Possession (1981)

Ninguna nominacion al Oscar.

Amigos, cultos lectores, seres humanos en general, antes que nada debo confesar que he visto cine por años y es una de las pocas veces que luego de ver una película me he quedado en shock. Esta inquietante mezcla de thriller psicológico y terror resulta hasta hipnotizadora, sé que muchas escenas son exageración en su máxima expresión, sobretodo el comportamiento de cada uno de sus personajes, pero increíblemente se deja ver, no aburre en lo absoluto, en cierto punto el espectador llega a sumergirse en aquel mundo surrealista en donde todo es dolor, miseria, obsesión, odio, desamor, lujuria, confusión y demás sentimientos negativos que puedas imaginar. 

Realmente me he rendido en tratar de darle un significado a cada locura que he visto, si te dijera que el mostruo creado por la protagonista es una representación de su lujuria, mentiría, si dijera que al final la profesora del hijo de los protagonistas queda poseída, también mentiría, si te dijera que muchos diálogos tienen un contenido ateo mentiría. Sí, he visto mucho cine de David Lynch, un poco de Jorodowsky y hasta de Buñuel pero esta mierda es indescifrable.

Twixt (2011)

Ninguna nominacion al Oscar.

Hasta ahora sigo sin comprenderlo, ¿en qué te has convertido Coppola? No me imagino a alguien que dirigió Apocalypse Now, Rumble Fish, Bram Stoker’s Dracula y la trilogía de The Godfather, termine dirigiendo bodrios indescriptibles uno más malo que el anterior. Sí, Twixt es una cagada de principio a fin. Una pésima mezcla de terror y surrealismo que a comparación de las películas de Lynch, esta solo da pena y lástima. Ni los horrendos chistes de Val Kimer ni la presencia de Elle Fanning pudo salvarla de ser una absoluta mierda. Este Thriller policiaco es uno de los peores que haya visto. Perdónalos Edgar Allan Poe por recrearte en esta huevada, no saben lo que hacen, no te lo merecías.

The Wall (1982)

Ninguna nominacion al Oscar.

Aunque a primera vista pareciera que es tan solo un conjunto de videoclips del álbum The Wall de la banda Pink Floyd, el surrealista guion lleno de metáforas nos trata de contar una historia a través de escenas aparentemente inconexas. A través de canciones se hace una dura crítica tanto al sistema educativo como al resentimiento creado por las guerras. Por otro lado, nos cuenta la historia del vocalista de la banda el cual tuvo una infancia de mierda al quedarse sin padre ya que murió en la guerra y fue reprimido y humillado en su etapa escolar, también nos cuenta sobre su vida adulta y los problemas con que lidiaba. 

Hay infinidades de hipótesis sobre el significado de El muro (The Wall). En realidad no estoy muy seguro y como la película es de naturaleza surrealista creo que no hay una verdad absoluta. The Wall puede ser entendido por dos cosas: El muro simboliza a la sociedad o al sistema capitalista donde nosotros somos tan solo un ladrillo más, uno más del montón, somos parte del sistema y como seres individuales no podemos hacer grandes cosas; por otro lado, también el muro puede representar los traumas de Roger Waters (vocalista y bajista de la banda que además fue el guionista de la película) creados por eventos nefastos que marcaron su vida, eventos que ya fueron mencionados en el párrafo anterior.

Le charme discret de la bourgeoisie (1972)

2 nominaciones.

1 Oscar: Mejor Película de habla no inglesa.

Buñuel a su peculiar estilo nos cuenta la historia de un grupo de burgueses que se reúnen para degustar una comida y que por cosas del destino nunca llegar a consumar aquel acto. El espectador es confundido por las bizarras escenas en las que es casi imposible distinguir qué momento fue real y cual fue un sueño o pesadilla de algún personaje. Y aquellos sueños fueron el principal medio para recrear el surrealismo que el director nos tiene acostumbrados.

Según lo que Buñuel confesó en alguna oportunidad, aquellas escenas surrealistas en verdad no tienen ningún significado, solo son sueños que fueron pensados como distintas alternativas de guion. La película tampoco es ninguna sátira a la burguesía, en absoluto. En verdad aquella escena inicial ocurrió y fue una inspiración para crear el guion: un grupo de burgueses de distintos matrimonios se van a la casa de otra pareja para almorzar y estos no recordaban que tenían aquella reunión, el esposo estuvo ausente yéndose a otro lugar para almorzar y la esposa estaba a punto de irse a dormir. 

En realidad la película es cine experimental puro, sin ningún ánimo de ser pretenciosos, resultando un producto muy bien elaborado y fácil de digerir en comparación a obras como a Un Perro de Andaluz. Quizá los más brillante después de todo fueron aquellas locas escenas surrealistas, especialmente la escena en que son invitados a comer a la casa de un militar y se dan cuenta que están en el escenario de un teatro y que están siendo observados por un público misterioso, realmente brillante y desconcertante.

Abre los ojos (1997)

Ninguna nominación al Oscar.

Una irrefutable obra maestra y sin duda una de las películas más representativas del cine español. Luego del éxito de Tesis, Amenábar tenía la valla muy alta pero salió airoso de aquel desafío gracias a una genialidad que mezclaba intriga, surrealismo, romance, drama y ciencia ficción. 

La película cumple su objetivo de una manera increíble: contarte una historia tan alucinante que es imposible predecir el final. Por otra parte, es una constante reflexión de un sinnúmero de temas existenciales y superfluos: la no aceptación de uno mismo luego de un hecho fortuito y lo debatible que puede ser la ciencia (¿Es justo crear un mundo imaginario y escapar de la realidad. Aquel mundo soñado no se convertiría en un infierno?).

Con respecto a los detalles cinematográficos, es necesario mencionar aquel elenco impecable conformado por una muy joven Penélope Cruz (Sofía), Fele Martínez (Pelayo), Najwa Nimri (Nuria) y sobretodo Eduardo Noriega (César) que fue el protagonista y principal artífice de tremenda genialidad. También es destacable el guion original y el montaje.

Santa sangre (1989)

Ninguna nominación al Oscar.

Obra menor del excéntrico genio Alejandro Jorodowsky, infinitamente inferior a The Holy Montain y el Topo. El espectador ya no se topa con un guion extremadamente confuso y con ninguna o muchas interpretaciones, si no se topa con algo más terrenal, de algún modo, con una versión surrealista de Psycho con toques de Freaks. 

Esta vez el protagonista (Axel Jodorowsky) ya no va en búsqueda de la iluminación, ahora su único deseo es vencer sus miedos y traumas que lo atan. Las escenas surrealistas lejos de ser simbolismos son puras alucinaciones del protagonista mentalmente insano. 

La película es interesante y eso es innegable, pero en ciertos tramos se hace pesada. Particularmente la mejor escena es cuando van a derrumbar una iglesia y viene un sacerdote, este ingresa y al ver el tremendo sacrilegio y locura de estos fanáticos religiosos pega el grito al cielo, terrorífico, saber que adoran a un muñeco de trapo, creen historias estúpidas donde se le reza a una niña que ha sido violada y asesinada, esta se hace santa y deciden construir una iglesia alrededor de la sangre, encima esa agua que creían que era sangre era pintura roja, realmente demencial.

Teorema (1968)

Ninguna nominación al Oscar.

No me sorprende que en su estreno no gozó de aceptación no solo porque lo consideraban de morboso, inmoral, contra la religión y el capitalismo, sino porque simplemente no se deja entender fácilmente. Y bueno creo que es hora de presentar el análisis que ávidamente he realizado:

Pier Paolo Pasolini nos presenta una familia burguesa constituida por una pareja de esposos, un hijo, una hija y una sirvienta. Luego de la escena de la fábrica, la fotografía se torna a blanco y negro, es allí donde nos muestra la vida monótona e infeliz de cada uno de los personajes. La familia a pesar que lo tenía todo en cuestión monetaria y material, no tenía ningún vínculo de amor ni de unión. Cada uno de ellos vivía su vida: el esposo muy ocupado dirigiendo su propia fábrica, la esposa bella e inútil como si fuera un simple adorno de la casa, hijos solitarios y vacíos y la sirvienta ajena a la familia. Todo cambia y se refleja en el color de la fotografía (vuelve a ser de colores) cuando reciben una carta que decía: “Llego mañana”. 

Un misterioso sujeto (Terence Stamp) llega a la casa y con su atractivo físico y carisma logra tener una buena relación con cada uno de los personajes, haciendo que sus vidas tomen un rumbo distinto. Este sujeto es considerado para muchos como Dios personificado, para mi es simplemente un ente divino, como especie de ángel que viene a cambiarlos. Cuando este logra su cometido desaparece de sus vidas, tal como llegó. Los integrantes de la familia burguesa caen en un limbo de no saber qué hacer con su existencia. Vemos que solo la sirvienta logra captar el mensaje, esta regresa a su pueblo y empieza a hacer milagros, a vivir una vida de ayunas y penitencias, hasta logra levitar. Todo lo contrario sucede con los burgueses: mientras que el hijo descubre su homosexualidad e intenta escapar de esto a través del arte, la hija queda en un estado catatónico ya que por fin había descubierto la felicidad pero esta fue efímera, la esposa encuentra en el sexo casual una momentánea felicidad representada por el placer carnal y por último, el esposo abandona su empresa y la regala a sus obreros para huir al desierto como si fuera Jesús, quizá buscando una razón de vivir.

Nekojiru-so (2001)

Ninguna nominación al Oscar.

Es un cortometraje de aproximadamente 32 minutos, donde el surrealismo reina de una manera increíble. Debo confesar que al acabar de ver dicho film, no entendí ni la mitad. Luego de investigar llegué la conclusión de (al pincho el spoiler, en huevadas como esta es necesario):

Un gato A se ahoga en la bañera, cuando está clínicamente muerto ve en el otro mundo a su hermana que está de la mano con un ser divino, este al darse cuenta de lo que está sucediendo decide salvar a su hermana y en el forcejeo rompe el alma de su hermana y se lleva la mitad. Luego este despierta en la misma bañera: había resucitado. Se va hacia donde esta su familia y ve que estan velando a su hermana, se acerca y le mete la mitad de su alma al cuerpo. Ella resucita pero en estado zombie. Dios le manda una pista a estos de que deben conseguir una misteriosa planta que es la mitad de su alma. Luego de un viaje recontra fumado la consiguen y ella vuelve a la normalidad. Llegan a la casa y uno por uno desaparece y la televisión se apaga y termina el film. Lo que se deduce es que fue el fin de todo, de que Dios destruyó todo lo que existe, hasta el planeta mismo.

El lado oscuro del corazón (1992)

Ninguna nominación al Oscar.

Esta película es tan mágica que de odiar a Mario Benedetti por ver sus frases publicadas en imágenes o comentarios en muchas cuentas de Facebook de gente que sabe cero de poesía y se llenan la boca y dedos de pose, desde este momento, después de haber visto El lado oscuro de sus ojos, me declaro un nuevo admirador de su poesía. 

Y amigos, cultos lectores, debo mencionar que un buen tiempo amé y me entregué al mundo de la literatura y aunque no era mucho de escribir poesía, solía escribir cuentos y novelas cortas. Y fue otro arte, fue el cine el que me brindó la oportunidad de reencontrarme con la literatura. Fue Eliseo Subiela el responsable de introducirme a Benedetti en estado puro y hacerme cambiar de opinión. Fue Darío Grandinetti en el papel de su vida, fue Oliverio, fue aquel personaje, fue aquel poeta que me hizo recordar a mí, y no lo digo por enamorarse de una puta, lo digo porque con verlo me sentí reflejado, vi a un tipo inmaduro, con pretensiones de intelectual, un tipo solitario, con muchos sueños y con un pesimismo de la vida al mismo tiempo.

Esta joya del cine latinoamericano está reservada solo para aquellos que se dejen llevar, aquellos que no tengan miedo de volar, aquellos que no se toman todo muy literal y entienden lo que significa el surrealismo, aquellos que por un momento se permitan a sí mismos ingresar a la vida de un poeta que sobrevive intercambiando versos por monedas y comida, que vive y conversa con la muerte, que habla con su madre fallecida a través de una vaca, que se enamora de una prostituta, que busca a la mujer de su sueño, aquella que comparta su afición literaria, aquella persona que asiste al mimo bar en donde el mismo Mario Benedetti recita sus poemas en alemán a las prostitutas, aquel mundo imaginario, real y mágico.

Me despido con este poema: “Mi táctica es mirarte, aprender como sos, quererte como sos. Mi táctica es hablarte y escucharte, construir con palabras un puente indestructible; mi táctica es quedarme en tu recuerdo, no sé cómo ni sé con qué pretexto, pero quedarme en vos; mi táctica es ser franco y saber que sos franca y que no nos vendamos simulacros para que entre los dos no haya telón ni abismos. Mi estrategia es en cambio más profunda y más simple, mi estrategia es que un día cualquiera no sé cómo ni sé con qué pretexto por fin me necesites".

Being John Malkovich (1999)

3 nominaciones al Oscar.

Película de culto. Spike Jonze es el responsable de realizar tremenda película quemadaza. Desde que comenzó la película con el performance de unos titeres dominados por Craig Schwartz (John Cusack) y la escena en que se dirige al piso 7 1/2 supe que no era una película cualquiera.

El surrealismo de meterse en la cabeza de otra persona está muy bien trabajado y plantea diversos temas. Vemos como dos miserables esposos, Craig y Lotte (Cameron Diaz), se sienten atraídos a una chica llamada Maxine (Catherine Keener), lo cual para estar con ella se meten en la cabeza de John Malkovich, un reconocido actor. Llegan a un punto en que se obsesionan y hasta dejan sus vidas para ser él. También vemos como lucran y muchas personas, al igual que ellos, desean y pagan por ser John Malkovich aunque sea por 15 minutos.

Sorprende ver a Cameron Diaz en este tipo de películas, pero no lo hizo nada mal, hay que ser sinceros. Los demás actores (ya mencionados) también actuaron de manera más que correcta. Un dato curioso es que John Malkovich es interpretado por él mismo.

Night on the Galactic Railroad (1985)

Ninguna nominación la Oscar.

Gisaburō Sugii se basó en la novela homónima de Kenji Miyazawa y nos traslada a un mundo en donde los gatos van al colegio, trabajan y no hay seres humanos. En la primera parte nos introducen a Giovanni, un gato que luego de ir al colegio, tiene que trabajar para mantener a su madre enferma, ya que su padre se ha ido a trabajar muy lejos. Campanella es su mejor y único amigo. 

La trama se vuelve interesante cuando Giovanni despierta en un tren y se encuentra con su amigo Campanella. En el trayecto del viaje, a través de la ventana, ven las constelaciones del universo y conocen a otros gatos misteriosos, los cuales cada uno de ellos tenia una historia diferente. Cuando en una estación suben seres humanos, Giovanni descubre que hay algo extraño. Todo va teniendo sentido cuando el inspector le pide su boleto y se da cuenta que el suyo es diferente al de los demás. Aquella escena en que Campanella le dice que observa el verdadero paraíso y Giovanni se asoma por la ventana y solo ve oscuridad, la oscuridad del universo, fue impactante, tétrico, desconcertante. 

Considero que la primera parte fue demasiado lenta y quizá debió ser omitida. Estoy seguro que muchos espectadores dejaron de verla y se perdieron de un peliculón. Aquel relato del escorpión fue notable. Es increíble que la película sea poco conocida, a pesar de que se basó en un clásico de la literatura japonesa. Totalmente imprescindible.

El año pasado en Marienbad (1961)

1 nominación al Oscar.

Película de culto. Es una película que revolucionó el cine. Muchos directores de culto, actuales, no existirían si no se hubiesen influenciado de Alain Resnais, especialmente por esta película. El guión es basado en la novela La invención de Morel. Aconsejo por experiencia propia que si quieren ver este film, antes de eso, lean el libro o al menos el argumento de la novela en wikipedia. 

Es muy probable que se pierdan en el universo creado por el misterioso sujeto y no entiendan nada de lo que ven. El desorden toma protagonismo al ver que los recuerdos y el presente no se diferencian, que el tiempo se detiene, que el espacio no importa, que a pesar de que están rodeados de personas en realidad están solo los dos: la misteriosa pareja cuyas personas no tienen nombre. 

La banda sonora esta compuesto por melodías de violines y órganos. La voz en off es repetitiva, como las conversaciones de los personajes secundarios, cosa que te puede llegar a cansar y hasta enloquecer. El vestuario de todos los personajes son trajes formales y elegantes. La fotografía es impecable, mostrándote un lugar que en verdad es imaginario. Y por último, las actuaciones de Delphine Seyrig y Giorgio Albertazzi son notables.

El Topo (1970)

Ninguna nominación al Oscar.

Alejandro Jodorowsky otra vez es responsable de una obra maestra, única e incomparable, siendo el actor principal, director, guionista y responsable de la música de una película extravagante llamada El Topo. La película es una mezcla de western, religión y surrealismo. 

La película se divide en capítulos que simbolizan pasajes de la Biblia (Antiguo y nuevo testamento). Todos los capítulos tienen como protagonista a El Topo (Alejandro Jodorowsky), un hombre con habilidades especiales que sin querer emprende un camino a la iluminación. 

Cultos lectores, lo que voy a escribir es solo para aquellas personas que han visto la película y no han entendido ni un carajo. Si aun no la ves, abandona este post. 

El director al comienzo nos introduce a El Topo, un pistolero muy hábil y rápido que deambula en el desierto para enseñarle a su hijo a ser hombre. Maravillosa la escena en que le hace enterrar la fotografía de su mamá y un juguete suyo. En el camino se encuentra con tres malhechores que son vencidos fácilmente y en su creencia de hacer justicia con sus manos decide ir al lugar donde estaban los compañeros de los malhechores y su jefe: el coronel (David Silva). El estilo Western que empleó el director fue muy inusual, no solo se basó en batallas con pistolas si no nos reflejó la inhumanidad de las personas, como el más fuerte somete al más débil, los continuos abusos que suceden, vemos como los monjes son humillados, además del personaje de la mujer que es usada como objeto sexual. Luego de vencer al coronel abandona a su hijo tentado por el personaje de la mujer, que posteriormente se iba a llamar Mara. Al principio pensé que Mara simbolizaba a Eva, la tentación del hombre por conocer la sabiduría, pero no, Mara en verdad es la tentación que tuvo Buda en su camino a la iluminación. Mara le dice que lo va a querer si logra vencer a los cuatro maestros del desierto. Desde ese momento nos damos cuenta que la primera parte es una representación muy pastrula del antiguo testamento, en donde los cuatro maestros pistoleros simbolizaba a los cuatro profetas. El Topo al conocer al primer maestro descubre que no está preparado para derrotarlo, a lo que Mara le indica que lo único que importaba era ganar y lo incita a hacer trampa. Uno a uno los cuatro maestros son vencidos, a pesar que todos son más rápidos, más fuertes y más sabios que él. El primer maestro es vencido ya que cae en un hueco cabado por el Topo, el segundo es vencido ya que el Topo se dio cuenta que su madre le daba fuerza y a la vez era su punto débil, el tercero es vencido por instinto y suerte y el cuarto se suicida dando a entender que su cuerpo no vale nada, que para llegar a la iluminación debe olvidarse de las cosas materiales. Luego El Topo es traicionado por una misteriosa mujer que los acompañó en todo el viaje en su búsqueda de los cuatro maestros, esta falla en su intento de matarlo y se marcha con Mara. 

Muchos años después El topo despierta en una cueva, ve que el tiempo ha pasado en él y siente que ya no es el mismo. Los habitantes de ese lugar son unos seres deformes como consecuencia de los continuos incesto. Ellos lo salvaron de morir y lo llevaron a dicho lugar, gracias a la premonición de una misteriosa anciana que predijo que él iba a liberar a los deformes, así como Moisés llevó a su pueblo a la tierra prometida. El Topo es acompañado por una mujer enana. Deciden pedir limosna para comprar explosivos para así hacer un tunel. Al pasar de los días se preguntan así mismos si el liberarlos sería lo mejor, ya que ven un mundo contaminado, sumergido en la miseria humana: los más ricos oprimiendo a los más pobres, esclavizando a los de otras razas, diviertendose con espectáculos grotescos, huecos y violentos. También otro punto importante es la crítica que se hace la religión, vemos como una falsa religión domina el pueblo, vemos como la iglesia es convertida en un despreciable circo, vemos como se juega con la fe, así como lo hacen millones de charlatanes que engañan al pueblo solo para sacarles dinero y fanatizarlos hasta volverlos idiotas. Debo confesar que cuando vi las banderas del símbolo del ojo dentro de un triangulo, pensé que era una crítica a los iluminatis, pero hay que recordar que en el tiempo que se filmó esa película no se sabía nada sobre ese grupo secreto. Posteriormente aparece el personaje del sacerdote (Brontis Jodorowsky), un misterioso sujeto que al ver al Topo le declara la muerte, al final descubrimos que fue aquel niño que fue abandonado: su hijo. El último episodio se titula Apocalipsis, el cual muestra que el pueblo de deformes es liberado y son asesinados por las personas de poder, por ser diferentes. El Topo en un acto sorprendente logra caminar a pesar que el grupo de personas de poder lo disparan sin cesar, este agarra una escopeta y mata a todos. Luego se quema así mismo, representando que por fin abandona su cuerpo material y se inmola. Su hijo y la enana deforme que está embarazada del Topo son los únicos que sobreviven y abandonan dicho lugar. La película termina con un plano a la tumba del Topo que se ha convertido como especie de un panal que simboliza divinidad.

La montaña sagrada (1973)

Ninguna nominación al Oscar.

Sé que existen películas pretenciosas y arriesgadas, luego existe "La Montaña Sagrada". Alejandro Jodorowsky fue el responsable de tamaña obra maestra sin igual, siendo el director, guionista, responsable de la música y el actor principal. 

Jodorowsky nos sumerge en un conjunto de escenas impactantes y símbolismos que tienen millones de interpretaciones o quizá ninguna. La película trata acerca de nueve personas que quieren ser dioses y por ende, tener la vida eterna. En el camino hacía su objetivo son dirigidos por un alquimista (Alejandro Jodorowsky) hacia la Montaña secreta, en donde habitan dioses que antes fueron humanos como ellos, ya en la cima lograrán la ansiada inmortalidad. 

Para Jodorowsky el humano es mierda. En una escena la mierda es transformada en oro como si el caos y la desgracia fueran transformado en dinero y poder (el alquimista cuando vio al ladrón dijo: "Tu eres mierda. Puedes cambiarte a ti mismo en oro"). El ser humano solo busca cosas materiales. 

También ataca la religión: primero nos muestra a ranas y camaleones vestidos de conquistadores españoles y de indígenas, entre los conquistadores están los sacerdotes que vienen a otras tierras a "cristianizar" y matar al que se oponga, tal fue como la conquista española a todo América, que vinieron a robar el oro y a destruir y matar. Como si fuera un circo repugnante, la maqueta donde estaban dicho animales es explosionada con bombas. Luego prostitutas dentro de una iglesia rezando y luego ofreciéndose al mejor postor en plena puerta, simbolizando la hipocresía de muchos "religiosos". Entre las prostitutas vemos a una niña que habla con un viejo y este le besa la mano y le entrega su ojo, podemos ver que el viejo simboliza a sacerdotes de la iglesia católica, los cuales muchos de ellos han sido expuestos como pedófilos. 

Las nueve personas que quieren la inmortalidad son aquellos que controlan el mundo conformados por poderosos industriales y políticos.- Venus: Empresario en el rubro de la comodidad y belleza humana (Fabricando maquillajes y responsable de cirugias estéticas, productos superfluos que engañan al ser humano), Marte: Empresaria de productos de guerra (repugnante que existan armas y venenos que atenten contra el ser humano, cosas perjudiciales hechos por el mismo ser humano), Júpiter: Dueño de famosos lugares de muestra de Arte (Vemos el arte más grotesco como máquinas de placer y una crítica al arte más refinado, donde podemos apreciar que un garabato es arte, esto hecho claro con el trasero de algunos hombres), Saturno: Empresaria de productos infantiles entre muñecos y cómics (productos que lavan el cerebro de los niños y los preparan mentalmente para futuras guerras, creando odio hacia otros países y culturas y un falso patriotismo), Urano: Consejero financiero del presidente (podemos suponer que es consejero del presidente de Estados Unidos, el país que controla el mundo), Neptuno: jefe de la policía, Plutón (Arquitecto) y el personaje del ladrón (que comienza robando en búsqueda de cosas materiales pero luego busca respuestas espirituales). Las nueve personas se sientan en una mesa circular y cada uno se presenta, en sus palabras podemos apreciar el lado negativo de cada uno de ellos y para llegar a la iluminación deben despojarse de estos. 

El final es sumamente inesperado y abierto. El alquimista le dice al personaje del ladrón que termine su búsqueda de la iluminación, que regrese al mundo terrenal, que forme familia y que siga con su vida mundana. Cuando llegan a la cima de la montaña sagrada, el alquimista les dice a los demás: "Si no hemos encontrado la inmortalidad, al menos hemos encontrado la realidad" y en la siguiente escena se ve que hay mucha gente alrededor y que es una película en realidad. Nos hace entender que dejemos de ver cosas sin sentido y que vivamos nuestras vidas, la realidad. ¿Pero lo que percibimos es la realidad o es una ilusión?

El ángel exterminador (1962)

Ninguna nominación al Oscar.

Hablar del Ángel Exterminador es hablar de si no bien la mejor, una de las mejores películas mexicanas de todos los tiempos y es que a parte del elenco que participó, fue dirigida por el gran Luis Buñuel.

Por otro lado, el guión es original, cargado de surrealismo y sátira. Desde el comienzo se puede respirar el misterio, uno ya sabe que lo que va a ver va a ser inexplicable, como aquellas escenas que se repetían, pero no eran idénticas.

Burgueses son invitados a una reunión en una casa, luego de escuchar a una de los invitados tocar el piano, descubren que no pueden salir de la habitación por alguna razón inexplicable. Al pasar el tiempo, estas personas que gozan de la más distinguida educación se convierten en salvajes, perdiendo la razón. Es cierto que el ser humano es sociable por naturaleza, pero el estar encerrado con muchas personas en una habitación sin poder salir y sin saber por qué debe ser jodidamente loco y difícil. Para sobrevivir rompen tuberías y sacrifican corderos que misteriosamente ingresan al lugar, como si fueran un regalo de algo divino. Misteriosamente igual como se quedaron encerrados, salen de la casa, gracias a Leticia 'La Valkiria' (Silvia Pinal) que se da cuenta que estan en la misma posición de aquella vez, de aquel momento que pasó todo. El final no decepciona, rompiendo el cráneo del espectador, en aquella escena de la iglesia y el mismo puto problema de nuevo.

Luis Buñuel en su libro El Ultimo Suspiro confesó: "A veces he lamentado haber rodado en México El ángel exterminador. Lo imaginaba más bien en París o en Landres, con actores europeos y un cierto lujo en el vestuario y los accesorios. En México, pese a mis esfuerzos por elegir actores cuyo físico no evocara necesariamente a México, padecí una cierta pobreza en la mediocre calidad de las servilletas, por ejemplo: no pude mostrar más que una. Y esa era de la maquilladora, que me la prestó"

Enter The Void (2009)

Ninguna nominación al Oscar.

Es un film interesante e imperdible. La forma en que se enfocan en el viaje producto por las drogas nunca antes se ha visto. Si me dijeran que hay miles de películas sobre drogas y mejores como: Requiem for a Dream, Trainspotting o Candy (2006 film), que son muy distintas entre ellas, diría que sí, están en lo correcto. 

Lo destacable es que este film te hace poner en los zapatos de un adicto y darte un trip sin la necesidad de haber consumido alguna sustancia prohibida. Por otro lado, también tocan el tema de la vida después de la muerte, respetando las palabras de Buda. No puedo seguir porque ya sería un spoiler. Vuelvo a repetir: no es la mejor película en su género que he visto, pero es algo que no puedes perdértelo. Hubiera sido mejor si es que hubiera durado media hora menos y hubieran omitido algunos planos repetitivos.

Un perro andaluz (1929)

Ninguna nominación al Oscar.

Película de culto. Pionero en el género del surrealismo. Luis Buñuel nos bombardea con un conjunto de imágenes y escenas aparentemente sin sentido que serán una gran patada al cerebro del espectador. 

La fotografía es en blanco y negro, indudablemente por la época en que se filmó. El guión fue escrito por Salvador Dalí y Luis Buñuel en muy corto tiempo. El dato curioso es que ambos tuvieron un sueño extraño el cual fue de gran aporte para el film: Luis Buñuel soñó con un hombre cortandole el ojo a otra persona y Salvador Dalí soñó que a una persona le salían hormigas del hueco de su mano. Por otro lado, la película fue muda en su estreno, posteriormente (1960) incorporaron la música clásica de Richard Wagner y una canción de Tango. 

Bueno, cultos lectores, vamos al grano y vamos a tratar de explicar aquellas escenas tan pastrulas: La escena cuando le cortan el ojo a un tipo simboliza que necesitaras tener una nueva visión para ver ese tipo de película nada convencional. La escena de las hormigas que salen del hueco de una mano simboliza deseo sexual, específicamente la masturbación. La escena en que aparece un andrógino (una mujer con apariencia masculina) y es atropellado por un automóvil simboliza el odio y desprecio que Buñuel y Dalí tenían en contra del famoso escritor Federico García Lorca ya que este estaba enamorado de Dalí. Esta escena es vista por un hombre y una mujer desde la ventana de un segundo piso, el hombre al ver morir al androgino se excita y persigue a la mujer, esta agarra como especie de una raqueta en forma de cruz que simboliza a la moral católica. La siguiente escena donde el hombre carga dos monjes, un piano y un burro muerto simboliza el peso de la sociedad que tiene bajo sus hombros. Por cierto, el burro muerto es una crítica al Platero de Juan Ramón. La escena donde la boca del hombre desaparece al estilo The Matrix, la mujer se pinta los labios y en seguida le salen bellos púbicos en la cara del hombre simboliza el sexo oral que fue era muy mal visto en esas épocas, por eso la mujer le saca la lengua y se va. La siguiente escena la mujer abre una puerta y al salir aparece en una playa donde conoce a un bañista con reloj eso simboliza la comodidad económica, que el tipo era un buen partido, rápidamente ella se va con él, feliz. La escena final nos muestra al bañista y la mujer enterrados en la arena, sin moverse, luego de una exhaustiva investigación descubrí que la mujer simbolizaba a la mantis hembra que se iba a devorar al macho, sin lugar a dudas, nos mostraba el miedo al amor que tenía Dalí. 

Jacob's Ladder (1990)

Ninguna Nominación al Oscar.

Adrian Lyne hace una crítica a los abusos cometidos hacia los soldados norteamericanos, por parte de su propio gobierno, al experimentar con ellos suminstrándole una poderosa droga en sus alimentos, con el afán de elevar su grado de agresividad, al creer que ellos eran muy blandos y no eran muy eficientes en su trabajo. 

Jacob (Tim Robbins) es un soldado que supuestamente se salvó de la guerra contra Vietnam. Es atacado por terribles pesadillas donde es perseguido por demonios y personas encubiertas del gobierno. El surrealismo logra darle momentos brillantes a la historia al confundirte cual de todo lo que ves es la realidad, además de algunas escenas perturbadoras sacadas de las peores pesadillas jamás soñadas. La realidad era que estaba muriendo. " Si tienes miedo de morir y te estás resistiendo, verás diablos arrancándote la vida. Pero, si estás en paz, los diablos se volverán ángeles que te liberen de la tierra. Es en la forma en que lo mires". Una vez que se entera sobre todo lo ocurrido en verdad, muere en paz. 

Repulsión (1965)

Ninguna nominación al Oscar. 

Roman Polanski nos sumerge en la mente desordenada de Carol (Catherine Deneuve). Es cierto que la primera mitad es sumamente lenta pero necesaria para introducirte a la protagonista y su ambito (su hermana que es la única persona que vive con ella, el hombre casado que sale con ella, un tipo que esta enamorado de ella y sus amigas de trabajo). 

Notamos que Carol es una persona solitaria y ensimismada, que siente repulsión (de ahí el título) por el sexo opuesto: vemos que odia a Michael (Ian Hendry), el hombre que sale con su hermana, y rechaza a Colin (John Fraser) a pesar que este le muestra sus más sinceros sentimientos. A partir de la mitad, la película empieza a tener buen ritmo. Su hermana Helen (Yvonne Furneaux) se va de vacaciones con Michael y ella empieza a volverse más loca. Polansky nos muestra a traves del sonido de las campanadas de la igleisa, los momentos surrealistas que ella pasa, sueña que es violada por un misterioso hombre, un fantasma de su subconsciente. Posteriormente asesina a Colin y a su casero, por miedo a tener contacto sexual. Luego de las muertes ella hace como si nada hubiera pasado y realiza funciones triviales como planchar y tejer pero vemos algo raro: plancha con el artefacto desconectado y teje algo sin forma. Permanece aislada en su departamento y a oscuras hasta que llegue su hermana y su amante.

Polansky mediante una metáfora nos demuestra el estado mental de Carol, el conejo pudriéndose simboliza que ella está perdiendo la cordura. También nos muestra que ella está obsesionada con el orden de las lineas pero llega un punto en que ella empieza ver grietas en las paredes, como si se deformara la realidad y como producto de su estado mental. La escena más surrealista y a la vez más terrorífica: ella pasa por un pasadizo, pero es tocada por brazos y manos que salen de las paredes, esto simboliza que está reprimida en lo sexual, que piensa que es un objeto sexual. Por último, en la escena final vemos el cuadro de su familia, vemos algo raro, Carol de pequeña mirando fijamente con odio a su padre, eso confirmaría la repulsión que siente hacia los hombres. 

Paprika (2006)

Ninguna nominación al Oscar.

El comienzo es jodidamente difícil, ya que te muestra a Paprika, el alter ego de la científica, el cual es un personaje que vive en los sueños de esta y por ende, se sumerge en las escenas más alucinantes, una tras otra, obligándote a unirte a esa locura. Debo confesar que al inicio se me hizo complicado, pero a la mitad ya estaba familiarizado con el ritmo del film. Animación inteligente que sin mostrarte un argumento absurdo te hace escapar de la realidad. El personaje principal es adorable.