Edward Scissorhands (1990)

1 nominación al Oscar.

Obra maestra de Tim Burton. Conmovedora historia, con toques de humor. Cuenta la historia de Edward, un joven con manos de tijera. Ha vivido toda su vida alejado en un castillo, por lo cual carece de malos pensamientos. Una vez que es invitado al mundo exterior por la mamá de Kim descubre que el infierno está en la vida real y que el mundo es muy peligroso para alguien como él. 

Podemos apreciar en los personajes a los seres más repugnantes y a la vez normales que se puede encontrar en cualquier lado: la tipa arrecha que todo lo ve sexo; la fanática religiosa que todo lo ve Satanás y pecado; el típico colegial sin valores; la típica adolescente norteamericana bonita; los vecinos más entrometidos y la prensa detestable. 

Las actuaciones de todos estuvieron espléndidas. Fue raro ver a Jonny Deep (Edward) interpretando a un tipo tan callado e ingenuo, fue dificil sacar de tu mente ese personaje de drogadicto con su bigote en Fear and Loathing in Las Vegas. También vimos a Winona Ryder (Kim), muy joven, pero qué hermosa era, lástima que se volvió cleptómana.

La mejor parte, sin duda, fue cuando Joyce (Kathy Baker) encierra a Edward y lo sienta, mientras ella se desviste, todo con música de fondo. Pero qué arrecha esa concha su madre. Edward no entendía lo que pasaba.

Enter The Void (2009)

Ninguna nominación al Oscar.

Es un film interesante e imperdible. La forma en que se enfocan en el viaje producto por las drogas nunca antes se ha visto. Si me dijeran que hay miles de películas sobre drogas y mejores como: Requiem for a Dream, Trainspotting o Candy (2006 film), que son muy distintas entre ellas, diría que sí, están en lo correcto. 

Lo destacable es que este film te hace poner en los zapatos de un adicto y darte un trip sin la necesidad de haber consumido alguna sustancia prohibida. Por otro lado, también tocan el tema de la vida después de la muerte, respetando las palabras de Buda. No puedo seguir porque ya sería un spoiler. Vuelvo a repetir: no es la mejor película en su género que he visto, pero es algo que no puedes perdértelo. Hubiera sido mejor si es que hubiera durado media hora menos y hubieran omitido algunos planos repetitivos.

Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)

2 nominaciones
1 Oscar: Mejor guión original. 

¿Es posible eliminar los malos recuerdos y conservar solo los buenos momentos? ¿Es justo eso? Michel Gondry nos sumerge en un poderoso drama romántico con toques de surrealismo, donde Clementine (Kate Winslet) luego de una fuerte discusión decide borrar a Joel (Jim Carrey) de sus recuerdos. Joel confundido y enojado decide hacer lo mismo y contrata a la misma compañía, en medio del proceso se da cuenta que no quiere sacarla de su mente y a toda costa lucha para mantenerla en sus recuerdos para siempre. 

El guión además de ser original, es demasiado potente, imposible de causar indiferencia al espectador. Esta película no es el típico drama romántico norteamericano en donde los protagonistas se conocen, viven momentos maravillosos, se pelean y regresan en el final más cursi jamás pensado. No. Esto va más allá. Esta película nos muestra la miserable naturaleza humana, aquella que nos hace decir cosas hirientes y cometer acciones que siempre nos arrepentiremos. Claro, también hay momentos super feeling en cada buen recuerdo de la relación de Joel y Clementine, en cada frase, en cada sonrisa, en cada broma, en cada anhelo de estos. 

La química de los actores fue esplendida: Jim muy alejado de sus papeles de loco y chistoso interpreta a un tipo muy calmado e introvertido; mientras que Kate personifica a una vivaz y hermosa muchacha, que puedes odiar y amar a la vez, alguien tan genial, el complemento ideal para cualquier hombre. Por otra parte, los personajes secundarios no defraudaron para nada, fue agradable ver a Mark Ruffalo (Stan), Kirsten Dunst (Mary) y Elijah Wood (Patrick). 

Me despido con esta cita: "Creo que si existe una cualidad realmente seductora en Clementine es que su personalidad promete sacarte de tu mediocre vida mundana, no sé, es como subirte en un increíble meteorito ardiente que te llevará hasta otro mundo, un mundo donde todo es emocionante. Pero no tardas en darte cuenta de que en realidad se trata de un hábil ardid para engañarte, para anularte por completo, para robarte la energía. Utiliza una técnica muy ostentosa en un sentido hortera, pero aún así te seduce. Ella se vale de tus debilidades, aprovecha tus miedos, tu inseguridad para machacarte con fuerza. Es el lado cruel de Clementine. La única forma que Clem cree que puede conseguir gustarle a la gente es follándosela, o al menos vacilándole con la posibilidad de echar un polvo. Creo que está tan desesperada y es tan insegura que antes o después se follará a todo el mundo. Qué desperdicio haber pasado tanto tiempo con una persona solo para averiguar que es una extraña". 

Un perro andaluz (1929)

Ninguna nominación al Oscar.

Película de culto. Pionero en el género del surrealismo. Luis Buñuel nos bombardea con un conjunto de imágenes y escenas aparentemente sin sentido que serán una gran patada al cerebro del espectador. 

La fotografía es en blanco y negro, indudablemente por la época en que se filmó. El guión fue escrito por Salvador Dalí y Luis Buñuel en muy corto tiempo. El dato curioso es que ambos tuvieron un sueño extraño el cual fue de gran aporte para el film: Luis Buñuel soñó con un hombre cortandole el ojo a otra persona y Salvador Dalí soñó que a una persona le salían hormigas del hueco de su mano. Por otro lado, la película fue muda en su estreno, posteriormente (1960) incorporaron la música clásica de Richard Wagner y una canción de Tango. 

Bueno, cultos lectores, vamos al grano y vamos a tratar de explicar aquellas escenas tan pastrulas: La escena cuando le cortan el ojo a un tipo simboliza que necesitaras tener una nueva visión para ver ese tipo de película nada convencional. La escena de las hormigas que salen del hueco de una mano simboliza deseo sexual, específicamente la masturbación. La escena en que aparece un andrógino (una mujer con apariencia masculina) y es atropellado por un automóvil simboliza el odio y desprecio que Buñuel y Dalí tenían en contra del famoso escritor Federico García Lorca ya que este estaba enamorado de Dalí. Esta escena es vista por un hombre y una mujer desde la ventana de un segundo piso, el hombre al ver morir al androgino se excita y persigue a la mujer, esta agarra como especie de una raqueta en forma de cruz que simboliza a la moral católica. La siguiente escena donde el hombre carga dos monjes, un piano y un burro muerto simboliza el peso de la sociedad que tiene bajo sus hombros. Por cierto, el burro muerto es una crítica al Platero de Juan Ramón. La escena donde la boca del hombre desaparece al estilo The Matrix, la mujer se pinta los labios y en seguida le salen bellos púbicos en la cara del hombre simboliza el sexo oral que fue era muy mal visto en esas épocas, por eso la mujer le saca la lengua y se va. La siguiente escena la mujer abre una puerta y al salir aparece en una playa donde conoce a un bañista con reloj eso simboliza la comodidad económica, que el tipo era un buen partido, rápidamente ella se va con él, feliz. La escena final nos muestra al bañista y la mujer enterrados en la arena, sin moverse, luego de una exhaustiva investigación descubrí que la mujer simbolizaba a la mantis hembra que se iba a devorar al macho, sin lugar a dudas, nos mostraba el miedo al amor que tenía Dalí. 

Star Wars: Episode IV - A New Hope (1977)

11 nominaciones.

7 Oscars: Mejor montaje, Mejor banda sonora, Mejor dirección artística, Mejor vestuario, Mejor sonido, Mejores efectos sonoros y Mejores efectos visuales.

Película de culto. Los años 50 y 60 nos habían regalado la mejor Serie B con respecto a ciencia ficción que tenga que ver con vida alienígena y viajes espaciales, películas como Forbidden Planet, Invasion of the body snatchers o Barbarella serán imposibles de olvidar. En los años 70, George Lucas aprovecha los millones de la productora 20th Century Fox y dirige una saga espacial inmejorable, llevando las películas del género a otro nivel, impresionando al espectador con los efectos visuales, sonoros y un vestuario digno de destacar. 

Lo extraño de esta saga es que no empieza con la primera entrega, si no, con la cuarta. La guerra de las galaxias. Episodio IV: Una nueva esperanza es una película que tiene como fin introducirnos a los personajes, el bando bueno, que vienen a ser los rebeldes: Luke (Mark Hamill), el mercenario Han Solo (Harrison Ford), Princess Leia (Carrie Fisher), Obi-Wan Kenobi (Alec Guinness), Chewbacca (Peter Mayhew) y los simpáticos androides llamados C-3PO (Anthony Daniels) y R2-D2; por otra parte, también nos presenta al bando del mal, el imperio, conformado por Darth Vader (David Prowse) y sus secuaces. 

Princess Leia, líder del movimiento rebelde, en su viaje a Aldebarán es capturada por el imperio, comandado por Darth Vader. Luke luego de buscar a sus androides C-3PO y R2-D2 conoce al maestro de su padre, Obi-Wan Kenobi. Al ver que su tíos son asesinados por el imperio, decide tomar venganza y unirse a Obi-Wan Kenobi. Para llegar al fondo del asunto, contratan a un mercenario llamado Han Solo que es acompañado por su fiel amigo Chewbacca. Sin querer estos desconocidos se unen para rescatar a Princess Leia y vencer al imperio.

Kreuzweg (2014)

Ninguna nominación al Oscar.

Imperdible film que critica el fanatismo de algunas religiones y las consecuencias que podría ocasionar. Maria es una chica que está entrando a la adolescencia, ella es la alumna más destacada en sus clases de Confirmación pero esta tergiversa todo y se toma muy a pecho lo que le inculcan. El fanatismo la cega y la hace creer que tiene que hacer un sacrificio por su hermano, darle su vida a Dios (suicidarse) a cambio de curar a su hermano del autismo.

La película se divide en 14 partes, con títulos del camino de Jesús hacía su muerte, con la cruz. Lo más importante es que este film sirve para reflexionar, ya seas creyente, ateo o lo que fueses.

Angel Heart

Ninguna nominación al Oscar.

Dirigida y escrita por Alan Parker. Basada en la novela Falling Angel de William Hjortsberg. A pesar de haber tenido una cierta popularidad antes de su estreno (debido a la escena de sexo entre Mickey Rourke y Lisa Bonet, donde sangre cae del techo y los tiñe de rojo), fue duramente criticado por el público recibiendo poca recaudación. Curiosamente en los papeles principales se pensó en Marlon Brando como Louis Cyphre en vez de Robert De Niro y en Al Pacino, Jack Nicholson y hasta al mismo Robert De Niro en vez de Mickey Rourke para protagonizar a Harry Angel. Ahora sabemos que el tiempo le ha dado la razón al destino, indudablemente.

La película combina de una manera sobresaliente el cine negro, el trhiller y lo fantastico. Aunque no es una película netamente de terror, muchas escenas ocasionaron algunos sustos y traumas al expectador. El guión te mantiene en un suspenso único que ya en el final todo va cuadrando. Las actuaciones estuvieron estupendas: Robert de Niro soberbio en su papel de Lucifer, inolvidable con su barba negra y sus uñas largas y especialmente en aquella escena del huevo, cuando le comenta a Harry Angel que en otras culturas el huevo simboliza al alma y luego se la come.

Un detective privado (Harry Angel) es contratado por unos misteriosos abogados, especialmente por Louis Cyphre. Este le cuenta que debe investigar a un tal Johnny Favourite, un ex cliente suyo que le debe una gran suma de dinero. En el transcurso del tiempo se da cuenta que como sea han querido borrar los rastros de Favourite y conoce a personajes que estan relacionados a la magía negra y al budú. Las escenas de brujeria y paganismo no solo impactaron y desconcertaron a Harry Angel, si no también al espectador. El detective descubre la verdadera identidad de Louis Cyphre y también la suya. El final perfecto y metafórico nos muestra a Harry Angel bajando de un ascensor, como si descendiera al infierno.