a la iluminación. 

Cultos lectores, lo que voy a escribir es solo para aquellas personas que han visto la película y no han entendido ni un carajo. Si aun no la ves, abandona este post. 

El director al comienzo nos introduce a El Topo, un pistolero muy hábil y rápido que deambula en el desierto para enseñarle a su hijo a ser hombre. Maravillosa la escena en que le hace enterrar la fotografía de su mamá y un juguete suyo. En el camino se encuentra con tres malhechores que son vencidos fácilmente y en su creencia de hacer justicia con sus manos decide ir al lugar donde estaban los compañeros de los malhechores y su jefe: el coronel (David Silva). El estilo Western que empleó el director fue muy inusual, no solo se basó en batallas con pistolas si no nos reflejó la inhumanidad de las personas, como el más fuerte somete al más débil, los continuos abusos que suceden, vemos como los monjes son humillados, además del personaje de la mujer que es usada como objeto sexual. Luego de vencer al coronel abandona a su hijo tentado por el personaje de la mujer, que posteriormente se iba a llamar Mara. Al principio pensé que Mara simbolizaba a Eva, la tentación del hombre por conocer la sabiduría, pero no, Mara en verdad es la tentación que tuvo Buda en su camino a la iluminación. Mara le dice que lo va a querer si logra vencer a los cuatro maestros del desierto. Desde ese momento nos damos cuenta que la primera parte es una representación muy pastrula del antiguo testamento, en donde los cuatro maestros pistoleros simbolizaba a los cuatro profetas. El Topo al conocer al primer maestro descubre que no está preparado para derrotarlo, a lo que Mara le indica que lo único que importaba era ganar y lo incita a hacer trampa. Uno a uno los cuatro maestros son vencidos, a pesar que todos son más rápidos, más fuertes y más sabios que él. El primer maestro es vencido ya que cae en un hueco cabado por el Topo, el segundo es vencido ya que el Topo se dio cuenta que su madre le daba fuerza y a la vez era su punto débil, el tercero es vencido por instinto y suerte y el cuarto se suicida dando a entender que su cuerpo no vale nada, que para llegar a la iluminación debe olvidarse de las cosas materiales. Luego El Topo es traicionado por una misteriosa mujer que los acompañó en todo el viaje en su búsqueda de los cuatro maestros, esta falla en su intento de matarlo y se marcha con Mara. 

Muchos años después El topo despierta en una cueva, ve que el tiempo ha pasado en él y siente que ya no es el mismo. Los habitantes de ese lugar son unos seres deformes como consecuencia de los continuos incesto. Ellos lo salvaron de morir y lo llevaron a dicho lugar, gracias a la premonición de una misteriosa anciana que predijo que él iba a liberar a los deformes, así como Moisés llevó a su pueblo a la tierra prometida. El Topo es acompañado por una mujer enana. Deciden pedir limosna para comprar explosivos para así hacer un tunel. Al pasar de los días se preguntan así mismos si el liberarlos sería lo mejor, ya que ven un mundo contaminado, sumergido en la miseria humana: los más ricos oprimiendo a los más pobres, esclavizando a los de otras razas, diviertendose con espectáculos grotescos, huecos y violentos. También otro punto importante es la crítica que se hace la religión, vemos como una falsa religión domina el pueblo, vemos como la iglesia es convertida en un despreciable circo, vemos como se juega con la fe, así como lo hacen millones de charlatanes que engañan al pueblo solo para sacarles dinero y fanatizarlos hasta volverlos idiotas. Debo confesar que cuando vi las banderas del símbolo del ojo dentro de un triangulo, pensé que era una crítica a los iluminatis, pero hay que recordar que en el tiempo que se filmó esa película no se sabía nada sobre ese grupo secreto. Posteriormente aparece el personaje del sacerdote (Brontis Jodorowsky), un misterioso sujeto que al ver al Topo le declara la muerte, al final descubrimos que fue aquel niño que fue abandonado: su hijo. El último episodio se titula Apocalipsis, el cual muestra que el pueblo de deformes es liberado y son asesinados por las personas de poder, por ser diferentes. El Topo en un acto sorprendente logra caminar a pesar que el grupo de personas de poder lo disparan sin cesar, este agarra una escopeta y mata a todos. Luego se quema así mismo, representando que por fin abandona su cuerpo material y se inmola. Su hijo y la enana deforme que está embarazada del Topo son los únicos que sobreviven y abandonan dicho lugar. La película termina con un plano a la tumba del Topo que se ha convertido como especie de un panal que simboliza divinidad.

lunes, 28 de diciembre de 2015

Star Wars Episode 7: The Force Awakens (2015)

5 nominaciones al Oscar.

Cuando una secuela no se queda en un tributo y resurge la saga en una nueva trilogía, juntando a los personajes antiguos con los nuevos y te cuenta de a pocos qué siguió luego de aquella victoria por parte del inseparable trío del movimiento rebelde: Luke Skywalker (Mark Hamill), Han Solo (Harrison Ford) y la Princesa Leia (Carrie Fisher), es imposible no perder la fe en el cine. Y es que ver de nuevo a aquellas leyendas ya ancianos, dando paso a la nueva generación fue un total acierto, estoy seguro que si hubieran hecho una trilogía aparte hubiese sido el peor bodrio jamás visto.

Fue imposible no encariñarse con BB8, aquel droid con forma de pelota y que tenía una huevada arriba como cabeza. Seguro los amantes de R2D2 me odiarán pero tengo que decirlo: “BB8 es más chévere que R2D2, ¿por qué?, desde el inicio se robó el show, no fue necesario juntarlo con otro droid –así como lo hizo R2D2 con C3PO- y a decir verdad, es más carismático que R2D2, un robot sobrevalorado y que físicamente es una copia de Robbie el robot de Forbbiden Planet.

Por otro lado, fue un placer ver a Oscar Isaac (Poe) y descubrir nuevos talentos como Daisy Ridley (Rey) y John Boyega (Finn), actores que depende de ellos mismos para ser recordados en la historia del cine, como los personajes que interpretan. Lo que me pareció absurdo fue Kylo (Adam Driver), ¿Cómo el hijo de Han Solo y Leia, va a salir con esos rasgos físicos? Es ridículo, sin mencionar que fue el personaje con menos gracia del film, a veces extraño a Darth Vader.

domingo, 27 de diciembre de 2015

Ed Wood (1994)

2 nominaciones.
2 Oscars: Mejor actor secundario (Martin Landau) y Mejor Maquillaje. 

He visto muchas películas representativas del Cine Burton como Vincent, Batman, Edward Scissorhands y Mars Attacks!, pero ninguna de estas se puede comparar a Ed Wood y es que con esta película, el buen Tim Burton se superó, hizo una obra maestra, notable, impecable e irreprochable. 

Los 124 minutos que dura la película son un conjunto de deliciosas escenas llenas de comedía negra, un conjunto de momentos necesarios para conocer la vida del peor director de cine de la historia y tres de sus películas más emblemáticas: Glen or Glenda, Bride of the Monster y la inolvidable Plan 9 from Outer Space.

Conocimos a Ed Wood antes de filmar su primera película, conocimos sus buenas intenciones de hacer buen cine, conocimos sus extraños gustos de travestismo, conocimos su buena suerte de conocer por cosas del destino a personas como Béla Lugosi, Orson Welles y Vampira, conocimos su perseverancia y su arduo trabajo y seguimos cada uno de sus fracasos que después de todo se convirtieron en películas de culto.

En cuanto al elenco, grandes actores interpretaron a las personalidades más bizarras que se pueda recordar en la historia del cine: Johnny Depp estuvo inmejorable interpretando a Ed Wood; por otro lado grandes estrellas como Martin Landau (Bela Lugosi), Patricia Arquette (Kathy O'Hara), Bill Murray (Bunny Breckinridge), Sarah Jessica Parker (Dolores Fuller) y Lisa Marie (Vampira) tomaron parte del film y complementaron a la perfección la idea.

sábado, 26 de diciembre de 2015

The Bad and the Beautiful (1952)

5 Oscars: Mejor actriz secundaria (Gloria Grahame), Mejor guión, Mejor guión, Mejor fotografía, Mejor vestuario y Mejor dirección artística (Blanco y negro).

Vicent Minelli nos presenta un potente melodrama, único en su estilo, delicioso y con un ritmo perfecto en donde las emociones explosionarán como la cascada de un río y veremos que el malo no lo es tanto, después de todo.

Cada personaje es tan importante como el otro, es la pieza necesaria para lo impecable, para lo notable, para una obra maestra. El trío del director, de la actriz y del guionista es fundamental para la película, tanto como el productor. Cada personaje de la película cuenta su historia, cuenta como conoció a Jonathan Shields, cuenta como era lo miserable de su vida en ese momento y antes de eso y como cambió luego de ese acontecimiento. Lo que todos concuerdan, aunque lo odien, es que sus vidas cambiaron para bien de algún modo, alcanzaron el éxito y todo se lo debían de algún modo por él, aunque sus vidas hayan sido marcadas por el odio, el rencor y el desprecio.

Kirk Douglas, como siempre, derrocha maestría en su performance. En esta película protagoniza a Jonathan Shields, un inescrupuloso sujeto que es hijo de una gran estrella del cine. En el paso del tiempo conoce a aquel trío que lo llevará a la fama y a su desgracia. 

Primero conoce a Harry Pebbel (Walter Pidgeon), un mediocre asistente de director, que sueña con la fama y el reconocimiento. Trabajan duro y consiguen crecer en el rubro hasta que Harry es traicionado por Jonathan y su idea es robada y él pasa a un segundo plano, pasa de ser el director de la película a asistente de productor, orgulloso rechaza esto y da un paso al costado para bien, logrando dos premios Oscar. Luego conoce a Georgia Lorrison (Lana Turner), hija de una estrella de cine, mediocre, que odia a su padre, pero dentro de ella, lo idolatra, comparte sus vicios: es alcohólica, es una mujerzuela y es actriz, aunque en ese tiempo era una extra de extra. Jonathan la escoge en un casting y apuesta por ella, al poco tiempo está madura como actriz y logra ser famosa. Su peor error fue enamorarse de él y la traición es su único destino. Al igual que el director, da un paso al costado y desde ese momento se mantiene en la cima de la fama. Por último, conoce a James Lee (Dick Powell), un novato escritor de novelas que logró hacer un best seller en siete años, todo por su esposa, que después de todo era un estorbo para su concentración. Al conocerse, James no oculta su odio hacia él, pero después siente admiración por su compromiso y su modo de trabajar y porque después de todo, Jonathan era un genio. Jonathan planeó que un actor tenga un romance con la esposa de James para que este no sea interrumpido y logre acabar una obra maestra. Lo que no supo era que la muerte de la pareja infiel estaba escrita en el futuro. James al enterarse de todo, deja de trabajar con él y luego gana un premio literario por haber escrito sobre su esposa.

viernes, 25 de diciembre de 2015

Paper Towns (2015)

Ninguna nominacion al Oscar.

Jake Schreier después de su modesto debut con Robot and Frank, dirige Paper Towns, una película aparentemente con el mismo argumento repetido hasta el cansancio y los personajes más estereotipados del mundo, pero que a la larga te demuestra que es diferente y hasta sirve para reflexionar.

Niño conoce nueva vecina que se muda a su vecindario, se enamora, crecen y dejan de ser amigos, él es un don nadie en su colegio, mientras ella es la más popular, hey, eso no es nada nuevo, ¿qué tiene de interesante la película aparte del extraño y conquistador rostro de Cara Delevingne (Margo)? En realidad, el trasfondo de la película.

Muchas veces nos encerramos en nuestros prejuicios y pensamos que lo que es diferente a nosotros y nuestros ideales es estúpido o incorrecto. Muchas veces nos sentimos cómodos en nuestras vidas y tenemos miedo al cambio, evitamos todo lo diferente. Muchas veces le damos un significado a una persona, vemos otra persona, construimos nuestros ideales en esa persona que a la final resulta ser diferente a lo que creíamos y a lo que se decía de esta. Bueno, toda la mierda ya dicha le pasó a Quentin (Nat Wolff).

La persona más romántica (en el verdadero sentido de la palabra) dirá que fue un idiota porque rechazó la oferta de Margo, de no quedarse a su lado y cambiar su miserable vida. No lo culpo de enamorarse de Cara, o sea, es Cara pues, no jodan, pero dejar a tus amigos por una flaca que no sabes si te dará bola o no, por alguien que no sabe lo que quiere y que le importa una mierda los demás, son huevadas. Al final, se dio cuenta que ella era totalmente diferente a lo que creía, de lo que quería, de lo que soñaba.

El reparto de la película fue bueno. Los protagonistas estuvieron soberbios: Cara con su inconfundible rostro y Nat con el performace que realizó. Austin Abrams (Ben), Justice Smith (Radar), Halston Sage (Lacey) y Jaz Sinclair (Angela) fueron los perfectos acompañantes de ese road movie tan inexplicable y divertido

jueves, 24 de diciembre de 2015

The Night Porter (1974)


Ninguna nominación al Oscar.

Liliana Cavani es la única culpable de tremenda obra maestra, ya que fue la directora y guionista de la película. Nos presenta una historia de romance muy atípica y en algunas escenas se podría decir bizarra. Su gran mérito es trasladarnos a la Europa de los años 50 y hacernos cómplices de una relación extraña y enfermiza, donde lo incorrecto no importa, solo los sentimientos de los protagonistas. Es cierto que la situación política del nazismo, los abusos cometidos y la segunda guerra mundial en sí, pasan a un segundo plano.

Los personajes son dignos de una historia tan quemada: Lucia, (interpretada magistralmente por Charlotte Rampling, fue imposible no enamorarse de sus ojos cristalinos y su rostro tan fino) una judía que se enamora de la persona que lo torturaba, un oficial nazi llamado Max (Dirk Bogarde nunca desentona y con sus cachetadones y sus metidas de dedo logra envolver al público en unas de las escenas más eróticas del cine). Sería injusto no mencionar a los compañeros de Max, los oficiales nazis jamás pensados: el radical Klaus (Philippe Leroy) y el artista Bert (Amedeo Amodio quizá en el mejor papel de su puta vida se queda inmortalizado con aquella escena en que baila para Max y a su vez baila para los demás oficiales nazis, sin importar la miseria de los judíos). Por último, mencionar al enigmático personaje Condesa Stein (Isa Miranda).

miércoles, 23 de diciembre de 2015

The Kid (1921)

No existían los premios Oscar en esas épocas.

Charles Chaplin con esta obra maestra es capaz de tocar el alma de los espectadores y llenarle de emociones, hasta al más indiferente y frío ser. No es un relato netamente humorístico si no también tiene escenas conmovedoras y de ensueño.

La película aborda temas como la pobreza, el pánico de las madres jóvenes (que al saber que no le pueden ofrecer un futuro digno a sus hijos, los abandonan o los quieren abortar), los buenos sentimientos y el perdón, todo proyectado en cine mudo y con fotografía a blanco y negro. 

Un vagabundo (Charles Chaplin) encuentra un niño con una carta que decía: "Quiere y cuida a este niño huérfano". Al darse cuenta, decide criarlo. Cinco años después, por casualidades de la vida, la madre (Edna Purviance) regresa al lugar y sin querer conoce al niño. Vemos que la madre ya no es una chica pobre, ahora es una actriz famosa y distinguida. Luego de algunos sucesos cómicos, ella se entera que ese niño es su hijo y decide recuperar el tiempo perdido.

martes, 22 de diciembre de 2015

Paths of Glory (1957)

Ninguna nominación al Oscar.

Stanley Kubrick con esta obra maestra se hizo conocido. Se basó en la novela homónima de Humphrey Cobb y dirigió la película de una manera inmejorable. Marcó un hito en las películas bélicas. Y es que su modo de contar la historia de la primera Guerra Mundial de una manera tan convincente, nos mostró los sentimientos y emociones de los soldados y oficiales, desnudando el alma de aquellos seres de traje verde y armamentos. 

La historia nos traslada a la Francia del año 1916, en plena guerra contra Alemania. El General Paul Mireau (George Macready) es convencido de atacar a la zona "el hormiguero", donde estaba el ejercito alemán. A pesar de saber que iban a morir millones de sus soldados, aceptó el reto por honor, por el estúpido honor y prestigio. Era algo casi imposible de alcanzar, pero estaba más que claro que la vida de los seres humanos, de sus propios compatriotas, le interesaba un carajo. El Coronel Dax (Kirk Douglas, de sobresaliente actuación) es puesto a cargo del ejercito, por ordenes del general Mireau. En plena guerra este intenta avanzar pero ve que su ejercito es diezmado y que los pocos sobrevivientes empiezan la retirada. Al saber esto, el general Mireau decide mandar a matar a sus hombres, a lo que los oficiales de más bajo mando deciden no obedecer debido a la responsabilidad que significaba. El general Mireau no contento con esto decide mandar a juicio a tres soldados por presunta cobardía. La escena del fusilamiento fue terrible, horrorosamente perfecta, desde la pantalla se podía sentir el miedo a la muerte que sentían los tres soldados. La escena se asemejaba a la crucifixión de Cristo junto a los dos criminales que rogaban por sus vidas, igual que ellos los soldados no tuvieron motivo alguno para ser asesinados, ¿cobardía? ¿que podían hacer dos hombres contra todo un ejercito? ¿Tomarlo como ejemplo para que los demás soldados se lo tomen en serio... y las vidas de seres humanos inocentes acaso no vale nada? Millones de interrogantes nacen de esta escena. El final es estupendo, maravilloso, una delicia: los soldados francés bebiendo alcohol en un bar, tratándose de olvidar del infierno que están pasando, ven a una alemana rehén (Christiane Kubrick) que es obligada a cantar, esta canta en su idioma y ellos se dejan cautivar con su maravillosa voz y al no saber el idioma solo se limitan a tararear, demostrando que el arte sobrepasa las fronteras, demostrando que esos minutos fueron sagrados y necesarios para sentirse humanos de nuevo, no máquinas para matar y morir.

lunes, 21 de diciembre de 2015

La montaña sagrada (1973)

Ninguna nominación al Oscar.

Sé que existen películas pretenciosas y arriesgadas, luego existe "La Montaña Sagrada". Alejandro Jodorowsky fue el responsable de tamaña obra maestra sin igual, siendo el director, guionista, responsable de la música y el actor principal. 

Jodorowsky nos sumerge en un conjunto de escenas impactantes y símbolismos que tienen millones de interpretaciones o quizá ninguna. La película trata acerca de nueve personas que quieren ser dioses y por ende, tener la vida eterna. En el camino hacía su objetivo son dirigidos por un alquimista (Alejandro Jodorowsky) hacia la Montaña secreta, en donde habitan dioses que antes fueron humanos como ellos, ya en la cima lograrán la ansiada inmortalidad. 

Para Jodorowsky el humano es mierda. En una escena la mierda es transformada en oro como si el caos y la desgracia fueran transformado en dinero y poder (el alquimista cuando vio al ladrón dijo: "Tu eres mierda. Puedes cambiarte a ti mismo en oro"). El ser humano solo busca cosas materiales. 

También ataca la religión: primero nos muestra a ranas y camaleones vestidos de conquistadores españoles y de indígenas, entre los conquistadores están los sacerdotes que vienen a otras tierras a "cristianizar" y matar al que se oponga, tal fue como la conquista española a todo América, que vinieron a robar el oro y a destruir y matar. Como si fuera un circo repugnante, la maqueta donde estaban dicho animales es explosionada con bombas. Luego prostitutas dentro de una iglesia rezando y luego ofreciéndose al mejor postor en plena puerta, simbolizando la hipocresía de muchos "religiosos". Entre las prostitutas vemos a una niña que habla con un viejo y este le besa la mano y le entrega su ojo, podemos ver que el viejo simboliza a sacerdotes de la iglesia católica, los cuales muchos de ellos han sido expuestos como pedófilos. 

Las nueve personas que quieren la inmortalidad son aquellos que controlan el mundo conformados por poderosos industriales y políticos.- Venus: Empresario en el rubro de la comodidad y belleza humana (Fabricando maquillajes y responsable de cirugias estéticas, productos superfluos que engañan al ser humano), Marte: Empresaria de productos de guerra (repugnante que existan armas y venenos que atenten contra el ser humano, cosas perjudiciales hechos por el mismo ser humano), Júpiter: Dueño de famosos lugares de muestra de Arte (Vemos el arte más grotesco como máquinas de placer y una crítica al arte más refinado, donde podemos apreciar que un garabato es arte, esto hecho claro con el trasero de algunos hombres), Saturno: Empresaria de productos infantiles entre muñecos y cómics (productos que lavan el cerebro de los niños y los preparan mentalmente para futuras guerras, creando odio hacia otros países y culturas y un falso patriotismo), Urano: Consejero financiero del presidente (podemos suponer que es consejero del presidente de Estados Unidos, el país que controla el mundo), Neptuno: jefe de la policía, Plutón (Arquitecto) y el personaje del ladrón (que comienza robando en búsqueda de cosas materiales pero luego busca respuestas espirituales). Las nueve personas se sientan en una mesa circular y cada uno se presenta, en sus palabras podemos apreciar el lado negativo de cada uno de ellos y para llegar a la iluminación deben despojarse de estos. 

El final es sumamente inesperado y abierto. El alquimista le dice al personaje del ladrón que termine su búsqueda de la iluminación, que regrese al mundo terrenal, que forme familia y que siga con su vida mundana. Cuando llegan a la cima de la montaña sagrada, el alquimista les dice a los demás: "Si no hemos encontrado la inmortalidad, al menos hemos encontrado la realidad" y en la siguiente escena se ve que hay mucha gente alrededor y que es una película en realidad. Nos hace entender que dejemos de ver cosas sin sentido y que vivamos nuestras vidas, la realidad. ¿Pero lo que percibimos es la realidad o es una ilusión?

domingo, 20 de diciembre de 2015

The Matrix (1999)

4 Oscars: Mejor montaje, Mejor sonido, Mejores efectos visuales y Mejores efectos sonoros.

Película de culto. Dicen que dos cabezas funcionan mejor y definitivamente tienen razón. LosHermanos Wachowski (Andy Wachowski y Lana Wachowski) escribieron el guión y dirigieron la película. Desde su estreno ya fue considerada como obra maestra. 

Matrix aborda diversos temas filosóficos como: ¿El mundo donde vivimos es la realidad o estamos viviendo en una ilusión, en un sueño que nos tiene esclavizados, con reglas que nos atan? El film nos muestra un futuro 2069 donde las máquinas y diversos tipos de inteligencia artificial se han rebelado contra el hombre y los ha esclavizado, haciéndolos vivir en un sueño, una supuesta realidad con el fin de absorber la energía humana. Neo (Keanu Reeves) será el elegido para liberar a los seres humanos y demostrar que nada es imposible. 

Las escenas de acción tan rápidas y con un adecuado uso de efectos visuales y sonoros revolucionaron el cine. Las actuaciones de Keanu Reeves, Carrie-Anne Moss (Trinity: la heroina más sexy de los últimos 20 años) y Laurence Fishburne(el gran Morfeo y maestro del elegido) estuvieron soberbias. La banda sonora estuvo al nivel requerido, en especial el inolvidable track titulado Clubbed To Death.

sábado, 19 de diciembre de 2015

Casablanca (1942)

8 nominaciones.
3 Oscars: Mejor película, Mejor director (Michael Curtiz) y Mejor guión.

“Siempre tendremos París”, es la frase más representativa de Casablanca y una de las más inolvidables si hablamos del cine en blanco y negro. A diferencia de otras películas que tratan sobre la Segunda Guerra Mundial y tocan temas de patriotismo, cobardía, injusticia, temor y odio, esta película es especial ya que nos sumerge en el romance más sincero e incondicional, cada palabra escupida por Humphrey Bogart (Rick Blaine) e Ingrid Bergman (Ilsa Lund) es poesía pura, cada frase que emanaban era una cita para el recuerdo: “El mundo se derrumba y nosotros nos enamoramos”. 

El elenco estuvo bárbaro, juntando a una dupla inigualable: Bogart e Ingrid Bergman; por otra parte, sería mezquino no mencionar a Paul Henreid (Victor Laszlo) y Claude Rains (Captain Louis Renault) que hicieron posible redondear la idea. Es cierto que esta vez Ingrid Bergman sobreactuó demasiado, pero bueno, después de todo creo que fue necesario, a ella se le perdona todo. 

El personaje Rick es el mejor galán que se haya visto en la historia del cine: un tipo atractivo, dueño de un próspero negocio, amigo de las autoridades y un seductor nato. Dicen que no todo lo que brilla es oro, a pesar de todo lo ya mencionado tiene una gran debilidad: Ilsa Lund, una chica que conoció en París y se convirtió en su motivo de vida y posteriormente en esa coraza que odia el mundo, que lo hizo frío y egoísta. Me despido con esta frase: "Si tuviese tiempo de pensar en ti, posiblemente te despreciaría”.

viernes, 18 de diciembre de 2015

Run Lola Run (1998)

Ninguna nominación al Oscar.

Es fresca y original, tanto en sus tomas (al principio me hizo recordar las escenas rápidas de Requiem for a Dream y Spun) como el tema de plantearte qué pasaría si realizarías una acción específica (en ese aspecto me hizo recordar Mr. Nobody), de todas maneras, cualquier cosa cambiará tu destino y el de los demás, ya sea para bien o para mal (La parte del "Then", muy cómico). 

Mención aparte la gran actuación de Franka Potente que encarna a Lola, una chica que tiene el cabello magenta, que recibe la llamada de su novio y decide salvarlo ¿Por qué el nombre? Está demás decirlo: toda la puta película se la pasó corriendo. Otró que brilló fue Tom Tykwer, estuvo genial en la dirección. 

Creo que lo mejor fue la banda sonora, cargado de un rico techno que le daba vida y color a las locas escenas del film. Pocas veces una banda sonora toma tanta importancia en una película, este es un claro ejemplo.

jueves, 17 de diciembre de 2015

Les Quatre cents coups (1959)

1 nominación al Oscar.

Les Quatre cents coups es el primer largometraje de François Truffaut –anterior a esa película, solo había dirigido dos cortometrajes-. Reconocidos directores quedaron maravillados al verla, en especial Luis Buñuel. 

La película se llama “los 400 golpes” en referencia a la expresión “hacer todas las tonterías posibles”, aunque algunos entienden que se hace referencia a los innumerables golpes que le dio la vida al pequeño personaje.

El guión se centra en un niño llamado Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) que vive con sus padres y estos no le brindan la atención debida, no se ve afecto entre ellos en ninguna parte del film. Antoine es un chico que siempre es castigado por sus profesores de la escuela. Tiene un amigo que lo incentiva a hacer cosas indebidas: robar, faltar al colegio, escaparse de su casa. Nada justifica su comportamiento. Vemos que aunque sus padres no le brindaban la atención debida, siempre tuvieron paciencia y creyeron en que el muchacho iba a cambiar. Claro que todo tiene un límite y su traslado, por petición expresa de sus padres, a un centro de delincuentes juveniles era un hecho: el muchacho era una lacra de la sociedad. Muchos espectadores se quejan de la severidad que se le tuvo al personaje, no se explican como podían juzgar a un niño al igual que a un adulto, eso me hace pensar en la situación actual de mi país, menores de edad asesinan y no pasa nada, ¿por qué?, por el simple hecho de no ser adultos. Las leyes tan blandas propician de alguna u otra manera a esto. Desde el momento en que atentan contra los derechos de otras personas, estos niños no pueden ser juzgados como tales, tienen que pagar con lo que han hecho. Me pareció interesante cuando el protagonista estaba ya con los demás delincuentes juveniles, en vez de regenerarse, el muchacho se podría más.

Dato curioso: la escena final en que se aprecía al protagonista corriendo hasta llegar a la playa, está inspirado en Rashōmon de Akira Kurosawa, película que marcó a François Truffaut.

miércoles, 16 de diciembre de 2015

Terminator 2 (1991)

6 nominaciones
4 Oscars: Mejor sonido, Mejores efectos de sonido, Mejores efectos visuales y Mejor maquillaje.

Clásico del cine de ciencia ficción. Es una de esas películas que las puedes ver mil veces y nunca te podrás aburrir y hasta te memorizarás algunos diálogos. James Cameron rompe la excepción y logra hacer un remake mejor que la película base. 

El guión es soberbio y nos presenta a uno de los mejores villanos de la historia del cine: T-1000 -protagonizado de una manera soberbia por Robert Patrick-, un robot del futuro que tiene como objetivo matar a un niño llamado John Connor (Edward Furlong). En la misma época llega el gran Terminator (Arnold Schwarzenegger) para salvar a John, en el transcurso de la película le comenta que él es la salvación del mundo y aparte de protegerlo, tiene que evitar que un científico de una empresa informática cree el arma que causará la destrucción de la humanidad. 

Las escenas de la pelea entre ambos robots fueron impecables, que tal bastardo el T-1000 que le disparaban hasta con basuca, se reconstruía y seguía luchando. Por otra parte, el personaje de Linda Hamilton (Sarah Connor) es muy simpático y le da color a la película. Y como dijo el gran Terminator: "Hasta la vista, baby".

martes, 15 de diciembre de 2015

Out of the Past (1947)


Ninguna nominación al Oscar.

Han pasado casi cincuenta años desde que se estrenó Out of the Past y la película sigue vigente, podrán pasar mil años y nunca será olvidada. Hablar de aquella obra maestra son palabras mayores. Si me preguntan qué es Cine Negro, rápidamente diría: “Out of the Past” y es que no hay mejor definición que aquella maravilla. Esa película reúne todo lo que significa ese género: una sociedad podrida, una fotografía a blanco y negro resaltando los tonos y sobre todo un héroe que se va a la mierda al conocer a una fatal female. Punto y aparte son todos los diálogos que salen de la boca de los protagonistas, cada piropo, cada palabra punzocortante, cada mentira, cada verso escupido que suena como melodía en los oídos del espectador y se queda grabado para siempre en nuestras memorias. 

Bueno, es hora de mencionar lo mejor de los diálogos. El mejor pensamiento (voz en off): “Yo nunca la vi en el día. Parecíamos vivir de noche. Lo que quedaba del día se iba como un paquete de cigarrillo que fumas. No sabía dónde vivía. Nunca la seguí. Solo tenía que ir a un lugar a la hora para volverla a ver. No sabía qué estábamos esperando. Tal vez pensábamos que el mundo se acabaría”. La frase inolvidable: “Solo nos merecemos a nosotros. Estamos hechos el uno para el otro”. La conversación más desesperada: “Oh Jeff, no quiero morir”, “Yo tampoco nena, pero si lo tengo que hacer, seré el último en morir”. Y para cerrar: “¿No sientes lástima por mí?”, “No voy a tratar”, “Jeff”, “Vete, tengo que dormir en esta habitación”.

Luego de Cat People y I Walked with a Zombie, Jacques Tourneur dirige esta genialidad y se consagra en el cine, especialmente en el Cine Negro. Por otro lado, el elenco estuvo irreprochable: Robert Mitchum (Jeff) y Jane Greer (Kathie) fue la mejor pareja que he visto en mi puta vida dentro de ese género, Mitchum desplegaba elegancia y sus palabras eran como dardos capaces de traspasar el muro más inquebrantable, por su parte, Greer emanó belleza y veneno, nunca había visto un personaje femenino tan perverso, tan frío, tan calculador, tan Kathie, que ella. Mención honrosa a Kirk Douglas (Whit), Rhonda Fleming (Meta Carson) y Richard Webb (Jim).

Jeff, un respetado detective, es contratado por un inescrupuloso sujeto llamado Whit. Su misión consistía en traer de vuelta a su esposa, una hermosa mujer llamada Kathie, aquella persona que quiso matarlo de un balazo y se robó cuarenta mil dólares. Al conocerla descubre por qué a pesar de todo lo que le hizo a su esposo, este quiere regresar con ella. Sin querer se mete en una serie de problemas que lo perseguirán hasta el día de su muerte.

lunes, 14 de diciembre de 2015

EXistenZ (1999)

Ninguna nominación al Oscar. 

¿Qué carajos acabo de ver? Concha su madre, han violado mi cerebro. David Cronenberg como siempre escribiendo y dirigiendo películas sumamente diferentes con un guión quemadazo y escenas repugnantes.

El tema principal es la realidad virtual. El director tiene una premisa muy original e interesante, nos traslada a un futuro no muy lejano en donde los video juegos son de realidad virtual, los cuales se juegan con consolas orgánicas (vainas) y se conectan al cuerpo a través de un extraño cordón umbilical. El objetivo es que no hay objetivo, al jugar deberás descubrir cual es tu misión. El final es pastrulazo, no sabes si en realidad seguían jugando o esa era la realidad. Vemos ahí un concepto filosófico: ¿en realidad lo que percibimos como real es la realidad en si? Otro punto interesante es como nos muestran a personas que escapan de la realidad a través de los juegos. 

Las actuaciones de Jennifer Jason Leigh (Allegra) y Jude Law (Ted Pikul) estuvieron muy buenas. Por otro lado, es necesario mencionar a Willem Dafoe (Gas) que fue parte del reparto, su papel fue corto pero importante. 

Hay muchas personas que dicen que Christopher Nolan se copió de esta película para hacer Inception pero yo soy de los otros que opinan que Inception es más influenciado por Paprika. De todas maneras este film es imprescindible.

domingo, 13 de diciembre de 2015

Faster, Pussycat! Kill! Kill! (1965)

Ninguna nominación al Oscar.

Otra pastrulada del sr. Russ Meyer. El tema principal de este film es la violencia, pero la violencia femenina. Nos cuenta la historia de tres bailarinas de gogó que les gusta causar problemas, son malas y codiciosas, no les interesa matar para conseguir su objetivo. 

El buen Russ Meyer aunque deja las escenas de desnudos explícitos, sigue con el erotismo en esta película. Las tres protagonistas son bombas sexies, especialmente la malvada Varla (Tura Satana) y su llamativo escote. Las otras dos no se quedan atrás: Rosie (Haji) es el brazo derecho de Varla, fiel y Billie (Lori Williams) es provocativa pero sin maldad.

El guión no fue nada del otro mundo, pero los diálogos cargados de humor negro, lograron que la película sea entretenida. Además, claro, de los cuerpazos de las intrépidas forajidas, un deleite para la vista del espectador. Una de las películas más representativas de la Serie B, sin lugar a dudas.

sábado, 12 de diciembre de 2015

Creepshow (1982)


Ninguna nominación al Oscar.

Juntar a Stephen King (escritor) y a George A. Romero (director) para crear una película de terror fue un gran acierto por parte de la prestigiosa productora Warner Bros. Pictures.

La película está dividida en cinco capítulos (Father's Day, The Lonesome Death of Jordy Verrill, Something to Tide You Over, The Crate y They're Creeping Up on You!) llenos de zombies y monstruos, contados con humor negro del bueno.

Los capítulos nacen de una historia central la cual nos muestra a un padre que cansado de ver a su hijo leyendo cómics de terror, arroja el libro por la ventana. A los minutos aparece un fantasma (muy parecido al famoso Guardián de la Cripta); a partir de ahí, comienzan los cinco episodios. Como podemos apreciar es un digno tributo a los cómics de terror antiguos, como por ejemplo: Tales from the Crypt (comics), The Haunt of Fear y The Vault of Horror.

viernes, 11 de diciembre de 2015

Yo, Christiane F. (1981)

Ninguna nominación al Oscar.

Herman Weigel basándose en la novela homónima escrita por los periodistas Kai Hermann y Horst Rieck, logra escribir el guión de Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo. Considerada para muchos la película más realista sobre drogas y es que la crudeza que utiliza Uli Edel es brutal.

El director nos sumerge en un mundo oscuro y sin esperanza, el cual se derrumba una vez que consumes heroína. Inolvidable la escena en que la protagonista le pide a sus amigos que le den heroína y estos a pesar que son adictos no quieren que ella consuma y ella les dice que solo lo hará una vez, solo para probar, ellos se miran y dicen: "Eso dicen todos".

Ninguna película ha tocado el tema de la adicción tan cruda como esta. La simpleza de sus tomas han marcado la historia del cine y nos ha demostrado que no todo son efectos sonoros y visuales. La escena en que Detlev (Thomas Haustein) aparece en el cuarto de Christiane (Natja Brunckhorst) y se encierran para "limpiarse" es traumatica. Ni Trainspotting ha podido superar esta escena. Aquellos vomitos y constantes sudoraciones son imposibles de olvidar.

Por otro lado, esta película nos demuestra que una vez que entras al mundo de las drogas y te enganchas, mayormente es imposible salir de él, así creas que te has limpiado por no consumir un par de días, al poco tiempo consumirás una droga menor hasta volver al premio mayor: heroína.

A pesar de todo lo ya dicho, la película logró ser un éxito en la taquilla alemana. Todos los alemanes de esa época querían ver y sentir la historia de Christiane, una chica de catorce años, proveniente de una familia disfuncional, que por seguir a un chico que conoce en sus salidas secretas a una discoteca de menores de edad se hunde en un pantano lleno de mierda, donde la adicción a las drogas lo era todo. Una gran crítica a la sociedad europea.

jueves, 10 de diciembre de 2015

Relatos salvajes (2014)

1 nominación al Oscar. 

El modo en que Damián Szifrón nos hace participes de cada escena es increíble. Mezcla perfectamente la comedia (el humor negro del bueno) y el terror (la fatalidad de las consecuencias). La película aborda temas desde sentimentales (odio, venganza, justicia, celos y despecho) hasta aspectos del sistema (corrupción y burocracia). 

La película está dividida en seis episodios donde los personajes cruzan el límite de la razón y pierden el control, retratando brillantemente la miseria humana.

Pasternak: Aunque fue la de menor duración, el tiempo fue preciso para contarnos una historia con hartos momentos cómicos y con un final aterrador, cual sacado de los mejores capítulos de Tales from the crypt. Al final descubrimos que nada fue "coincidencia" si no que fue un malévolo y enfermizo plan.

Las ratas: El destino cual castigo divino hace que un empresario llegue a un restaurante en donde trabajaba una conocida suya, aunque él no la recordó. Ella le confiesa a la cocinera que ese tipo embargó su casa, ocasionando que su papá se suicide y encima quiso acostarse con su mamá. Desde ese momento no había lugar para nada más que no sea la venganza. 

El más fuerte: Una disputa tremenda entre dos conductores de auto, cargada de odio y venganza. Increíble que algo tan insignificante como un mal entendido provoque las peores consecuencias. Sangriento y apoteósico final.

Bombita: Capítulo cague de risa que nos cuenta la historia de un ingeniero que es un resentido del sistema, cree que todos sus males son originados por la burocracia, las leyes, el gobierno o alguna autoridad competente. Final de ensueño para el protagonista, claro, solo un loco imagina que pudo hacer justicia de esa manera. 

La propuesta: El relato más vil, lleno de corrupción y ambición. Nos damos cuenta que en el peor momento salen buitres que burlan las leyes y lo correcto, solo por obtener su propio beneficio, haciendo que la "ética" solo sea un sustantivo, una palabra vacía, inexistente en la vida real. El final sumamente inesperado y abierto, trágico y sorprenderte.

Hasta que la muerte nos separe: Una boda que al comienzo parecía típica y aburrida se torna en lo más humillante y despreciable sacado de la peor pesadilla. La infidelidad, los celos, el despecho y el odio ocasionan las peores decisiones. De lejos, la peor boda en la historia del cine, la escena en que el novio llora con su madre y la novia le pide al camarógrafo que grabe esa escena lanzando los comentarios más hirientes que se le pudo ocurrir, fue demoledor. Y el final: "Hay algo que debemos hacer urgentemente, follar", totalmente inesperado y desconcertante.

miércoles, 9 de diciembre de 2015

El día de la Bestia (1995)

Ninguna nominación al Oscar.

El día de la Bestia es una de las películas más pastrulas que he visto en mi puta vida. La perfecta mezcla de Comedia con Terror satánico es fabulosa. La película tiene un ritmo bárbaro que nunca decae. Estos locos personajes te llevarán a una montaña rusa de emociones: de estar cagándote de risa, rápidamente podrás sumergirte en el terror en estado puro.

Álex de la Iglesia luego de escribir y dirigir esta obra maestra, podrá morir y así pasen más de mil años, su nombre seguirá vigente en la mente de los cinéfilos y la historia del arte en general. Eso sí, sería injusto no mencionar a este trío de drogadictos de cagada: Álex Angulo (Cura), Armando De Razza (Cavan) y Santiago Segura (José María). Sin estos dementes no hubiera sido posible redondear la idea.

Un cura luego de dedicarle toda su vida a estudiar el Apocalipsis, cree que por fin ha descifrado el nacimiento del anticristo: 25 de diciembre del 1995. Sabe que va a nacer en Madrid, pero no el lugar exacto. En su búsqueda conoce a dos extravagantes personajes: primero conoce a José María, un amante del metal satánico, y luego conoce a Cavan, un presentador de programa de tv sobrenatural. Al ver que suceden cosas sumamente extrañas se convencen que el cura dice la verdad y estos tres locos personajes comienzan una aventura sin precedente, lleno de misterios, sangre y drogas.

martes, 8 de diciembre de 2015

Modern Times (1936)


Ninguna nominación al Oscar.

Hoy volví a ver Modern Times pero de inicio a fin, fue imposible no recordarme cuando vi un fragmento de esta película en mis clases de Administración I en la universidad, aya por los lejanos 2009. Observamos la parte en que el personaje principal, personificado por Charles Chaplin, estaba trabajando en la fábrica como soldador, nos dimos cuenta que sus acciones eran repetitivas y de tanto hacer lo mismo se volvió loco. Eso se llama División del Trabajo, una técnica que tenía sus pros y sus contras: lo bueno era que el empleado podía especializarse en una cosa y era más rápido hacer una cosa específica que un conjunto de acciones solo (ejemplo de los alfileres del libro "La riqueza de las naciones" de Adam Smith: si una persona fabrica alfileres hace menos de cien al día, mientras que si dividimos el trabajo puede fabricar hasta 10 000 alfileres); por otro lado la desventaja era que el trabajador se encasillaba en una sola cosa y su calidad de vida y salud no eran las mejores, además que como realizaban trabajos sencillos y repetitivos, estos podían ser reemplazados por aprendices fácilmente, cosa que sucedió en esos años, sin duda en esos tiempos de la revolución industrial el hombre era visto como un complemento de la máquina y el empresario solo le interesaba el dinero, sin importarle la salud de sus trabajadores. 

Es increíble que hayan pasado casi ochenta años y casi nada haya cambiado: los hombres seguimos siendo esclavos, esclavos con sueldo fijo, esclavos que tienen que registrar su horario de entrada y salida, esclavos que tiene un horario especifico para comer, esclavos de otros hombres, sigue habiendo una diferencia brutal entre lo que gana un empresario con lo que gana sus trabajadores, siguen habiendo cambios tecnológicos que reemplazan la mano de obra y trabajos que ya no existen, siguen importando más para la sociedad lo que produce una empresa que la vida de un trabajador, sigue habiendo pobreza y miseria, sigue existiendo tanta mierda y la mierda se ha masificado tanto que el ser humano consume basura desde que nace. Una obra maestra con una gran crítica a la sociedad de los Tiempos Modernos. 

lunes, 7 de diciembre de 2015

A Nightmare on Elm Street (1984)


Ninguna nominación al Oscar.

A Nightmare on Elm Street es una de las sagas de terror más representativas del género y es que Freddy es un villano temible, un ser que no proviene del mundo real y que es imposible escapar de él, ya que ataca en el mundo de los sueños. Es imposible para un ser humano no dormir, cuando tus ojos se cierren podrás vivir el peor infierno jamás pensado. 

Wes Craven es el responsable del nacimiento de uno de los villanos más temidos, ya que fue el guionista y director de la película, demostrando que es un maestro del terror y que sus otras obras maestras no fueron algo efímero.

Tres adolescentes se quedan a dormir en la casa de Tina (Amanda Wyss), ya que esta se iba a quedar sola en casa y no podía dormir, atormentada por una extraña pesadilla. Cuando el sueño le venció, un extraño y malévolo ser la persigue por todas partes, aquel ser es un tipo con cara quemada, un suéter rojo, un sombrero y navajas en vez de uñas, su nombre es Fred Krueger (Robert Englund). Luego de la muerte de Tina, los demás muchachos (Nancy: Heather Langenkamp, Rod Lane: Jsu García y Glen: Johnny Depp) serán perseguidos uno a uno por aquel temible ser.

Las escenas de muerte fueron de puta madre, como murió Tina, a lo The Exorcist fue genial y también las apariciones de Freddy en las camas de sus victimas fueron demasiado creepy. Freedy a quedado grabado en la mente de muchas personas y estoy seguro que en su época muchas personas pensaron mil veces volver a dormir luego de ver aquella película, en especial escuchar aquella sinfonía: "Uno, dos, Freddy viene por ti, tres, cuatro, cierra la puerta, cinco, seis, toca un crucifijo, siete, ocho, mantente despierto, nueve, diez, nunca más dormirás"

domingo, 6 de diciembre de 2015

Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi (1983)


5 nominaciones.
1 Oscar: Mejores efectos visuales

Es una película clave en la saga ya que nos cuenta como finaliza todo: como acaba la aventura espacial de los rebeldes Luke Skywalker (Mark Hamill), Han Solo (Harrison Ford) y la princesa Leia (Carrie Fisher); el fin del imperio; además que logra terminar de descifrar algunos secretos. 

Esta vez los efectos especiales fueron enormemente superiores a los de las dos películas antecesoras y sin lugar a dudas fue lo mejor de la película, incluso mejor que el guión. Lo que resulta curioso es que el diseño de los alienigenas fueron más creíbles que las animaciones de las películas de ahora, más creíbles que los innumerables Hulks, por citar un ejemplo. 

Lo inolvidable del film fue los breves minutos que la princesa Leia estuvo prisionera de Jabba, deleitando a los fans de la saga con un extraño bikini color marrón que rápidamente la convirtió en un sex simbol. Por otro lado, el público aun no olvida la escena en que uno de los alienigenas rebeldes dice: "It's a trap", tanto así que lo convirtieron en meme.

Han solo luego de ser congelado, forma a ser una pertenencia de Jabba, un extraño monstruo. La princesa Leia, Luke Skywalker, Chewbacca, C-3PO y R2-D2 deciden enfrentarse a Jabba y a su ejercito. Luego de esto son emboscados por el Imperio y Luke deberá pelear contra Darth Vader (David Prowse). El destino de la galaxia depende de aquella batalla.

sábado, 5 de diciembre de 2015

Happy Together (1997)


Ninguna nominación al Oscar.

Una película trasciende cuando te transmite algo. Esta película, muy contraria a su título, trata sobre diversos sentimientos muy opuestos a la felicidad, en especial la tristeza, la soledad y la melancolía.

Wong Kar-wai a través de una hermosa fotografía a blanco y negro, nos presenta a una pareja homosexual proveniente de Hong Kong que ha ido a Argentina de vacaciones. Todos piensan que irte a otro país puede ser lo más grandioso en la vida, esta pareja demostrará que mayormente en la vida real no sucede. Lai Yiu-fai (Tony Leung) y Ho Po-wing (Leslie Cheung) pasan por una relación muy apasionada y tormentosa, al llegar al país de Maradona sus sentimientos llegan a un extremo y cada uno toma su camino. Mientras Fai se hace un mil oficios, Ho Po-wing se dedica a la prostitución y luego de estar gravemente herido busca a Fai para intentar regresar. Rápidamente descubren que nada es igual y se hunden en la miseria. ¿Acaso es necesario estar con alguien que ya no amas? Sé que muchas personas están con personas que ya no aman por miedo a estar solos, ¿pero qué pasa con las personas solitarias? Fai se acompaña de su soledad, sin querer se acostumbra a no tener compañía. Como cosa del destino conoce a Chang (Chang Chen), un taiwanés heterosexual, al poco tiempo se hacen muy buenos amigos y cada uno confiesa su sueño en aquel país que no es el suyo: mientras Fai desea llegar a las Cataratas de Iguazu, motivo por el que vino con su ex pareja; Chang desea ir a un lugar el cual no me acuerdo, un lugar sumamente alejado, más cercano al polo Sur, un lugar donde le llaman el fin del mundo. En la despedida, Chang le dice a Fai que no le gustan las fotos, que prefiere las grabaciones de voz ya que puedes mentirle a los ojos, pero nunca puedes engañar lo que sientes a través de la voz. Aquella escena en que Fai se queda solo con la grabadora, sin mencionar palabra alguna, solo jadeando, expresando su extrema tristeza, lo que en verdad sentía, fue inolvidable.

Esta demás decir que el performance de los tres personajes principales fue asombroso e irreprochable. La película no hubiera tenido tanto impacto si no hubiera sido por las actuaciones de los protagonistas. Por otro lado, la banda sonora fue deliciosa, precisa para sumergirnos en Buenos Aires, aquel país infestado de tango. Luego de ver esta película mi visita a aquel país es obligatoria.

viernes, 4 de diciembre de 2015

In the Mood for Love (2000)

Ninguna nominación al Oscar.

In the Mood for Love es la película romántica más triste que he visto en mi puta vida. Wong Kar-wai desde lo más profundo de su ser nos deleita con poesía pura, tanto con los enunciados antes de las escenas, citaré el final: “El recuerda aquellos años como si mirara a través de un cristal de una ventana cubierta de polvo. El pasado es algo que podemos recordar pero no tocar y todo lo que se recuerda es borroso y vago”; así como en las escenas cargadas de sentimiento y pasión, inolvidables dos escenas: cuando Mr. Chow (Tony Leung) y Mrs. Chan (Maggie Cheung) ensayan como ella le iba a increpar su infidelidad a su esposo y el ensayo de la despedida de Mr. Chan y Mr. Chow, quizá es la despedida más intensa que se ha podido filmar en la historia del cine. 

Un redactor llamado Mr. Chow y una secretaria llamada Mrs. Chan se mudan en el mismo edificio, en dormitorios contiguos, el mismo día. A pesar que la casera y sus demás vecinos son muy agradables ellos deciden alejarse de estos y pasan el tiempo en sus respectivas habitaciones, con el pasar del tiempo desarrollan una amistad ya que ambos comparten muchas cosas: los dos son casados y sus respectivas parejas viajan muy a menudo, dejándolos solos. Descubren que sus respectivas parejas tienen un amante, haciendo que estos tengan reacciones distintas: mientras que Chow se enamora de Mrs. Chan y trata de seguir su vida encontrándose a sí mismo, Mrs. Chan se prepara para encarar a su esposo y luego perdonarlo. Al final Wong confiesa su amor a Mrs. Chan y al ver que ella nunca dejará a su esposo decide viajar a otro país, para cambiar de aires y dejar atrás los chismes y rumores. 

Aparte de la poesía de los diálogos, otra cosa que hay que resaltar es la banda sonora, en especial la canción “Quizás” de Nat King Cole fue deliciosa, dándole un ambiente lleno de sentimiento a la película, sumergiéndonos en la soledad de los protagonistas y a la negación de su inevitable amor.

jueves, 3 de diciembre de 2015

Eyes Without a Face (1960)


Ninguna nominación al Oscar. 

Dirigida por Georges Franju y basada en la novela de Jean Redon. En su estreno no tuvo un gran éxito, muchas personas pensaron que eran una copia del expresionismo alemán y que fue una total decepción. A lo largo del tiempo la película fue obteniendo críticas más positivas hasta convertirse en una película de culto y ser una de las más representativas del terror francés. Críticos contemporáneos resaltan la poesía y lo enfermizo que se respira en la película. 


Sin duda los pilares más importantes de Les yeux sans visage son la banda sonora y la máscara de la personaje principal. La banda sonora fue genial, en especial aquel track que siempre sonó, con inicio asesino y luego perturbador, como si estuvieses en un circo de la muerte. Aquel track fue preciso para darle una atmosfera inquietante y tenebrosa a la película. Por otro lado, aquella máscara de Christiane (Édith Scob) fue realmente terrorífica: habían hecho una máscara de ella misma, de su rostro, parecía un ser humano sin expresión, muerto en vida. 

Luego un accidente automovilístico, la hija del doctor Génessier (Pierre Brasseur) queda con el rostro desfigurado, su extremada belleza se había esfumado y su rostro ahora parecía proveniente del infierno. Louise (Alida Valli) -secretaria, ayudante y amante del doctor- tiene la arriesgada misión de atraer hermosas chicas para llevarlas a la mansión del doctor, una vez que estas lleguen allí, el doctor les sacará pedazos de su rostro para reconstruir la belleza de su hija: Christiane.

miércoles, 2 de diciembre de 2015

Seksmisja (1984)



Ninguna nominación al Oscar.

Esta película demuestra que para hacer películas de ciencia ficción no se necesita millones, ni la más alta tecnología, un guión excelente y original basta para llevarnos a una situación jamás pensada, solo posible en los sueños más remotos de un hombre. El gran acierto del polaco Juliusz Machulski es que combina la ciencia ficción con comedia y Serie B, de una manera sorprendete y brillante.

En la época de los 90 un científico descubre una técnica de hibernación que fue usado exitosamente en monos, ahora la gran prueba era hacerlo en humanos. Albert (Olgierd Łukaszewicz) y Maks (Jerzy Stuhr) son los valientes que se prestan para ese experimento, supuestamente iban a regresar a la normalidad dentro de tres años, pero al despertar descubren que todo ha cambiado: han pasado 53 años y no existe rastro del hombre, el planeta está dominado por las mujeres. 

¿Quién no soñó nunca con ser el único hombre en el planeta y vivir rodeado de hermosas mujeres? Bueno, eso le pasó a los protagonistas y eso no fue para nada de ensueño, más bien fue traumático al principio. De todas maneras la naturaleza iba a ganar, si la mujer fue creada para vivir con el hombre, es imposible que estos escapen de la razón de ser de su existencia. Es cierto que los protagonistas no follaron a lo loco y no fue para nada una película porno cómo es posible ser imaginada al leer el título y sinopsis, pero al menos cada uno encuentra a su respectiva pareja y por ende, hacen que la reproducción sea natural y no por selección natural hechos por laboratorios: desde ese momento ya iban a nacer niños varones.